Pages

sábado 31 de diciembre de 2011

Crítica : El Cambiazo (2011) ...Por desear lo que tiene el prójimo

David Dobkin, director de películas de humor como De Boda en Boda dirige a Ryan Reynolds y Jason Bateman en El Cambiazo, una historia desternillante que nos recordará a obras como De Tal Palo tal Astilla o similares, con la diferencia de ser más gamberra y adulta.

¿De que va?
Mitch y Dave son dos amigos que en una noche de alcohol y tras orinar en una fuente en un parque y desear cada uno la vida del otro, el deseo se cumple. Ahora, el gamberro y viva la vida tendrá que hacer de abogado y vivir en matrimonio cuidando a sus bebés y por todo lo contrario, el otro tendrá en su mano el poder para disfrutar y vaguear de la vida a tutiplén.

El argumento, que como he dicho, recuerda a De Tal Palo tal Astilla, está muy bien rodado y tras un brillante e hilarante inicio, el film tiende a recordar a últimas comedias gamberras del estilo que tan de moda está, como Resacón en las Vegas, Como Acabar con tu Jefe o incluso La Boda de Mi Mejor Amiga.

Olivia, Impresionante (la actriz mas bella del planeta)

Personajes.
Ryan Reynolds es Mitch, el amigo soltero que no deja de disfrutar de la vida y las mujeres. No acepta la nueva relación de su padre y aprovecha su vida en buscar empleo a base de películas porno.

Jason Bateman es Dave, el amigo casado, abogado, ahogado por el trabajo y por sus tres hijos que no le dejan dormir. Le echa el ojo a su secretaria pero sabe que no está bien.

Destacamos a Alan Arkin, que hace de padre de Mitch. Su papel es breve y correcto.
Pero quien merece toda la mención del blog es nuestra querida y preferida mujer mas bella del mundo, Olivia Wilde, que como curiosidad, aquí aparece mas irresistiblemente guapa que en ningún otro film.
Sus ojos, su rostros, sus expresiones, se realzan más al igual que su espléndida figura. Ésta mujer va a más, solo le falta un papel protagonista que la lance a lo máximo, porque sabe trabajar bien, lo ha demostrado, y es preciosa.

Impresiones.
El film contiene algunos golpes de humor francamente buenos, unidos al peculiar gamberrismo de la última generación de films de humor el cual se agradece.
Y ojo, este gamberrismo al que me refiero no tiene nada que ver al de películas horripilantes al estilo American Pie, no, ni hablar. Me refiero al hecho de ver a adultos comportarse como niños, mostrando hechos que nosotros mismos haríamos pero que no hacemos por vergüenza.

Éste tipo de films se agradecen aunque a más de uno les resulte aburridos, ya que prefieren ver comedias “románticonas” para reírse de verdad. Pues sí, que continúen con ello, porque ésta generación de cine de humor promete.

Pero esto no quita que el film sea una maravilla, evidentemente dentro del circulo de películas de humor que ya hemos citado, El Cambiazo probablemente sea de las mas bajas.
A veces le falta efectividad y por supuesto donde falla es en el topicazo. Algo que ya conocemos todos, y es que en el momento en el que sus personalidades se intercambian, nosotros sabemos de sobra como va a terminar todo. Sí, en ese aspecto no sorprende y recurre al film de humor típico que todos conocemos.

Bateman entre críos

Música.
Realizada por John Debney y sin mucho que destacar pues en películas de humor es difícil valorar con detalle una partitura bella (No son mis soundtracks favoritos), salvo excepciones, que las hay. En cualquier caso un score correcto y perfecto para el film.

En resumidas, un film muy entretenido y muy gracioso, que a pesar de sus enormes topicazos y algunos golpes menos efectivos, se deja ver y nos alegrará la tarde.

Lo Mejor del Film: Olivia Wilde. El comienzo y las meadas.

Lo Peor del Film: Pierde fuelle en la segunda mitad del film. Sabemos de sobra como va a acabar. Topicazo tras topicazo.

Calificación: 6/10



viernes 30 de diciembre de 2011

Crítica : A Lonely Place to Die (2011) Hermosos paisajes entre montañas

El director Británico Julian Gilvey, atrapa al espectador con un film de altura en A Lonely Place to Die.
La película , lejos de ser una cinta comercial, es otra visión a las historias de escaladores con algun toque de suspense. Cintas que vienen al caso como Vertige o incluso The Descent, donde el terror a algo desconocido y las alturas es brutal.

¿De que va?
A Lonely Place to Die nos cuenta la historia de unos escaladores que tras una reunión deciden quedar en grupo para subir una montaña peligrosa en la que han muerto 70 personas.
Sin embargo, justo antes de subir, en pleno almuerzo, escuchan el sollozo de una niña enterrada bajo tierra y con un tubo como respiradero.
La pequeña no habla su idioma, y mientras buscan ayuda, alguien comienza a deshacerse del grupo poco a poco.

Tras ésta premisa, la historia prosigue con la normalidad de éstos guiones que tampoco dan para mucho. Su magia consiste en los paisajes y en la tensión de la escalada.

Melissa George, de picnic

Interpretación.
A pesar de ser un film más independiente, consta de algunos rostros conocidos.
La protagonista, Melissa George la hemos visto en 30 Días de Oscuridad o La Morada del Miedo. Su trabajo es correcto, trabaja francamente bien, siendo ella la principal.

Pero también tenemos rostros como el de Karel Roden visto en 15 Minutos o RocknRolla.

En resumidas, es un reparto desconocido, que en conjunto mueve una típica película de persecuciones y muertes. Algunos están mejores que otros, aunque creo que el que peor trabaja a mi parecer es Stephen McCole, uno de los "cazadores". Le daría la palma a la peor interpretación.

Impresiones.
Me gustan éste tipo de películas. No son aventuras por el hecho de hacer escalada, es suspense y tensión, y hay grandes momentos en el film muy aplaudibles donde se nos corta la respiración. Algunas sorpresas que no esperaremos, y eso es mucho pues para ser un film de "menor" presupuesto, se nota cierta calidad en fotografía y arreglos.

Pero por otra parte, lo peor a mi parecer que podía ocurrir, es que se descubriese tan pronto todo el pastel, es decir, sabemos muy deprisa quienes son los acosadores, porqué hacen eso y para qué quieren a la niña, y eso le quita suspense y mágia.

Luego, y tal como dije, el papel de uno de los cazadores, el de la careta de perro en especial, me parece muy penoso. Le resta mucha puntuación a la película, pues más que una persona parece un terminator, y así no son las cosas.

Huyendo a toda leche

La Música
Realizada por Michael Richard Plowman, quien ha dado música a varios videojuegos y últimamente está trabajando en varios films, algunos más comerciales incluso.
Su composición para ésta cinta es muy hermosa, a mi parecer sorprendente, por lo cual la recomiendo para los fans de las Bandas Sonoras. Merece la pena.

Lo Mejor del Film: Sus paisajes. Su tensión. Su Score. Melissa George. Para los amantes del género.

Lo Peor del Film: Se descubre demasiado pronto todo. Stephen McCole.

Calificación: 6/10



jueves 29 de diciembre de 2011

Crítica : Un Dios Salvaje (2011) El alcohol, que rápido sube...

El amigo Roman Polansky es un director con mucho talento, pero que sin embargo cuenta con una carrera llena de altibajos. Lo mismo nos hace una Master Piece como El Pianista que una película menor como Oliver Twist, por mencionar alguna.

En 2011, todos esperabamos con entusiasmo Un Dios Salvaje, la última obra del director donde las críticas han sido brutalmente favorables.
Pero aquí uno que pasa de las críticas Americanas y de los premios dados a tutiplén, la vió sin pretensiones ningunas.

En efecto, esperaba una película buena con un reparto excelente.

¿De que va?
Carnage es una historia en la que dos matrimonios redactan una carta sobre una pelea entre los hijos de ambos. A raíz de ésto se entabla un extraño vinculo donde las conversaciones irán subiendo de nivel, sumándole a ésto cierta rareza muy peculiar.

Es aquí donde la interpretación cobra su fuerte ya que la película está completamente rodada dentro de un apartamento. Por lo tanto, la película es meramente una obra de teatro de hora y media, en la que a decir verdad, acabé un poco harto.

Winslet por los suelos

¿Que tal las interpretaciones?
John C. Reilly, Jodie Foster, Christoph Waltz y Kate Winslet son los encargados de dar vidas a éstos dos matrimonios.

Reilly es un hombre en cierta manera, más tranquilo, incluso simpatico. En diversos momentos se siente dominado por su esposa, pero todo tiene sus límites.

Foster es la esposa de Reilly. Una mujer que se desvive por su hijo y que ve al contrario como un castigo para la sociedad y por ello debe de ser educado según ella.

Waltz es un abogado apresado por su telefono. Tiene hijos con dos mujeres y aunque no lo parezca, es el más normal de la sala salvo por su agobiante trabajo. Su sinceridad es pasmosa.

Winslet es la esposa de Waltz. Una madre muy correcta, que ve bien la situación de los demás y que trata de quedar bien con el contrario. Pero puede que eso solo sean apariencias. El alcohol nos mostrará su verdadera cara.

Al menos la Kate está cañón

Impresiones.
Pues me esperaba más, mucho más. Es como si estuvieses esperando que estallaran y no lo hacen salvo por Kate Winslet que es la única que hace algo en la película.
El film aburre a pesar de no contar con una duración larga.
Cuenta con grandes actores, pero les falta un hervor.
El personaje de Waltz es muy pasivo gesticularmente. Todo lo contrario que el de Foster, donde se le ven las venas más pequeñas a punto de saltar. Por cierto, cada día está mas horrible. Nunca fue guapa pero ya va a peor.

El film, como ya dije es muy barato. Basado en una obra de Yasmina Reza, todo se basa en un teatro. Y bien claro está que en teatro es donde se ve mas clara la interpretación de cada uno.
Aquí, perdonadme que lo diga, pero me parece que la teatralidad es muy falsa. Tan falsa que es imposible que se emborrachen tan pronto con una copa de whisky.
No la trago.
Al igual que no trago que tras ese choque de caracteres, el matrimonio Waltz-Winslet que hace amago de irse en tres ocasiones, no se vaya a pesar de estar en el ascensor. Son cosas irónicas, que pueden ser propias de Polansky pero que a mi me chocan hasta aburrirme como ha pasado en ésta película.

Y no, no es mala, pero no es ninguna maravilla. Polansky puede hacer cosas mucho mejores.

La Música.
Éste es el año de Alexandre Desplat. No para. Creo que no he visto un año más completo y lo más curioso es que en cada Score suena diferente.
En Carnage hace una partitura cortísima, ya que la música toma protagonismo al principio y al final, por lo que lo aprobamos ya que apenas lo hemos podido saborear. Correcto.

Lo Mejor del Film: Winslet

Lo Peor del Film: Su falsa teatralidad.

Calificación: 5/10



Crítica : La Piel que habito (2011) Yo ya lo sabía...

No soy para nada partidario ni fan del cine de Almodóvar. No lo he sido y nunca lo seré.
Más de uno os preguntaréis el porqué he visto ésta película entonces.
Pues bien, paso a explicar.
A pesar de mis auto-prohibiciones (sí, me prohíbo ver éste tipo de cine, entre otras cosas para no perder el tiempo), mis amigos, grupos de cinéfilos y la crítica en general, ponían a La Piel que Habito como una obra magna de mano de la Manchega de Oro. Sí, así es como se conoce cariñosamente a Pedro Almodóvar.
Aún ni con esas me decidí a verla, pero fue el ninguneo de la academia Española para las candidatas al Oscar el que me hizo reaccionar al ver como era Pan Negro la elegida para luchar (bueno, luchar es una ironía) por el Oscar a mejor film de habla no Inglesa.

Increible pero cierto, daban de lado a Almodóvar... algo extraño ocurría.
Para colmo, la cinta ha ido ganando algunos premios en diversos certámenes en Estados Unidos lo cual no quita el merito.
Así que no os suelto el rollo, finalmente la vi por insistencia de algunos y ya me picaba la curiosidad, así que aquí voy.

¿De que va?
La Piel que Habito de Almodóvar es un film basado en la novela de Thierry Jonquet, donde nos cuenta la historia de un hombre, torturado desde que su hija fue violada y con una venganza entre manos.

Basicamente el resumen de la película está en esas dos frases que cito para no desvelar nada a aquellos que tengan cierto interes en verla, y es que si os cuentan algo, probablemente os chafen la mayor parte de la película.
Yo por suerte no sabía nada, así que la sorpresa fue "mayor"

Solo ver ésta foto ya tira para atras...

Cuando me puse el film, tengo que reconocerlo, me quedé dormido casi instantaneamente, aquello olía a tufo marujil de lejos, por lo cual me quedé a medias.
A pesar de saber de la tortura y de pasar una primera hora de aburrimiento crónico, decidí terminar de verla y cual fue mi sorpresa cuando, tal y como un amigo me había avisado (mi amigo Xarly del alma), el film cambia drásticamente, ofreciendo una parte de intriga y suspense al más puro estilo... bueno, no se definir con quien ciertamente, el caso es que cambia por completo.

La pregunta sería... ¿Para bien o para mal?
Pues ni para bien ni para mal, porque no sobresale nada, salvo alguna escena que uno no se espera, la película pierde fuelle cuando el "estilo" de Almodovar sale a relucir en momentos como cuando Vera amenaza con el cuchillo y se sitúa en un circulo rojo de una alfombra negra. Para mí eso no es cine, es más bien apuntar a cierto estilismo para parecer o querer tener clase.
Lo siento amigos, Almodovar me puede y la película, a pesar de ser de las menos malas del cineasta (Todo Sobre mi Madre es quizás mi "favorita"), sigue siendo un horror.

Muchos me escupirán en el día de hoy al leer ésto, pero es lo que hay. A otros les gusta Von Trier y les escupo yo. A mi no me gusta Almodovar, pues no hay otra, lo siento sinceramente.

¿Las actuaciones?
No se si os habeis fijado, pero quizas Banderas ha querido "americanizar" mediante su forma de hablar a su personaje como si de una película made in EEUU se tratara. A lo mejor es mi visión y oído, puede que me equivoque.
Sin embargo, tenemos en normalidad el hablar entre susurros, algo muy típico en el cine Español donde no solo tenemos que pegar la oreja sino quizás pasar la cinta para atrás mas de una vez.

Elena Anaya, ni fu ni fa. Antes era una chica guapa, ahora es puro hueso y en cuanto a actuación no me hizo sentir nada a pesar de su frialdad dura y evidente por su personaje.

El personaje de Marisa Paredes, perdonadme pero no lo entiendo y cuenta las cosas a medias. Es superior. Quizás es que es cine muy complejo para mí.

Y Roberto Álamo... madre mía madre mía, personaje puramente Almodóvar. ¿No?
Si ya en Aguila Roja no deja de triunfar con esa cara de serio, en ésta película tras no gesticular ni una sola vez, podemos darle el Oscar sin nominarlo!!

Anaya y Banderas, amor "pasional"

La Música.
Curiosamente, de lo mejor del film, la partitura de Alberto Iglesias. Pero ojo, eso no quita que se repita una y otra vez. No obstante, es de las mejores obras que le he escuchado al autor. Un aplauso por ello

En Resumidas y volviendo al film, una auténtica peste que dentro de lo malo, podría haber sido mucho peor, pero que sin duda no pasa del cuatro, por lo que el suspenso canta. Yo ya lo sabía antes de verla...

Y perdonadme que no haya sido más profundo con la crítica, pero es que tengo que ir a vomitar.

Lo Mejor del Film: El momento en el que se descubre al volver atras en el tiempo

Lo Peor del Film: Actuaciones, clichés Almodovoritas. Aburrimiento. Que una vez que se descubre todo el pastel, el poco interes del film se pierde.

Calificación: 4/10



lunes 26 de diciembre de 2011

Crítica : Mision Imposible 4 Protocolo Fantasma (2011) Brad Bird vuelve al espiritu de la serie!!

Ultimamente me rodeo de una especia de circulo vicioso donde el ver éste tipo de películas es de un pecado tan grande que te pueden tachar de tonto. Pero en este blog se critica absolutamente y paso de las exquisiteces de más de uno, donde la gente que ve a Lars Von Trier como un autentico Dios, es incapaz de ver películas de entretenimiento como la que voy a citar por el simple hecho de no estar a su "nivel".

Tom Cruise ¿Un gran actor?
Pues bien amigos, aquí servidor a disfrutado como un niño chico en el cine tras ver la cuarta parte de Misión Imposible, una saga que trae benefecios absoluto a uno de los infravalorados de Hollywood, el señor Tom Cruise.

Un Tom Cruise que a pesar de no ser el joven de siempre, se emplea a fondo para hacer por el mismo todas las escenas de riesgo y dejarnos sin habla en más de un momento.

Sí, Tom tiene buenas películas, y ya hemos hablado de ésto aquí en más de una ocasión. No sabe escoger guiones. Obtiene taquillazos pero mediante algunas películas que solo tienen la calidad y la imagen de su perfil, y eso le pasará factura con el tiempo.

Pero por otra parte es cierto que ha sido ninguneado en ocasiones tras papelones y peliculones como lo son Magnolia, Eyes Wide Shut o Jerry Maguire por citar algunos.
Sí, se llevará el Oscar algún día. El honorífico a los 80 años o el secundario por algún papel malo, como suele pasar.

Pero la cuestión hoy es hablar de Misión Imposible Protocolo Fantasma, un film de acción y espectacularidad sin limites, donde las fantasmadas van servidas en bandeja para el disfrute de la gente que no se quiere complicar.

"Sal del coche que prefiero ir a pata!"

¿Que linea sigue ésta cuarta entrega?
Convendría hablar de los anteriores films a modo de repaso para ver la evolución de la saga y el respeto hacia la serie original.
Tras una primera parte muy fidedigna al espiritu de la serie con esos trabajos en equipo y conspiraciones, en la segunda parte, John Woo se encargó de reventar la serie haciendo del film un autentico estudio de pirotecnia y malabares repleto de payasadas que harían las delicias de los amantes del cine de Chuck Norris.
Sabiendo que esa no era la receta correcta, a pesar de obtener una muy buena taquilla, en la tercera parte volvió la seriedad para contar una historia que sin embargo no tenía nada que ver con el alma de la auténtica Mision Imposible. El protagonista Ethan Hunt tenía que hacer todo lo posible por rescatar a su mujer que había sido raptada. Una película que se había alejado por completo de la linea original y que podía haber pasado por un buen film de acción sin más sin el logo y la música de la serie.

Y tras esa devacle, llegamos a la cuarta parte.
Puedo decir que ésta entrega es la mejor de la saga junto a la primera parte, al retomar por completo el espiritu de la serie. Un trabajo en equipo, una misión al límite, fantasmadas múltiples con una tecnología muy futurista y un montón de vueltas de guión propio de la serie.
Eso es lo que pedimos al film y eso es lo que nos han dado.
Brad Bird, director de Los Increibles de Pixar, ha sido una muy buena elección pues ha devuelto a su cauce la serie, y por eso queremos más. De momento, parece que Tom ha dado el visto bueno, aunque si sigue la linea de director, en cada película ha trabajado uno diferente, por lo que supongo que la quinta entrega cambiará.

¿Actores?
En Protocolo Fantasma, Hunt (Cruise) tiene nuevo equipo y para ello cuenta con actores como Jeremy Renner o Simon Pegg, una tremenda Paula Patton y una bellísima(ésta no está en el equipo) Léa Seydoux, actriz francesa de rasgos hermosos, entre otros actores...

Renner parece que no encuentra sitio en el mundo cinéfilo. Tras su mejor papel en The Hurt Locker, sus papeles como éste o en The Town, son muy simples y pobres, y no va a mejorar cuando lo veamos de Ojo de Halcón en ese bodrio anticipado llamado Los Vengadores.
Simon Pegg por su parte, hace lo de siempre, aunque creo que no ha estado acertado en sus gags como el tonto aunque listo agente de campo. En papeles como el de Scotty en el Remake de Star Trek, está mucho mejor demostrando que puede unir seriedad al humor de forma más convincente.

De Paula Patton poco puedo decir porque no la conozco. No es que me llame mucho la atención, pero hay que decir que en el momento de la fiesta en Bombay, está de rechupete.

El villano, interpretado por Michael Nyqvist al que muchos conocerán por su papel en la saga Millenium está correcto aunque no sobresale como un villano con carisma. Le falta más argumento y más papel, pero guarda su aspecto misterioso que es lo que cuenta a fin de cuentas

"Tuve que mandar tumbar el edificio para hacer la toma"


¿Y la Banda Sonora?
La música del film corre a cargo de Michael Giacchino quien ya trabajó en la tercera entrega, y las lineas que le da al tema principal son muy buenas, más intensas, tardías y mas musicales, sobretodo su corte para el tramo final de los creditos finales donde el uso de las cuerdas mientras suena la conocida melodía es francamente hermoso. Muy recomendable.

En resumidas, un film para despejarse, para disfrutar y para los amantes de la saga y sobretodo de la serie original ya que vuelve a su linea. Imprescindible ver en pantalla grande y saborear su acción, sus efectos y su música.

Lo Mejor del Film: Su espectacularidad. La mejor de la saga junto a la primera parte. Más fiel al original! Sus fantasmadas. Escenas que quitan el hipo y ponen en máxima tensión como la del Kremlin

Lo Peor del Film: Un villano sin carisma. Sus fantasmadas

Calificación: 7/10



Crítica : Warrior (2011) Amor de familia

Apenas ha pasado un año cuando pudimos ver e incluso en los Oscars del pasado 2010, se llevó algún Oscar, el film de lucha basado en hechos reales, The Fighter.
Película que entre los Oscars que ganó, el único merecido (a mi parecer) fue el de Christian Bale por su papelón. Sin embargo, el film era extremadamente aburrido y sobrevalorado, aunque para qué vamos a hablar de películas sobrevaloradas en los Oscars…

Warrior no tiene nada que ver aunque no lo parezca.
El actor Tom Hardy y Joel Edgerton, junto a Nick Nolte, completan un trío dispar en una película muy recomendable.

¿De que va?
Nos cuenta el regreso de Tommy (Hardy) al hogar donde vive su padre, el cual era anteriormente un borracho que pegaba a su mujer.
Tommy no quiere relación alguna pero necesita que lo entrene para participar en una gira de peleas, en la que el ganador se llevará cinco millones de Dolares.
Por otra parte, su hermano mayor, también luchador y a la vez profesor, está con la soga al cuello al tener en embargo su casa. Es por eso que vuelve a los entrenamientos duros para participar en el torneo.

Tras ésta trama, hay un choque de personalidades bestial, donde Hardy, por su parte, tiene la actitud y la fuerza más agresiva, mientras que su hermano es más humilde y a la vez, menos corpulento.

Padre e hijo

¿Cuál es el trasfondo?
El análisis de una familia destrozada, de personalidades muy diferentes. Dos hermanos con un enlace roto, un padre maltratador y borracho que intenta redimirse aunque sea tarde.
Los agobios, las presiones y las decisiones al límite llevan a esta familia a encontrarse de la peor manera.

Tras esto observamos como la vida de unos y otros no es tan diferente a pesar de las diversas personalidades y eso lo podemos comprobar en un final de film que sobrecoge al más pintado.
Si señores, después de lo que parece una película típica de historias destrozadas, finalmente, el film se sale de tópicos para mostrarnos algo que ninguno esperamos. Y como no soy malo no os voy a hacer ningún spoiler, pero sí que os aconsejo que la veáis pues sin duda merece la pena, no solo por salirse de la norma en éste tipo de películas sino por su trasfondo que es muy grande.

Sí, el film es muy recomendable y sus actuaciones son de lujo. Nolte tiene que ser nominado al Oscar si o sí. Joel Edgerton está teniendo más protagonismo desde películas como Animal Kingdom y se agradece porque es un gran actor. Y Hardy trabaja muy bien, pero tiene una pega, y es que en todas las películas que le he visto, siempre hace el mismo papel.
La próxima, The Dark Knight Rises, hace de lo mismo, aunque seguro que será otra historia.
Quizás será el físico, pero los papeles de Hardy en el cine son muy similares y pienso que eso le resta algo de puntuación al film que pese a ser grandioso, resulta normal ver a Hardy haciendo lo de siempre.
Es un buen actor, pero encasillado en éste tipo de papeles, por lo que podría ser mejor de lo que es.

Dando leña

¿Y la música?
La música de Mark Isham es muy buena. La composición está al nivel del film, sobretodo en las partes más sentimentales y en los momentos finales del film, donde lo emotivo se hace más patente. Es un Score a recomendar, incluso resaltamos la pista que une el Himno de la Alegría, tema de entrada del hermano mayor a los combates, mezclado con la partitura de Isham. Descomunal.

En resumidas, uno de los mejores films del año, claramente recomendable, y que nos hará olvidar otras películas del estilo incluso recientes como son The Wrestler o The Fighter. De todas esas, Warrior se lleva la palma, porque fuera de ser un film de torneos y peleas, es un film de sentimientos difíciles, muy difíciles.

Lo Mejor del Film: Nick Nolte. La ultima hora del film. El Score de Isham

Lo Peor del Film: Hardy haciendo lo mismo de siempre.

Calificación: 8.5/10



domingo 25 de diciembre de 2011

Crítica : 50/50 (2011) Te cambia la vida

El desconocido director Jonathan Levine que había probado con drama de toques ácidos con la película The Wackness protagonizada por Ben Kingsley y Famke Jasnssen, trata con respeto e interés el tema del cáncer en 50/50.

En éste film, los protagonistas son Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Bryce Dallas Howard y Anna Kendrick. Un reparto joven y muy prometedor.

¿De que va?
Levitt interpreta a un joven al que le es diagnosticado un extraño cáncer pegado a la espina dorsal. El doctor le dice que hay un 50% de probabilidades de vida, y es justo en ese momento que tras la vida amena y deportista de éste joven, todo se oscurece por completo para vivir con una extraña sensación de pena y desesperanza.

El film relata a la perfección el sentir de un afectado por la enfermedad desde el primer momento en el que se entera de su “problema”. Su forma de ver al mundo, el trato con la gente, y la desesperanza unida a un rayo de luz son los aspectos más notables a resaltar.

Bryce y Joseph

¿Por qué interesa?
El cáncer, por desgracia es un tema de moda, y cada vez más actual. Cada vez más podemos comprobar como a nuestro alrededor hay más gente que se ve afectada por ésta enfermedad con una edad muy joven. Y puede que algunos, como en mi caso, hayan vivido la experiencia más cerca al ser un familiar el afectado.

Ésta película nos ayudará a saber cómo siente una persona así y sobre todo a cómo tratarlos.
La interpretación de Levitt es muy buena. Ya nos tiene acostumbrados a papeles diversos donde es capaz de mostrar sufrimiento interior como sería el caso propiamente de 500 Días Juntos.
En la película, su personaje sufre a raíz de su enfermedad en aspectos amorosos y familiares, algo por desgracia a veces normal.
Su mejor amigo sin embargo se involucra y quiere hacerle pasar una vida normal aunque no lo parezca, y su terapeuta, inexperta, sentirá cierta ternura por el. Y es que el joven enfermo, tiene una voluntad de hierro a pesar de su frágil aspecto, aunque como comprobaremos, todo tiene limites.

Bryce Dallas Howard se consagra como secundaria guapísima y Anna Kendrick demuestra su valía tras Up in the Air, destacándose así como la única actriz que ha salido de un truño de película como es Crepúsculo y donde se demuestra que un secundario es mejor que los tres espantosos protagonistas.

¿Qué tal la música?
El film está cargado de una selección de canciones muy diversa. Y aunque yo no soy un fan de éstas bandas sonoras que tienen integradas variadas canciones, he de decir que la selección es muy buena, mezclando temas de Radiohead con otros de época y más actuales.
El Score está compuesto por Michael Giacchino y aunque tiene menos protagonismo que en otras ocasiones, es muy idóneo y correcto.

Lo Mejor del Film: Su historia y su aproximación a la realidad trágica de hoy. Levitt.

Lo Peor del Film: Seth Rogen no vale para actuar, ni comedia ni drama. Una Anjelica Huston forzada y sobrevalorada

Calificación: 7/10




viernes 23 de diciembre de 2011

Crítica : Alvin y las Ardillas (2007) Roedores parlantes

El director Tim Hill, (Garfield 2, Hop) se encarga de unir a través de canciones y tecnología de ordenador, a éstas ardillas con el actor Jason Lee.
Alvin, Simon y Theodor harán las delicias del espectador cuando hagan juego en la pantalla.

¿De dónde salen éstas ardillas?
Basado en una serie de los sesenta y que tuvo regeneración infantil en mi época re-creando de nuevo la serie allá por los ochenta a la que iban acompañadas algunas películas animadas, Alvin y las Ardillas ve su salto al uso real y 3D en ésta década.

Éstas ardillas parlantes, de la cual no sabemos su origen y procedencia ya que son las únicas que hablan van acompañadas de temas míticos con los que triunfaron allá por los sesenta. Tanto el Witch Doctor como el Christmas don´t be late, son nuevos arreglos de temas creados para las ardillas y que fueron un éxito.

Sus canciones.
Aquí por ejemplo, en España, todos recordamos el anuncio de los Lacasitos con la frase del “uh ih uh ha ha, pim pam toma lacasitos” (me lo he marcado, originalmente es Oo-ee, oo-ah-ah, ting-tang, walla-walla, bing-bang). Pues bién, la procedencia de éste mítico slogan publicitario es nada menos que de la serie y los discos de Alvin y las Ardillas.
Y para los que no me crean, aquí teneis el tema original con el fragmento de la serie de los 60 donde se explica con detalle el porqué de la canción del Wich Doctor, o el Brujo.



Y es que el fuerte de ésta película, son quizás sus arreglos musicales en los que se rinden homenaje a ellos mismos. Es por ello que reconozco que el Soundtrack de canciones está mejor que el Score propiamente realizado por Christopher Lennertz que a fin de cuentas es el típico utilizado para films familiares y comedias.

¿Merece la pena?
Francamente sí.
Es un film familiar, no hay duda, pero a diferencia de otros más recientes, como por ejemplo, Los Pitufos, Alvin y las Ardillas resulta más para todo la familia que el de los seres diminutos azules.
En cuestión, el film de los personajes de Peyó pegó el pinchazo por ser demasiado infantil.
La receta de Alvin (que igualmente hará las delicias de los peques) es mayor pues su humor es más casero y se agradece.
Sus personajes, sobretodo Theodor, enternecerá a más de uno, y por supuesto, todos aquellos que quieran revivir la experiencia, tendrán su oportunidad.
Actualmente hay una tercera parte en pantallas. Yo criticaré en breve la segunda parte para ver si mantiene el nivel o como en la mayoría de los casos, se convierte en un producto facilón y hecho con el único propósito de hacer caja.

Simon, Alvin y Theodor

No cabe duda que ésta película supuso la unión del 3D tan perfecto con la realidad. A pesar de haber anteriormente una infinidad de films donde ya se utilizó la realidad con la animación. Desde los tiempos de Roger Rabbit e incluso mucho antes. Pero a lo que me refiero es al uso de éste sistema tecnológico, con tanto detalle y tanta perfección (aún queda mucho para la perfección absoluta). Y es que a raíz de Alvin y las Ardillas, se comenzaron a preparar otros films para rememorar antiguos personajes de dibujos animados como serían El Oso Yogi, Los Pitufos y más que vendrán sin duda, aprovechando el tirón del aspecto tecnológico que tanta atención merece.

Lo Mejor del Film: Sus canciones. Rememorar a los personajes que tanto disfrutábamos de pequeño. Un buen film familiar.

Lo Peor del Film: Jason Lee da para mucho más. Los aspectos de malo infantil como el caso del productor discográfico. No pasa de ser un film meramente familiar sin dejar huella.

Calificación: 6/10



Y de regalo, la intro de la serie que veía allá por los noventa siendo un peque y que tantos buenos recuerdos me trae (había dos intros con la mísma música, éste era el segundo)


jueves 22 de diciembre de 2011

Crítica : El Rey León (1994) El mejor film animado de la historia

Aprovechando el uso del 3D, Disney se reinventa para tal y como hizo con La Bella y La Bestia, lanzar de nuevo en el cine uno de sus clásicos, en éste caso, a mi gusto y parecer, el mejor de la casa, El Rey León. Una maravilla que disfruté de niño y que gracias a éstos avances, he podido disfrutar de nuevo y revivir la experiencia.

¿Cuento de hadas?
El film sin lugar a dudas sobresale de todos los films Disney por, entre otras cosas, salirse de la tónica de cuentos clásicos.
Efectivamente, la película bebe más de Shakespeare que de ningun cuento escrito. Su homenaje a Hamlet (mi obra favorita) es muy claro y se agradece ya que nos aleja de los típicos cuentos de hadas donde todo es bonito.
Pero no nos equivoquemos, El Rey León es a fín de cuentas un film para niños, por lo que, terminar, debe terminar bien.

Y sí, para niños, pero los mayores disfrutarán una y otra vez. De hecho he de confesar que a la sesión a la que fuí había solamente dos pequeños, los demas eramos adultos y un buen numero.

Disney ha sabido dar buen uso de ésto pues ha cosechado más de 60 millones con su re-estreno, por lo que el añadido a su anterior estreno la convierte en uno de los films animados más taquilleros de la historia.

Scar es Irons, todo un villano


¿Opinión sobre el 3D?
Antes mencioné a La Bella y la Bestia, que fue el primer film de Disney en reestrenarse, dándo uso de éste medio.
Pues bién, el Rey León lo supera en cuanto a tecnología, pero eso no quiere decir que sea perfecto, pues a pesar de usar los fondos como diferencia, hay pocas escenas donde de verdad vivamos apasionadamente del uso de las gafas.
El momento inicial en la presentación de Simba, es brillante cuando Zazú aparece en escena, volando, donde realmente podremos casi palpar sus plumas.
La lluvía y el viento es otro de los protagonistas con ésta tecnología, y probablemente, para los que notemos bien la diferencia, en la estampida, notaremos tambien algo.

Sin embargo, me sigue pareciendo poco conseguido el uso del 3D en éstas películas.
Cómo Entrenar a tu Dragón tiene una calidad en su 3D alucinante, aunque bien es cierto que ante el 3D y el 2D hay un mundo a la hora de usar ésta tecnología, al igual que no es lo mismo un film de ahora con el trabajo que supone "restaurar" al 3D un film anterior. Es por eso que no me quejo, pero me doy cuenta de la dificultad de éste sistema ante la animación en dos dimensiones. Así que alabo el trabajo completamente y de nuevo, encomio a vivir la experiencia.

¿Porqué el mejor film de Disney?
Aparte de lo que comenté en el primer parrafo, hay que ver su forma de ser contada.
Comienza con una presentación que seguidamente da paso al titulo de forma culminante y fuerte.
Luego un plano del mejor villano de la historia en el mundo de la animación, Scar, donde nos muestra su personalidad, su forma de pensar y su clase.
Tras todo lo ocurrido en el film, el compendio de personajes (como en todo film Disney) es muy variado a la par que entrañable. No hace falta hablar de ellos pues son de sobra conocidos.

Contar con James Earl Jones, Jeremy Irons o Rowan Atkinson en doblaje y en caracterización, fue sin duda muy importante porque son tres personas totalmente distintas con una fuerza específica para cada momento y eso es algo que se agradece sobretodo por su respeto al doblaje en España el cual no tiene nada que envidiar siendo Constantino Romero y Ricardo Solans los amos del doblaje y lo siguen siendo.

Obtuvo 4 nominaciones al Oscar, ganó dos, al igual que 3 premios Globos de Oro entre los que se incluía el de mejor película en éste último.

"Oíd al Maestro"


¿Música?
Pero el mejor film Disney no es brillante solo por su contenido, también lo es por su música, la cual realizó un Hans Zimmer brillante que hoy día sigue y no para como los conejos Duracell.
Sus cortes de orquesta, mezclando coros africanos y temas peculiares suyos donde sabe tocar la fibra con su tristeza (This Land es un ejemplo), son tan maravillosos que sin duda se mereció el Oscar que ganó.

Junto a Zimmer, Elton John y Tim Rice daban forma a unas canciones que se quedarían en nuestra memoria para toda la vida, lo cual me recuerda el buen hacer de Disney en cualquier caso al no incluir su cinta renovada con la canción interpretada por Zazú, pues se salía del buen hacer del film.

Así que en resumidas, una obra maestra, una maravilla para mayores y pequeños, que ahora al menos podemos volver a disfrutar en la gran pantalla con la excusa del sistema tridimensional.

Para acabar, solo me queda decir, que quince años después, la impresión de volver a ver ésta obra maestra en la gran pantalla es la clara convicción de que la animación de Pixar y su 3D, por muy bien hecha que esté, no alcanzará la magia que Disney trataba de hacer con cada trazo.
No hay nada como el papel y el lápiz!

PD: Como anécdota, detrás de mi butaca había un chaval grande y grueso de mas de 20 años el cual no paraba de enloquecerme. Se sabía todas las canciones (al igual que todos los que estabamos allí) y algunos diálogos.
Para los que me conocen, saben que me se de pe a pa los diálogos del film y algunos voces las bordo. Pues bien, tras estar enardecido de cólera al no callarse éste joven, le dije seriamente pero respetuosamente, al ir por la tercera canción y escuchar más al gracioso que al film: "Yo también me sé los diálogos de la película, pero he pagado 7 euros por verla y no por escucharte, así que si no te importa, baja el tono". El muchacho, el cual reconozco que me dio lástima, reaccionó y se calló como tenía que haber sido desde el primer minuto.
A lo que me vengo a referir con ésto es que da igual la edad que tengamos, disfrutamos la película una y otra vez (pero por favor, respetad a los demás)

Lo Mejor del Film: Absolutamente Todo

Lo Peor del Film: Absolutamente Nada.

Calificación: 10/10



lunes 19 de diciembre de 2011

Crítica : Contagio (2011) La epidemia es lo de menos

Steven Soderbergh dirige en ésta ocasion a un gran compendio de actores, en un film que nos habla de ciertos puntos y aspectos en referencia a la expansion de un virus o plaga.

¿De que va?
Se cuenta el momento desde el principio en el que un extraño virus empieza a aparecer llevándose la vida de una empresaria Americana que contagia a varios de su alrededor en Japón, haciendo así que el virus se expanda rapidamente hasta crear una situación de alerta roja en el mundo.

¿Que diferencias tiene Contagio con respecto a otros films de virus en masa y similares?
Sí, Contagio no es una película que defina a grandes rasgos el momento pasado por el humano y lo que le rodea. A diferencia de películas que podrían ser similares como el caso de Estallido, el film de Soderbergh nos habla con profundidad de los intereses políticos, económicos y de farmacia que hay envueltos tras el origen de un virus desconocido.

Tras conocer a los personajes, nos damos cuenta como realmente hay personas a las que les importa poco la situación humana, incluso el número de muertos. Cuando es menor, poca importancia supone para aquellos que manejan el poder y que no quieren mover un dedo para no perder dinero ni tiempo.

El personaje interpretado por Kate Winslet se da cuenta de ello, y toma partido yendo a investigar, acercándose en demasía al peligro.

Cotillard en malas manos

¿A quien representa cada protagonista?
Lo bueno del film es que no hay un protagonista en cuestión, y eso se agradece, sobretodo teniendo a algunos en la pantalla como el caso de Matt Damon "caradepalo" que aquí no está nada mal.
Junto a el, tenemos a Laurence Fishburne, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Kate Winslet y Jude Law.
Cada uno hace su papel francamente bien, y se puede decir que ellos dividen a la película por sectores o secciones, haciendo referencia a cada movimiento fundamental de ésta película.
Paltrow y Damon son el matrimonio (en este caso Damon solo) que vive en sus carnes el virus como ciudadano. La ciudad se pone en cuarentena y deben vivir sin apenas ayudas y alimentos. Es la cara más real de una familia normal en pleno terror sociológico y humano.

Por otra parte, Fishburne se encarga de buscar soluciones y mediar entre politicos y médicos, haciendo lo posible por buscar una cura lo antes posible. Para ello cuenta con la ayuda del personaje interpretado por Winslet, que hará lo posible por hallar el origen del virus, mientras que los cientificos intentan buscar una cura mediante pruebas.

El personaje de Cotillard, otra emprendora que ha dado en el clavo sobre el origen y la zona cero, nos muestra la cara realista de aquellos que harán todo lo posible por obtener una cura sea al precio que sea, y por eso es raptada.

Y el personaje interpretado por Jude Law es la cara que lucha con realidad contra la política y sobretodo contra las empresas farmaceuticas que son las que realmente van tras el negocio. Él es un "reportero" que escribe en blogs y sigue con atencion cada paso que dan desde el gobierno

En resumidas, podemos decir que el film va un paso por delante de otros en los que solo se basan en movimientos de acción y respuestas ante un virus o ataque.
Aquí observamos con detalle cada uno de los papeles fundamentales en una alerta roja que sucumbe en todo el planeta.

Winslet pidiendo cita con el podólogo

Soderbergh ha utilizado perfectamente la angustia y la incapacidad realista para hacernos sentir como uno de ellos, ahogados y con pocos medios ante algo así.
Junto a ésto, no ha hecho uso de efectos especiales para mostrar ésta tensa sensación y es por ello que éste film es más de aplauso.

Por supuesto, a diferencia de otros en los que no se explican el origen y raiz del problema, podemos decir a ciencia cierta, que el director nos ofrece un epilogo brillante como cierre donde descubriremos el porqué a todo y ésto nos hará pensar lo facilmente expuestos que estamos ante cualquier plaga, virus o lo que sea.

¿Y que tal el Score?
En la música tenemos a Cliff Martinez, creador de obras como Solaris o la mas reciente Drive. EnlaceAquí realiza un tema que se repite constantemente y que viene de maravilla para mostrar la sensación de seriedad y alarmismo desarrollado en el film.
Es muy electrónico, y dentro de sus Scores que siempre lo son, éste está entre los más tecnológicos por decirlo de alguna forma dando uso principal a bajos y sonidos similares a los de 8bits como graves. En algunos momentos se utilizan cuerdas y tanto su tema principal como final son altamente recomendables. Martinez brilla una vez más y por eso es de mis favoritos.

Lo Mejor del Film: Su perfecta recreación y su angustia. Sus actuaciones. Su realismo y el no uso de efectos especiales. Su Score.

Lo Peor del Film: Puede resultar lento en algunos momentos. Es un buen film pero no es del todo brillante.

Calificación: 7/10




sábado 17 de diciembre de 2011

Crítica : Hobo with a Shotgun (2011) La Cortadora de Cesped que no fue

Salido de uno de los falsos trailers de Grindhouse, Hobo with a Shotgun del director Jason Eisener, supone el regreso de Rutger Hauer a la pantalla como protagonista.

El film es una serie B con matices, ya que cuenta con algo de presupuesto y eso se nota.
Me remito al film de Robert Rodriguez, Planet Terror, donde el gore y lo cutre se mezcla en un film con presupuesto para hacer parecer una auténtica película serie B. Con Hobo with the Shotgun ocurre algo parecido.

¿Qué oculta la película?
Tras el argumento manído de un hombre que acaba tomándose la justicia por su mano, como en una alta mayoría de films, la película es notable al referirse a éste protagonista como un hobo (vagabundo) que llega en tren a una ciudad corroída por la violencia y la maldad.

La idea de éste hombre no es otra que ahorrar para comprarse una compradora de césped y así formar una empresa. Sin embargo se encontrará con un dilema cuando teniendo el dinero exacto, acaba comprando una escopeta, acabando así con todos los despojos de la calle.
En su camino se encontrará con una preciosa chica a la que defenderá hasta el final.

Haciendo la compra

La película, tras éste argumento pobre pero bien llevado ante la cámara, oculta un montón de referencias al cine de los setenta y ochenta.
El comienzo del film con esas letras amarillas nos recuerdan a otras obras de Tarantino, con el toque clásico de los films antiguos a los que me remito.
Seguidamente y tras una música de orquesta bellísima, vemos a nuestro protagonista en un tren. Un hombre amable, tocando la harmónica, comiendo un trozo de pan.
Tras un paisaje de margaritas, el hombre llega a la ciudad. El film se torna completamente en oscuridad y en lo tétrico.

Es ahora cuando viajamos a los ochenta para ambientarnos con una música de sintetizador, propia de película barata, que nos recuerda a otros “grandes” títulos del género.

¿Serie B?
Junto a éstas mezclas, la película goza de unas escenas de aupa en cuanto a gore. Disparos que hacen reventar cabezas, tripas abiertas y sangre, mucha sangre. Una dosis de desahogo para todo aquel que quiera ver un film sin complicaciones, y que sea amante de éste género que tan extinto está últimamente.

Y es que películas de serie B hay muchas hoy, pero bien hechas, hay pocas. Y no nos referimos con lo de bien hechas a buenos efectos, sino no podría ser serie B. Me refiero a saber utilizar, a darle el momento preciso, a conjugar la escena de forma que cause impacto.

Todo un homenaje a la Serie B

En Hobo with a Shotgun eso se consigue con creces, y la película acrecienta ese impacto con los minutos. Sí, va a más poco a poco hasta que se colapsa en un final increíble donde no pararemos de disfrutar e incluso de reírnos.

Su montaje es exquisito y a mi, personalmente me ha encantado. Ha sido todo un deleite y un rato muy agradable, entretenido y a fin de cuentas ha resultado hasta cierto punto original. Hace falta más cine así!

¿Y que decimos de Rutger Hauer?
En dos palabras... Im presionante. Probablemente sea su mejor papel desde Furia Ciega, y es que tras dejar en todo lo alto el papel de replicante en Blade Runner, de seguro éste de Hobo es su mejor papel, seguido del personaje de Roy.

Lo Mejor del Film: Hauer. Su tono, su color, su música, su homenaje. La Plaga Una serie B como Dios manda!

Lo Peor del Film: Su tullido argumento.

Calificación: 8.5/10



Crítica : Red State (2011) Y sonaron siete trompetas en el cielo

La incredulidad de muchos se desvanecía por completo cuando vieron éste film por primera vez, sabiendo que el director era Kevin Smith.
Incredulidad por el hecho de ser Smith un director de películas muy características de humor ácido, negro y a fín de cuentas, más real.

Cine ¿De terror?
Se puede decir que Red State es la incursión de éste director en el cine “serio”. Y es que aunque la película fue vendida con un marketing atractivo tras algunos posters llamativos, realmente se vendió mal. Y se vendió mal porque al igual que ha pasado en otras ocasiones, nos hicieron creer que estábamos ante un film de terror.

Es cierto que hay suspense a grandes rasgos durante algunos momentos, pero en ningún caso Red State es un film de miedo. Mas bién es un thriller serie B.
Ya sabemos que Smith se maneja perfectamente con poco presupuesto, y aquí una vez más, lo demuestra.

Michael Park

¿De que va?
Nos cuenta el momento en el que tres amigos deciden responder a un mensaje sexual de una mujer desconocida para formar un “cuarteto”. Sin embargo, esto será una trampa para ser juzgados por la secta anti-homosexual de la región, la cual es sospechosamente seguida por un equipo de investigación especial en cuanto a tráfico de armas.

Sobre la película podemos dar algunos detalles que a mi parecer son destacables.
Aparte de la aparición estelar y más conocida del reparto, como es John Goodman (está más delgado o es mi visión?) el cual está correcto, a destacar dejo la interpretación del pastor de la secta quien se marca unos discursos biblícos que más quisieran muchos curas de la iglesia.
El actor Michael Park lleva tras sí el mayor peso interpretativo de la película y da buena muestra de ello. Una elección muy buena por parte de Smith.

Por otra parte, en la cinta tenemos a Melissa Leo, recien ganadora del Oscar por The Fighter, y aquí encarna nuevamente un papel de loca, fiel a los mandamientos del señor pastor. Aunque lo hace bien, no es una actriz que me guste.

Con respecto a la secta, está claro de que sus intereses son el mero hecho de crear una sociedad a lo The Village pero con maldad. Y es que tras usar como tapadera el acto gay, realmente usaban cualquier medio para matar a cualquier persona que peque en contra de la biblia, algo muy fácil.

Y Smith trata de explicarnos esto desde un principio en una escuela, donde una profesora malhablada y sus alumnos nos situan en el momento del film.
El desenlace de éste me parece francamente lo mejor de la película, el momento de las siete trompetas que no desvelaremos para aquellos que quieran echarle una visual

Goodman y el pelotón chiflado

¿Es Smith un director serio?
Sí, Red State afirma que Smith puede trabajar seriamente.
Puede, pero ¿es su género? Rotundamente no.
Red State no es una mala película, pero los clichés oportunistas y esa estratagema para venderla como film de miedo no ha funcionado en absoluto. Ni da miedo ni deja huella.
Hoy en día hay películas explícitas en cuanto a salvajismo, violencia y muerte. Por suerte ésta película no contiene nada de eso, pero quizás no le hubiese venido mal una dosis de acción, porque pese a durar menos de hora y media, a veces aburre y a fin de cuentas, salvo un par de escenas, el film se queda en un mero entretenimiento, salvado únicamente por la actuación del pastor.

Lo Mejor del Film: El pastor. Las siete trompetas. Entretiene. El film afirma que Smith puede trabajar seriamente.

Lo Peor del Film: No aporta nada nuevo. No deja huella. Puede aburrir. Los innecesarios momentos flashback!

Calificación: 5.5/10



viernes 16 de diciembre de 2011

Las Mejores Versiones (3) Neon Lights

Kraftwerk es un grupo Alemán de los 70 del que me empapé todos sus discos gracias al conocimiento de mi Padre. Sin duda entraron fuerte con su música electrónica. Fue tanto el empuje que tuvieron que algunas de sus canciones acabaron pasándolas al Inglés como el disco The Man Machine, que sin lugar a dudas fue su éxito mayor a pesar de tener otras joyas dispersas.

Es justo en ése disco donde podemos disfrutar de la pieza Neon Lights, que fue cara B del single The Model.
Ocurrió en el año 1978 cuando entró en listas éste tema Electrónico de éste grupo que sin lugar a dudas creó tendencia.

Entre las versiones, hay algunas notables, quizás la mas fiel es la del grupo OMD, donde realizan practicamente un calco. Es por eso que hoy me quedo con una especial al igual que curiosa. Y digo curiosa, porque resulta raro que un tema así sea versionado por un grupo completamente distinto como en éste caso es U2. Lo hicieron durante la gira Vertigo.

Fuera de la curiosidad, me parece de las mejores versiones que se han hecho del tema y por eso hoy volvemos con éste especial versiones con una curiosa pero a la vez bellísima canción






Tema Original Kraftwerk








Version U2








Y de regalo la Version que hizo Simple Minds del tema.



jueves 15 de diciembre de 2011

Crítica : Los Idus de Marzo (2011) La cara oculta del político

Los Idus de Marzo es un film dirigido por George Clooney. Tras Buenas Noches y Buena Suerte, Clooney vuelve al sistema político donde demuestra que se encuentra realmente cómodo. Y es aquí donde ejerce un papel fundamental de secundario, dejándole la batuta en la interpretación principal al actor de moda, Ryan Gosling. Actor que sin duda se está convirtiendo en uno de los bastiones fundamentales de éste cine de hoy junto a Michael Fassbender. Actores que agolpan la taquilla con varias películas y trabajando muy muy bien.

¿De qué va el film?
Los Idus de Marzo está co-escrita bajo Screenplay por el propio Clooney entre otros. Le tuvo que interesar mucho la historia pues sin duda es muy próxima a lo ocurrido hoy y a la vez muy interesante al mostrarnos los entresijos que hay tras las cortinas de los discursos de senadores y gobernadores.

El film nos cuenta la vida de Stephen Meyers, un preparador de discursos y de campañas de uno de los candidatos a la presidencia de los EEUU, el Gobernador Mike Morris.
Stephen conoce a una chica que trabaja en la campaña y se siente atraído por ella, hasta que sabiendo que lo que está haciendo no está bien, ocurre algo que sin duda cambiará la trayectoria de su vida.
Por otra parte, el equipo contrario quiere fichar a toda costa a Stephen para derrocar a Morris y así avanzar con su candidato…

Por supuesto, la película encierra mucho más que esto. Fundamentalmente, ésta es la breve sinopsis sin hacer spoilers, para aquellos, que serán muchos, que no hayan visto el film, puedan disfrutarlo con todas sus creces.

Y es que éste film merece la pena. ¿Por qué?
Se hablará mucho de ésta película, sobre todo ahora por la proximidad a los Oscars, aunque es cierto que no está consiguiendo los premios deseados.
No obstante, el film tiene mucho peso por contar una historia verdadera, y por hacerlo de una forma tan intrigante.
La película cuenta con algunas escenas que sin duda quitarán el hipo, y es que tras esas escenas nos daremos cuenta que las interpretaciones están de lujo.

Gosling es Stephen Meyers

De Clooney sabemos su valía para papeles complejos y grandes como por ejemplo Syriana o Michael Clayton. Aquí vuelve a brillar magníficamente, no solo trabajando, también dirigiendo. Cuida al máximo cada pausa, cada segundo y cada toma, y eso se agradece, porque se aprecia perfectamente.

Y de Gosling, tras Drive, película de infarto donde el actor está de lujo y tras ser el mejor en Crazy Stupid Love, he de decir que en Los Idus de Marzo está su mejor papel. Una magistral interpretación que hara que nos sintamos en la piel de su personaje. Tras ver su frialdad, comprobamos su sentimentalismo a través del amor, y de nuevo vemos una personalidad de hierro. A falta aun de ver Blue Valentine, por la cual dicen que es maravillosa, me pronuncio a favor de Gosling para su nominación al Oscar, sea por Drive o por ésta, aunque como ya he dicho, éste me parece su mejor papel.

Otro de los aspectos a destacar sin duda es el reparto de secundarios que sin duda es de lujo y que cada uno ejerce a la perfección lo que le ha tocado. Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seimour Hofman, una siempre bellísima Evan Rachel Wood y Jeffrey Wright para acabar. Un reparto excelente donde cada personaje es una pieza fundamental para éste tablero donde el juego se ve envuelto en corrupción y donde un mal paso te puede dejar fuera de carrera.

Clooney es el Gobernador aspirante a Presidente, Mike Morris

¿Qué hay de la música?
Alexandre Desplat no para. De seguro será nominado, si no por ésta película, por El Arbol de la Vida. Pero el Score realizado en Los Idus de Marzo es tan bueno, que recrea con todo detalle el suspense vivido en el film. Momentos de silencio y pausa donde la música es la protagonista, harán de ésta una banda sonora fundamental para los fans de Desplat y para los acérrimos a las bandas sonoras en general.

La última escena, la imagen y la música, sin duda son obras de genio. Merece muchísimo la pena. Hablaremos de ella próximamente. Lo merece, Desplat lo merece y por eso, espero que lo nominen.

Para acabar, como dato decir que Leonardo Dicaprio es uno de los productores.

En resumidas, un film que debe estar entre las candidatas al Oscar, con Gosling como actor, con Clooney como director y el film como principal. En unas semanas veremos...

Lo Mejor del Film: Interpretaciones de infarto. Argumento. Escenas que cortan el aliento. El momento telefono movil en la conferencia. El Score de Desplat. Clooney director!!

Lo Peor del Film: Se echan en falta más duelos cara a cara entre los principales.

Calificación: 9/10