El Criticón 5.1

Crítica : Justice (2011) Un buen argumento mal trabajado

2012-01-30T11:39:00.001-08:00

Roger Donaldson, director de películas tan variadas como No hay salida, Species o 13 Días, nos trae Justice, de título original Seeking Justice. Un film arriesgado, y digo arriesgado por tener como protagonista a Nicolas Cage.

¿De que va?

Cuando a la mujer de Gerard la violan brutalmente y la hieren, un hombre misterioso llamado Simon le pregunta a Gerard si desea acabar con el violador. Al acceder, no sabe que se mete en la boca del lobo a ser uno más en una cadena de asesinatos cerrados a base de favores.
Pero todo se complica cuando Gerard descubre pruebas en contra de su próxima victima, a la que debe matar...

Actores.
Nicolas Cage regresa tras el mayor bodrio del 2011, Bajo Amenaza. Y sigue estancado en productos de baja calidad, alternando buenas historias con algunas malísimas. Es lo que tiene tener que pagarle un pastón a hacienda...
Cage interpreta aquí a un hombre perseguido tras una mala decisión y, lo hace bien. Cage es un buen actor, siempre lo digo, pero escoge mal, muy mal...
En fin, el lo hace bien.

Junto a él, está inexplicablemente Guy Pearce, que va dando palos de ciego con algunas intervenciones sonoras como la de secundario en El Discurso del Rey o su papelón en Animal Kingdom. Aquí es Simon, un hombre misterioso que está a cargo de una "compañía secreta" que acaba con asesinos, violadores, pedófilos, o al menos eso parece...
Está bien, pero hay que reconocer que no pega ni con cola en ésta película

Impresión.
El film tiene un argumento que en su comienzo parece la típica historia de venganza, pero cuando ocurre todo, cambia por completo. Y éste aspecto hace del film más interesante, porque es una historia original hasta cierto punto y que engancha.
El problema está en su desenlace. Un pésimo final que sin duda mata la película y hará que caiga en el olvido como la mayoría de los films protagonizados por Cage.

Música.
Realizada por J. Peter Robinson. Bien adaptada al film pero tampoco he podido prestarle mucha atención. Más adelante quizás.

Lo Mejor del Film: Su argumento una vez toma forma.

Lo Peor del Film: Su desenlace.

Calificación: 4/10

Crítica : Margin Call (2011) El inicio de la Crisis

2012-01-30T10:05:00.000-08:00

J.C.Chandor es el director de Margin Call, un film demoledor que nos viene realmente bien para conocer con más detalle los comienzos de la crisis.

¿De que va?

Uno de los más poderosos bancos de inversiones se ve en graves problemas al darse cuenta tarde de que sus numeros han salido completamente del mercado. Es por eso que empiezan a darse una serie de decisiones que cambiaran la vida de muchos...

Actores.
El elenco es bastante grande, pero entre los principales y más protagonistas tenemos a Kevin Spacey, Stanley Tucci, Paul Betanny y Zachary Quinto, el cual produce la película también como curiosidad.

Seguidamente tenemos a Jeremy Irons, Demi Moore y Simon Baker, el mentalista de la tele.

Nos encontramos ante un elenco magnífico donde no falla absolutamente nadie, dándole una credibilidad a la historia aún mas real y eso es lo mas importante de cara a la compleja y dificil historia que se cuenta.

La Crisis financiera comenzó en Ameríca.
Es increible el ver como tras unas personas irresponsables, que no supieron llevar bien las cuentas ni la empresa, finalmente dejan a un país a traves de la bolsa en completa ruina.
Los detalles que se mencionan en el film, sobre valores inmobiliarios sin valor y el momento de la venta de éstos a cualquier precio son sencillamente demoledores, y podemos meternos en el pellejo de lo mal que lo pasaron algunos al saber lo que se venía encima y lo que tenían que hacer para no perder al menos un pellizco de dinero y poder vivir.

Todo eso lo refleja cada actor perfectamente para que vivamos intensamente el film. Una película que está casi toda rodada en un edificio de oficinas durante lo que duró el hallazgo de la noticia, unas horas nocturnas que llevaron de cabeza a una sucursal enorme.

Y el film es complejo por varios aspectos. Son términos que no usamos y algunos desde luego, no entenderíamos a no ser que fuésemos brokers o técnicos matemáticos. Y es por eso que el dueño de la empresa, interpretado por Jeremy Irons, está para que entendamos todo al dedillo cuando pide que se le explique todo como si de un niño se tratara.

Sencillamente genial. Es uno de los mejores films del 2011, no solo por su vital explicación sino por la majestuosa interpretación de cada uno de ellos. Por ver las burradas de dinero que ganaban algunos y el trabajo de otros, el despilfarro y los tejemanejes de las grandes empresas y de lo que son capaces de hacer por el bien propio más que el de los demás.

Música.
Realizada por Nathan Larson, muy buena para el film, con toques electrónicos, pausas y tensión. Y dificil de encontrar por ahora. Un Score recomendable y perfecto para el film.

Lo Mejor del Film: Es uno de los mejores del 2011 por su actuación, su argumento y su triste verdad.

Lo Peor del Film: Que a pesar de las explicaciones como la de Iron, a lo mejor nos cueste entenderla.

Calificación: 8.5/10

Crítica : Albert Nobbs (2011) La tía del sombrero de tío

2012-01-30T09:24:00.000-08:00

El director de Passengers o Cosas que diría con solo mirarla, Rodrigo García, realiza Albert Nobbs un film con el que ha contado con Glenn Close. Ella ha estado a cargo del guión (es una adaptación teatral) y la producción del film.

¿De que va?

En el siglo XIX, en un hotel de Dublin, trabaja Albert Nobbs, un criado que en realidad es una mujer. Sin embargo, a pesar de tener bien guardado su secreto, encontrará a otra mujer que se hace pasar por hombres y ésta le abrira la mente para próximos proyectos...

Actores.
Glenn Close es Albert Nobbs, la cual tiene una caraterización singular para parecer hombre. Se la ve forzada en éste papel, aunque indudablemente se lo ha trabajado. Prueba de ello es sin duda la nominación al Oscar como mejor actriz, aunque lo tiene muy dificil.

Jane McTeer es la otra nominada, en éste caso como secundaria. Ella es la otra mujer que se hace pasar por hombre, y aunque trabaja correctamente, a mí se me hace aburrido su trabajo.

Entre los demas actores está Brendan Gleeson, Mia Wasikowska y fugazmente un Jonathan Rhys Meyer, que siendo correctos, tampoco son vitales para el fundamento necesario del film.

Albert Nobbs, todo un ligón

Impresión.
El film está basado en una obra de teatro, pero ya que Glenn Close ha participado en la re-escritura del guión para la gran pantalla, desde luego se podía haber tomado algunas licencias que no han existido y que hubiesen hecho valer más enteros a ésta película.

Hay preguntas que de seguro todos nos haremos al ver el film. Por ejemplo, si ella quiere montar una tienda por su cuenta, ¿porque no se va lejos y se vuelve mujer de nuevo? Otra pregunta sería... ¿Porque no decide irse y enamorarse de un hombre?¿Tiene que ser de una mujer para que viva la otra torturada también??
Son sin duda preguntas que me llegaron a la cabeza mientras veía el film y que no entendía.

A ésto le sumamos unas actuaciones correctas pero no notable, y se nos hace un film en resumidas aburrido y tortuoso en ocasiones.
Los momentos de Close hablando como un machote... no se, son poco creíbles.

Y es que todo acaba con la caracterización. El film está también nominado a maquillaje, y yo debo decir que no lo merece en absoluto pues no me parecieron para nada creíbles las caracterizaciones. Jane McTeer es Jane McTeer, y yo desde su primera llegada en el film, lo notaba. No han podido engañarme ni un segundo, por lo tanto no hay magia.

Música.
Brian Byrne nos deja uno de los aspectos más positivos del film, su partitura. Repleta de bellas melodías, temas a piano y orquestados, merece sin duda una mención para un ranking de lo mejor del 2011 en cuanto a bandas sonoras. Recomendable. Por cierto, Sinead O´Connor canta una canción muy bonita

Lo Mejor del Film: Glenn Close

Lo Peor del Film: Glenn Close. Las preguntas del septimo parrafo de la crítica.

Calificación: 5.5/10

Crítica : Melancolía (2011) Diarrea Cerebral

2012-01-28T04:33:00.000-08:00

La última película del director simpatizante de Hitler, Lars Von Trier, es Melancolía, la cual tuvo mucho nombre en el pasado festival de Cannes y consiguió al menos el galardón de mejor actriz. Sin embargo, la cinta no sentó bien a parte del público por sus palabras. Y es que Von Trier es un inutil excéntrico que hace demasiada propaganda a películas que luego suelen ser un churrasco.

¿De que va?
Dividida en dos partes, la primera parte, Justine, nos situa en una boda y los desvaríos de una joven. La segunda, Claire, nos situa poco después en la vida de la hermana y el momento de la llegada del planeta Melancholía, un planeta que está a punto de chocar con la tierra.

Actores.
La protagonista de la primera parte es la horripilante Kirsten Dunst, ganadora en el festival de Cannes como mejor actriz. Su primera parte que es la más centrada en ella es una sesión agotadora en una boda sobre sobre los desvaríos de la novia, la familia, y la verdad, nadie lo entiende, creo que ni el propio Von Trier.

La segunda protagonista es Charlotte Gainsbourg, y es la chica de la segunda parte. Ella es la hermana que vive horrorizada por la idea del fin del mundo en vista del choque del planeta. Tiene que lidiar con su hermana enferma neural y hacer que su hijo no note que les llega la hora. Trabaja mejor que su hermana en la ficción.

Junto a ellos, está un brillante (raro, pero si) Kiefer Sutherland, que es el marido de Claire (Gainsbourg). Es de los pocos que trabaja en condiciones en el film.
A ellos se les añade Charlotte Rampling, Alexander Skarsgard, Stellan Skarsgard, Udo Kier y John Hurt. Actores con altibajos, algunos con poca importancia y a la par, actores que han sido pagados pero que no se sabe bien a qué han ido.

Explícamelo Von Trier, por favor

Impresiones.
Prometí no ver éste film, pero tras tener que terminar de hacer un ranking con las 15 mejores películas del 2011, debía verla pues ha sido una cinta que ha tenido cierta repercusión. Y seamos sinceros, a lo mejor podría sorprenderme...

Voy al lío de la cuestión. Von Trier intenta emular a Malick, pero fue tal la diarrea que le entró que tuvo que ir al baño y estuvo un par de semanas con cólico. De ahí el título... Melan Cólico. Sí, la primera parte del film es una siniestra diarrea pestaril que se hace eterna. En serio, cuando comenzó la segunda parte dije... ¿Pero hay mas??
Menos mal que en la segunda parte, parece haber más sentido y más película.

Y es que efectivamente, la primera mitad es un pedo de la mente de Von Trier y la segunda es una película. Buena o mala, pero es una película. Bueno, un cortometraje.

De todas formas, el film no hay por donde cogerlo y a pesar de su pretensión, tiene fallos como el del final que es tan grande como un planeta, nunca mejor dicho. Y es que si de verdad un planeta impactara con la tierra, no lo haría de esa forma ya que en el film, cuando lo hace, el planeta está lejísimos, tanto que se le ve la forma redonda y eso ni siquiera tendría que pasar.

Música.
A falta de originalidad, Von Trier utiliza la bellísima obra de Wagner, Tristan e Isolda para intentar hacerse un genio. Aunque él quiere ser un Dios. Salvo un par de momentos, la música queda bien, pero le viene demasiado grande al director, por eso, a mi parecer es un error ésta decisión. Mucha obra para poco film.

En resumidas, Von Trier puede seguir haciendo su cine, que yo intentaré evitarlo siempre que pueda.

Lo Mejor del Film: La segunda parte. La toma inicial de los planetas

Lo Peor del Film: Las innecesarias tomas a cámara lenta y esos paisajes, emulando a Malick. Kirsten Dunst. El hecho de tener que leer el nombre de Lars Von Trier junto al de la película al comienzo, su ego es inmenso.

Calificación: 3.5/10

Crítica : Criadas y Señoras (The Help) (2011) Un "Arde Mississippi" muy suave y bonito

2012-01-27T21:47:00.000-08:00

¿Tan dificil es llamarlo The Help? ¿O su traducción literal?? ¿Os habeis dado cuenta cuando la vieja piripi coge el telefono y le preguntan como se llama el libro y ella dice "criadas y señoras" lo mal que queda?? Los Españoles somos un caso...

Tate Taylor dirige éste film que ha causado mucho revuelo. Ha sido nominada a cuatro Oscar y ganó el Globo de Oro a la mejor secundaria.

¿De que va?

Nos cuenta la vida de la universitaria Skeeter, una chica que quiere ser escritora y que se le presenta la oportunidad de su vida cuando decide entrevistar a las criadas de color de cada casa. Sin embargo éste es un reto dificil ya que no se les permite confraternizar con los blancos y el escrito las metería en problemas ya que en el estado de Mississippi, la ley es muy estricta entre la separación de blancos y negros allá por los años 60.

Actores.
Supuestamente es Emma Stone la protagonista. Y digo supuestamente porque la nominación al oscar como principal se lo ha llevado otra en ésta película.
Stone es un actriz que no me gusta nada, nada, nada. Y que demuestra que es una chica de pocos recursos, que solo sabe lo básico y que no convence en ningún aspecto. Deja mucho que desear y estropea parte del film. Si hubiese sido otra la elegida, de seguro la película habría ganamos más enteros.

Viola Davis y Octavia Spencer son las criadas principales. Las dos nominadas como principal y secundaria. Y efectivamente, las dos están francamente bien. Son creíbles y su nominación era de esperar, una de las cantadas.

Las nominadas Viola Davis y Octavia Spencer

Por otra parte, otra de las nominadas es Jessica Chastain, la que recordaremos por El Arbol de la Vida y que aquí hace un papel completamente diferente pero a la vez, supremo. Es la que mejor está de todos y ojalá se llevara el Oscar por su magnífica actuación. Está perfecta y su cambio de caracterización tan brutal entre una película y otra es tan notable que no merece menos que la nominación.

Y junto a todas ellas, está la guapa Bryce Dallas Howard, que he de decir que hace un papel increible de mala pécora. Quien lo diría despues de haberla visto en The Village y partirse su carrera en dos tras papeles absurdos como el de Spiderman 3 o Eclipse que se iba a realzar poco a poco con participaciones en 50/50 y ahora más grande aún en ésta película. Un aplauso para ella y que siga así.

Y no podemos olvidar a una irreconocible Sissy Spacek que hace un papel brutal a la par que gracioso y que le de una nota de humor francamente necesaria al film, que está rodeado de cierta pena por el momento en el que se vive.

Impresión.
Es una película buena. No pensaba que me iba a gustar pues no es un género que vea fervientemente. Pero me ha agradado en gran manera y las actuaciones son geniales, de lo mejor del film.
Sin embargo, hay que ser realistas, The Help no es un peliculón, es una cinta buena que olvidaremos pronto. Y es que películas así hay muchas, y a la mente me llega Arde Mississippi, una cinta durísima basada en la mísma época y contando una historia a fin de cuentas similar ya que habla de la esclavitud y los problemas raciales. Desde luego no hay punto de comparación entre una cinta y otra ya que una es un peliculón (Arde Mississippi) y la otra es una película buena (The Help).

Música.
Thomas Newman ha vuelto a las andadas y lo curioso es que ha intentado innovar y no parecerse tanto a sí mismo. Tanto en Iron Lady como en The Help, ha realizado dos partituras notables, extensas y diferentes, y eso es de alabanza. Un Score con algunas pistas geniales y que en resumidas merece la pena.

Lo Mejor del Film: Jessica Chastain.

Lo Peor del Film: Hay mejores películas basado en lo mismo que ésta. Emma Stone le resta credibilidad a la historia.

Calificación: 6/10

Crítica : Midnight in Paris (2011) Dedícate a tocar el clarinete, Woody...

2012-01-27T21:00:00.000-08:00

La última película de Woody Allen está que arrasa. Ha sido nominada a cuatro Oscars nada menos.
Pero... ¿Los merece?

¿De que va?

Nos habla de un escritor americano que es un total enamorado del París de los años 20. Es por eso que a medianoche al escuchar el reloj, viaja en el tiempo y se encuentra con los escritores, pintores y músicos de aquella época.

Actores.
Owen Wilson es el protagonista principal, quien parece ser que reinterpreta al propio Woody Allen. Y digo parece ser, porque lo raro es que no la haya protagonizado Allen, será porque está mayor el hombre.

Como es normal y común en las películas del director experto en clarinete, no deben faltar actores a tutiplén, y es por ello que Kathy Bates, Tom Hiddleston, Adrien Brody o Carla Bruni, son solo algunos de los muchos que salen innecesariamente para que listos como yo estén durante toda la película... anda, pero si ese es... cucha! pero si el otro es... En fin, una torpeza a mi parecer.

Lerdos & Company

Impresiones.
Woody Allen no es santo de mi devoción, y probablemente no lo será nunca. Es cierto que hay un par de películas que me gustan, y aunque muchos no lo sepan, mi favorita es La Maldición del Escorpion de Jade, probablemente una de sus cintas mas ninguneadas en contraste con sus "grandes" clásicos primeros.

Volviendo al tema. El argumento de Midnight in París es probablemente el escollo mas grande para calificarla. Y es que ese absurdo, que para muchos la hace aún mas bonita, es sin duda lo peor de la película. Y logicamente, un film sin argumento, ya puede trabajar mel gibson cortando cabezas que no hay tu tía.

Una historia de viajes en el tiempo sin explicación...
Un actor imitando a Woody Allen y que es soporífero con tanta repetición sobre el París de los 20...
Unos actores que no se parecen en nada a los famosos que interpretan....
Y algunos actores que están para tirarlos a la basura como Rachel McAdams....
Un inicio para echarse las manos a la cabeza, enseñando postales de París... y eso es otro de los detalles-arcada del film. Siendo un "pedazo" de director, no te puedes limitar a enseñarnos postales durante dos minutos para luego empezar a poner unos créditos en negro mientras hay una conversación. Me parece ridículo.

En resumidas, un bodrio insustancial que no lo salva ni el tato.
El problema es que éste monumental tropiezo está nominado a nada menos que cuatro Oscars. Entre los importantes está guión y director...
Eso es lo peor, el INRI que nadie se explica. porque sin lugar a dudas, no merece ni una cosa ni otra. Pero claro, son los Oscars del siglo XXI y no tienen nada que ver con los del siglo XX..

Música.
Música variada, sin compositor fijo, con mezclas de aquella época. Jazz, Cole Porter, etc... Bonito Score pero de canciones y música que todos conocemos. Nada nuevo

Lo Mejor del Film: Espera que piense.

Lo Peor del Film: Sobrevalorado en todos los aspectos. Su argumento, actores, montaje... todo!

Calificación: 2.5/10

Crítica : Millennium Los Hombres que No Amaban a las Mujeres (2011) Fincher ha vuelto, firmes!

2012-01-27T10:49:00.000-08:00

Tras el batacazo de La Red Social, David Fincher, uno de los mejores directores del mundo, vuelve a encauzar su carrera ésta vez con un remake, algo inusual pero muy bien llevado por el maestro, que como siempre, logra darle una ambientación como él solo sabe.

¿De que va?

Mikael Blomkvist es un periodista que investiga un caso de asesinato sin resolver cuarenta años atrás. Trabaja para un hombre mayor con la encubierta de hacerle una biografía. Éste a su vez le promete pruebas para un juicio millonario que tiene pendiente contra un millonario para el que Mikael escribió cargos importantes sin cierto fundamento.
Mientras tanto, contará para el caso con la ayuda de la emo, Lisbeth Salander, que por otro lado tiene ciertos problemas internos con su tutor social...

Actores.

Mikael Blomkvist es Daniel Craig. Tras recordarlo intensamente por su papel de Bond y sobretodo sabiendo que está en manos de una tercera entrega de la saga del Agente Secreto, se hace raro ver a Craig en un papel de hombre serio y temeroso. Y lo hace francamente bien. Es un gran actor y el papel le viene al dedillo.
Incluso parte de "la tortura" me recordó a ese mal momento que pasa en Casino Royale, con incluso alguna nota de humor sarcástico.

Lisbeth Salander es Rooney Mara quien curiosamente ya había trabajado con Fincher en su anterior película, La Red Social. Ella es la más "sufridora" al igual que valiente en todo momento. No es un personaje fácil pero lo ha hecho a la perfección, es por eso que cuenta con una nominación al Oscar por éste papelón.

Junto a ellos, que son los protagonistas mas fuertes, nos moveremos entre Christopher Plummer, que vuelve a brillar nuevamente como secundario, Stellan Skarsgard, Robin Wright Penn y Joely Richardson entre los más conocidos y sin nada que reprochar desde mi opinión.

Pros y Contras.
Probablemente podría hacer una lista larga de pros y contras pero voy a ir a lo básico. Y es que el film me ha encantado, mucho, muchísimo. Se nota la mano de Fincher en cada toma, en su tonalidad, en su sensación lúgubre. Es puro agobio.
Eso, claramente es un Pro.
Y es que el contra mas grande del director, quizás sea el no haber realizado un film mas original. Un remake siempre va a estar en tela de juicio a la hora de comparar. Pero podemos decir claramente que el de Fincher es uno de esos casos perdidos donde el remake supera al original y con creces.

Y es que lo siento mucho, pero la película Sueca no fui capaz de terminarla. me pareció una completa tortura. ¿Y para que hablar del libro? Es uno de los mayores horrores habidos y por haber. Pero claro es mi opinión, para otros es una obra maestra... ese y los otros dos que tienen pinta de ser torta y media.
Un libro debe despertar el interés e incentivar a leer y no adormecer, aburrir y hartar como el caso de la novela de Larsson.
Pero cambiando de tema, hay que alabar con creces la labor de Fincher, ha superado a un libro-tostón y a un film completamente original.

Olvidémonos del presupuesto. Fincher ha sabido darle el suspense necesario, como siempre, y ha sabido imprimar cada detalle en la pantalla para que volvamos a vivir sensaciones similares como las que vivimos en films policíacos, que es donde más se defiende el director, como con Seven o Zodiac.
Bravo, bravisimo!

Solo le pido una cosa al director... que se deje de remakes y vuelva a lo que mejor sabe, cine de suspense.

Es solo un caso aislado. Por poner un ejemplo, fui incapaz de ver la versión Americana de Dejame Entrar, ya que la Sueca es tan buena que es imposible superarla. Por eso digo que hay casos, y casos.

Música.
Parece que a Fincher le gustó como quedó el Score de La Red Social y volvió a llamar a Trent Reznor y Atticus Ross. Y que decir? bueno, la banda sonora consta de dos versiones musicales, una el Inmigrant Song de Led Zeppelin con Karen O a la voz y otra el Is Your Love Strong Enough? original de Bryan Ferry y versionada por How to Destroy Angels. Las dos canciones están brillantes, espectaculares, sobretodo el estupendo inicio con Inmigrant Song tras un comienzo tranquilo entre una conversación a teléfono y seguidamente entran los créditos iniciales de forma brutal, creando un cambio enorme, con unas imágenes impactantes y que nuevamente me recuerdan a otros créditos del estilo Bond aunque algo más salvajes.

Sin embargo, todo el Score restante tiene un pro y un contra enorme. Y es que es totalmente perfecto para el film ya que es uno de los detalles que provocan más suspense y tensión durante el metraje. Sin embargo es totalmente desechable para ser audible en casa. A pesar de ser totalmente electrónico, que es del estilo que me suele gustar, no sirve para escuchar con tranquilidad. Por eso no es un Score que recomiende pero sí que es perfecto para el film en cada escena.

Lo Mejor del Film: Supera al original y al libro. Las actuaciones, el suspense.

Lo Peor del Film: Fincher haciendo un Remake.

Calificación: 7.5/10

Crítica : Beginners (2011) El Amor sin Expresion

2012-01-24T09:53:00.001-08:00

Mike Mills dirige Beginners, un film que se ha puesto muy alto en el ranking de lo mejor del 2011 y que cuenta con grandes atractivos. Entre ellos a Ewan Mcgregor y al nominado al Oscar por éste papel, Christopher Plummer.

¿De que va?

Tras la muerte de su padre, Oliver conoce a una chica en una fiesta de la que se enamora. Sin embargo tiene muy en mente la trayectoria y los dias finales de su mentor, el cual salió del armario a la vejez. Los dilemas y la vida de éste harán mella en Oliver, sobretodo cuando ha tenido muchas relaciones que no han durado nada.

Actores.
Ewan Mcgregor es el protagonista del film, el cual como muchos sabreis, es uno de los intocables del Criticón. Un actor que lo hace todo bien, perfecto. Sea cual sea la película, buena o mala, él actuará como mejor sabe. Un ejemplo lo tenemos en ese bodrio llamado Angeles y Demonios. Un desastre de película donde solo se salva la majestuosa actuación de Ewan alias Obiwan Mcgregor.

Junto a ella, Mélanie Laurent, la actriz-cantante francesa que encarna a una chica misteriosa sin pie fijo en ningún sitio y que se enamora de Oliver (Mcgregor). Su papel lo hace muy bien

Y para terminar, el más grande de todos en ésta ocasión es un secundario, nominado al oscar y ganador del Globo de Oro por su genial interpretación. Christopher Plummer, quien fuera el capitán de Sonrisas y Lagrimas y que no para de trabajar ultimamente, nos regala una actuación de quitar el hipo. Se enfunda en el papel del padre de Oliver. Un hombre que sale del armario en sus ultimos años de vida y del que su hijo beberá toda su experiencia.
Su papel es tremendo, espectacular... sin dudas se merece el Oscar.

McGregor, Laurent y Cosmos, el Perro

El amor sin expresión.
A la hora de ver un film de romanticismo, la mayoría de ellos nos presentan historias que a pesar de acabar bien o mal, todas se rigen por un patrón, y es el amor y el cariño, la atracción de dos personas. El problema reside cuando ésto ocurre como si fuera una novela, haciendonos creer que todo es bello y hermoso y que a pesar de los problemas, todo seguirá hacia delante.

Hay films que nos han demostrado lo contrario. Quizás uno de los casos mas recientes sea el de 500 Días Juntos donde nos muestra una realidad como un templo bajo base romántica.
En Beginners, encontramos los complejos entresijos de la mente del protagonista, que le impiden aguantar una relación estable. Su poca expresión, su inseguridad le obliga a tal cosa, es por ello que Anna (Laurent) le hace una pregunta muy básica al referirse al poco aguante de éste con respecto a las relaciones.

El film nos demuestra claramente el profundo pesar de una persona que siente la total necesidad de desahogarse con una compañera. Sin embargo, con ésta última empieza a poner en práctica la sabiduria de su padre, con el que fue en sus últimos años, tras la muerte de su madre cuando su unión se hizo más real.
El hijo, muy observador, comprende al ver a su padre muriendose, que de poco sirve amargarse y estar frustrado aun siendo tan joven. Su padre exprimía cada minuto con fiestas, sus amigos y su novio, y era hora de renovar la perspectiva mental de Oliver.

Música.
Realizada por David Palmer, Brian Reitzell y Roger Neill. El Score es variado, repleto de canciones, pero es sin duda las partes instrumentales por los miembros citados lo más hermoso. Y es que la Suite a piano de ocho minutos de duración es una pieza única y hermosa. Muy recomendable.

Lo Mejor del Film: Es uno de los mejores films de 2011 por su argumento, su profundidad y sus actuaciones. Plummer!!

Lo Peor del Film: Evidentemente no es una obra maestra ni la mejor del 2011, pero eso no quita que sea tremenda.

Calificación: 9/10

Crítica : The Artist (2011) Rumbo al Oscar y sin mediar palabra

2012-01-23T13:21:00.000-08:00

La película que está en boca de todos es The Artist, un film que ha tenido infinidad de premios obtenidos al igual que la sorpresa de muchos cuando fueron al cine y se encontraron con que la película era muda.

¿De que va?

Nos situamos en finales de los años veinte. George Valentin es un actor de gran éxito. Pero llega el momento en el que entra en juego el cine sonoro y ésto hace que Valentin recaiga profundamente en una depresión, sobretodo tras comprobar que su antigua compañera que empezó de extra, Peppy Miller, es una actriz de primera que le roba las portadas.

Actores.

Jean Dujardin es George Valentin. Es un actor conocido aunque no lo parezca. Le ponemos rostro en las películas del agente OSS 117 e incluso en la última entrega de Lucky Luke. Su papel aquí es el de un hombre carismático, que todo lo debe hacer y expresar con silencio. Tarea que sin duda no es facil y que Dujardin realiza de magistral manera.
¿Es un buen actor? Sí, lo es y con todas las letras. No hay mas que ver el film.

La actriz que le roba el protagonismo está interpretada por Berénice Bejo. Ella es Peppy Miller.
Curiosamente, la actriz ya había trabajado anteriormente con Dujardin en la primera entrega de OSS 117. Está muy bien aunque ella no sea a mi parecer una maravilla. Pero evidentemente sus movimientos, sus bailes charleston y sus caras de pena son muy conseguidas. Lo hace francamente bien.

Junto a los principales nos encontramos con algunos secundarios de lujo como son James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller y el mas curioso y breve, Malcom McDowell.

"..."

¿Es necesario una película muda en éste siglo XXI?

Pues tiene sus pros y sus contras, evidentemente. Aquí ya entra en juego la opinión de cada uno, pero lo que yo pienso es que el film no aporta absolutamente nada salvo cierto homenaje que se desprende en escenas entrañables como las iniciales donde podemos ver una película con una orquesta detrás para darle la merecida ambientación.

Y efectivamente, es un film muy bien trabajado, con unas interpretaciones muy creíbles.
El director Michel Hazanavicius sabía a quien escoger, pues es el director de las ya mencionadas parodias de Bond, con OSS 117. Con su protagonista, encontraba seguridad y sin lugar a dudas ha dejado en bien alto la película con el papel de George Valentin.

Volviendo al tema de los pros y contras. The Artist cuenta una historia que se le podría haber ocurrido a cualquiera. Sin embargo, es la forma en la que sucede todo donde habita la magia de ésta película.
Y es que si analizamos en profundidad, el film tiene cierto vacío al basarse únicamente en una historia de amor un tanto absurda. Pero hay otro inconveniente que voy a citar en el siguiente apartado, porque tiene relación su música...

Música.
Creada por Ludovic Bource, es sin duda uno de los scores mas llamativos del 2011. Sus premios están ahí de hecho. Y es que la música es basicamente el segundo protagonista principal del film.
Y es ahí donde habita otro problema. A mi parecer, la música a veces no conjuga, no conecta de forma perfecta para situarnos ante las expresiones de los protagonistas. Y aquí a quien le saldría bien el tema es a uno que repudio siempre, John Williams, pero en el caso, él es un as para apelmazar momentos y cambiar constamente para expresar un simple gesto. En éste caso, Ludovic se centra en hacer una partitura, bonita eso sí, pero que a veces no pega con lo que estamos viendo en pantalla.

No obstante, sigue siendo un film muy disfrutable.

Lo Mejor del Film: Su interpretación. Algunas escenas de puro homenaje al género. Uggie, el perro.

Lo Peor del Film: Su poca conexion entre la música y algunas escenas. Su innecesaria historia, la cual no aporta nada.

Calificación: 7/10

Crítica : Nader y Simin, Una Separación (2011) Una dura historia magistralmente interpretada

2012-01-23T04:49:00.001-08:00

A separation es el film ganador como película de habla no inglesa en Los Globos de Oro.
Lo dirige Ashgar Farhadi, y trata un tema dificil y complejo viviendo en Iran.

¿De que va?
Nader y Simin es un matrimonio que decide separarse porque ella quiere irse de Iran, sin embargo la hija se quiere quedar con el padre, por lo que ésto le impide irse. Sin embargo se separa momentaneamente y ella se va a vivir con su familia. Así, el padre y la niña se quedan solos con un abuelo que tienen que cuidar con Alzheimer. Sin embargo, por trabajo, se ven obligados a contratar a alguien que cuide del anciano mientras ellos no estan en casa. El problema surge cuando encuentran a su padre atado a la cama e inconsciente. Es entonces cuando ocurre algo doloroso, y es que la mujer que lo cuida, cuyo contacto debe de ser mínimo con el hombre, acaba enfrentandose con el, llegando a una situación terrible...

Actores.
No conozco ni al tato!! es cierto. Pero hay que decir que absolutamente todos están perfectos.
Hay que tener en cuenta que éste tipo de situaciones son muy dificiles y que incluso a veces se corren riesgos de pena de muerte al rodar ciertas historias que pueden poner boca arriba al País. Sin embargo, el director ha sabido manejar perfectamente la cuestión y ha hecho que los actores le den un realismo tan vibrante que nos creemos ésta historia en un ciento por ciento.
Es efectiva, dolorosa y profunda. Lo bordan, todos ellos.

Una historia que dejará marca

Impresiones.
Tras abordar estos temas como son los pecados de las mujeres al tener contacto con hombres aunque sea cuidando a personas mayores, y tras ver como se puede condenar a una persona a la carcel por hacer abortar a una mujer aunque sea sin querer, hay que tomar el asunto con pinzas. Y es que Irán no es un lugar facil para vivir. Por eso, la madre protagonista intenta llevarse a su hija fuera. Pero ella no acepta para obligar así a la madre a quedarse y volver con su marido.

El film es arrollador, y desde luego no tiene desperdicio.
Es cierto que para muchos, ver una cinta iraní puede resultar poco apetecible. A mi me pasaba. Pero tras las recomendaciones de algunos amigos y sus excelentes críticas y galardones en los Globos de Oro del 2011, he sentido cierta curiosidad. Y creedme, después de verla, he de decir que merece la pena y totalmente el aplauso de todos.
Es dura, pero hay que verla.

Y no voy a hablar de la música, porque a pesar de ser compuesta por Sattar Oraki, es muy discreta y apenas se escucha en el film salvo en los créditos finales donde escuchamos un tema a piano bastante bueno.

En resumidas, es un film a recomendar y una apuesta fuerte para los Oscars 2011.

Lo Mejor del Film: Su realismo. El trabajo de los actores es brillante. Su dureza

Lo Peor del Film: Que por el hecho de ser una cinta iraní, muchos no la vean.

Calificación: 8/10

Crítica : El Gato con Botas (2011) Cuidado que araña

2012-01-23T04:06:00.001-08:00

El director de Shrek III y Lluvia de albóndigas, Chris Miller, prueba suerte con uno de los personajes secundarios de la película del ogro verde. En este caso, El Gato con Botas, doblado íntegramente por Antonio Banderas.

¿De que va?

Nos relata el origen del gato protagonista y el momento de la búsqueda del ganso de los huevos de oro. Para ello se aliara con un huevo hablador, Humpty Dumpty y una gata ladrona sin garras.

Actores.
En doblaje tenemos como principal a Antonio Banderas, dándole vida y de que forma a un gato que es sin duda lo mejor del film. Junto a el y en doblaje original, comparte voces con Salma Hayek como la gata, Zach Galifianakis como el huevo parlante, y otros secundarios como Billy Bob Thornton o incluso Guillermo del Toro, el cual produce también el film.

Impresiones.
Pocas y breves. Un film meramente entretenido pero que si diluye en su perfecta introducción cuando entra el juego el huevo y el cuento de las alubias verdes.
No me gusta la saga de Shrek, me parece aburrida e insulsa salvo la primera entrega que fue toda una novedad con la historia de mezclar cuentos y hacerlos absurdos, y en El Gato con Botas ocurre lo mismo siendo todo parte del mismo universo. Y ese aspecto aburre y adormece en gran manera, siendo levantado todo unicamente por la actuación y sobretodo el doblaje de Banderas para el gato protagonista.

Asi se quedaron cuando se enteraron del cierre de Megaupload

Música.
Henry Jackman que está trabajando más que nunca, nos ofrece una partitura muy de mezcla andaluza-mexicana y nos regala momentos muy buenos de acción, llenos de ritmos y guitarras flamencas. Es un score muy recomendable.

En resumidas, hay poco que decir, el film entretiene, pero para ver una vez y olvidarse. Desde luego no ha sido una de las mejores cintas animadas del 2011.

Lo Mejor del Film: El doblaje de Banderas. El inicio del film y el origen del protagonista.El Score de Jackman

Lo Peor del Film: El volver a mezclar cuentos clásicos. El huevo parlante.

Calificación: 5/10

Crítica : Los Descendientes (2011) Y Porque sale Clooney que si no...

2012-01-21T10:13:00.000-08:00

Alexander Payne, director de Entre Copas, nos lleva hasta Hawai para contarnos una historia ganadora del Globo de Oro como mejor película dramática y ganadora por la interpretación del principal protagonista, George Clooney.

¿De que va?

Basicamente nos relata el dilema que siente un padre casado con su mujer en coma a punto de morir y con unas tierras pendientes de vender en la que sus primos, debaten si vender o no, ya que eso supondría grandes ganancias para la familia.
Por otra parte, Matt King (Clooney) debe lidiar con la responsabilidad de dos hijas a las que casi nunca ha criado.

Actores.

Todo el peso de la cinta recae sobre Matt King, el personaje interpretado por George Clooney el cual está brillante una vez más.
Encarna al padre ahogado por no saber que hacer en la crianza de su familia. Ahogado por los deberes de su empleo, y ahogado por las noticias en relación a su mujer que recibe. Todo conlleva a una interpretación dificil donde Clooney debe mostrarse airado, contrariado, y todo lo que su pesar conlleva.

Junto a él, tenemos a unas niñas desconocidas para la pantalla pero que trabajan francamente bien. Son Shailene Woodley, actriz de televisión. Y la pequeña Amara Miller que es la que ofrece la nota más simpática del film.

Junto a todos los desconocidos, está interpretando a uno de los primos, Beau Bridges, con más pinta de Lebowsky que nunca. De seguro es un buen look, robado de su hermano.

Beau Bridges Lebowsky y George Clooney

Una historia ganadora del Globo de Oro.

The Descendants fue toda una sorpresa pues recien estrenada en EEUU supuso la rápida nominación y su seguido galardón a la mejor película dramática.
La pregunta sería, ¿Es una historia para ganar el globo de oro?
La respuesta desde mi parte es evidente. No, no lo es. Los descendientes no tiene un argumento complejo ni con alguna que otra vuelta de tuerca. Más bien se cuenta un suceso ocurrido, trágico, y a raíz de ahí durante casi dos horas del film, no nos movemos en ninguna dirección.
Únicamente la interpretación de Clooney que sin duda es lo mas atractivo es lo merecedor del premio y de su visión.
Y es que aparte de contar poco, realmente todo suceso ocurrido en el film es altamente previsible, y para los avispados, todo ocurre como uno piensa. Es triste.

Para algunos, ésta película supone la joya del 2011, pero sin duda está muy sobrevalorada. Es una historia sencilla que roza el aprobado y un poco más por el peso de Clooney en la cinta, pero que si no fuera por ello, sin duda sería para tirar a la basura y olvidarse por completo.

Ésto es una muestra más de que los Globos de Oro son una piltrafa aburrida hecha para posar vestiditos y trajes durante la gala. Un timo en toda regla, casi igual que los Oscars, vaya.

Música.
En este caso, el Score es totalmente variado sin un compositor firme. Son todos músicos hawaianos, mezclando lo instrumental con lo cantado. Y se entiende que la música sea así, al ser rodado todo íntegramente en las islas. No obstante, es un Score pasable pero sin mucho que aportar, donde se salvan algunas pistas. Pasable.

Lo Mejor del Film: Indudablemente George Clooney.

Lo Peor del Film: Su argumento. Film totalmente sobrevalorado. Sin Clooney podríamos tirarla a la basura directamente.

Calificación: 6/10

Crítica : Robin Hood (2010) Mallas y barriga cervecera

2012-01-20T12:39:00.000-08:00

Ridley Scott nos ofrece una nueva visión sobre el personaje de Robin Hood. Es Russell Crowe quien lo interpreta, y para muchos, ésta re-unión parecía ser una continuación de Gladiator. ¿Fue así?

¿De que va?

Nos remontamos a los comienzos en los que Robin Longstride ejercía de soldado para el ejercito del Rey Ricardo. Sin embargo, tras su caída emprende una huida en la que hace que se encuentre con Robert Loxley, quien le pide antes de morir que lleve la Corona del Rey a su hermano Juan y ya de paso aprovecha para llevar la espada a su padre en Nothingham.. Mientras tanto, un aliado de Juan, Godfrey, emprende una emboscada para traer a los Franceses e invadir la corona Inglesa.

Actores.
Junto a Russell Crowe haciendo de Robin, tenemos un reparto brillante. Cate Blanchett como Marian, William Hurt como Marshall, Mark Strong como el villano Godfrey, Oscar Isaac como el inutil del Rey Juan, Danny Huston como su hermano, el Rey Ricardo, y Max Von Sydow como Sir Walter Loxley.

Todos están muy bien, y se nota el trabajo de cada uno de ellos y la inmersión al trabajar en una película con tanta calidad visual como suelen tener todas las de Ridley Scott.

Al galope con Babieca

La historia de Robin Hood, ¿Otra vez?
Hay más de una treintena de películas sobre Hood y cada una de ellas explica a su manera el origen de éste personaje.
Bien es cierto que la mayoría de ellas comienza con un Robin ya viviendo en Sherwood y dedicado a robar a los ricos para dárselo a los pobres. Pocas son las que empiezan con anterioridad a ese suceso. Y quizás la versión interpretada por Kevin Costner se adentre también en lo ocurrido anteriormente. Aunque son dos películas practicamente opuestas, con sus fallos y sus virtudes.

Sin comparar una u otra, hay que decir que la de Scott tiene algunos fallos de historia bastante importantes. Y el mas grande de ellos quizás sea el nombramiento de la Carta Magna en la que Robin propone al Rey que dicte. Una carta que sin embargo se redactó dieciséis años después de ese suceso y que no se refería a todo el pueblo sino única y exclusivamente a los nobles. Todo ésto lo vivimos en la película Templario donde se explica todo ello y la historia de el Rey Juan sin Tierra con más detalle.

Pero ¿era necesaria otra vez la historia? No lo era en absoluto, pero siendo Ridley Scott el director, de seguro era llamativo, sobretodo cuando nos hicieron la jugada para acabar metiéndonosla doblada al decir que la película se iba a llamar Nothingham e iba a basarse exclusivamente en el Sheriff, el cual sería interpretado por Crowe. Esa jugada no nos la creímos al ver como iban surgiendo las cosas, y finalmente Crowe se puso las mallas verdes con barriga incluida. Fue una pena ya que el otro argumento era atractivo

Impresiones.
La película consigue su cometido, entretener. Y su vuelta de tuerca contando éste origen, me parece muy atractivo. Pero claro, todo pintaba como una película repleta de acción en plan secuela de Gladiator y no fue así. Cosa que no me parece mal, pero sí es cierto que le falta más acción.

Por otra parte, tras ver el film en el cine, hay en BluRay una versión del Corte del Director (muy típico de Scott) donde encontramos más metraje y algunas escenas muy importantes que esclarecen más la historia como el encuentro de Robin y Marian con los "niños del bosque", que sin duda facilita más el porqué a la ayuda de éstos cuando estalla la invasión en el pueblo, y su final.

Y sí, me gusta el final, porque es precisamente donde empiezan todas, en Sherwood.
El film tiene algunas escenas muy buenas como la invasión final y la última flecha de Robin. Pero es cierto que tiene otras un tanto absurdas como el ver a Marian con un casco y batallando. Yo lo siento, pero no lo trago. Pero bueno, es lo de menos.

Robin Hood veraneando en las playas de Ibiza

Música.
Realizada por Marc Streitenfeld y digna de escuchar. Tiene partes impresionantes y está perfectamente adaptada al film. El corte Fate Has Smiled Upon Us y sus variantes es sencillamente perfecto. Muy recomendable.

En resumidas, entretiene, pero que estando la de Errol Flynn, que me quiten lo bailao.

Lo Mejor del Film: La vuelta de tuerca a la historia de Robin Hood. Russell Crowe, a pesar de sus quilitos. Entretiene

Lo Peor del Film: Algunas escenas evitables. No ver la version de Director.

Calificación: 7/10

Compilation BSO Criticón Vol.2

2012-01-18T15:24:00.000-08:00

Volvemos con una segunda entrega, con más tracks y mezcla de novedades y algunas joyas no tan pasadas, en próximas ediciones empezaremos a mezclar pistas clásicas que quizás no son tan conocidas como temas principales y tal.

En éste segundo volumen tendremos un poco de Howard Shore, John Powell, Mychael Danna, David Arnold e Ilanh Eshkeri entre otros muchos.

Para los que no lo sepan, los compositores e intérpretes vienen dentro de cada pista. Éste dato es para los amantes de los soundtracks que quieran saber a qué músico corresponde cada tema.
Éste es el tracklist de este segundo volumen.

1-Du Oben Ich Unten (Drei)
2-Goodwill (Rabbit Hole)
3-Uncle Tommy (Brothers)
4-In the Bathroom (Dedication)
5-Tightenville [Hal´s Theme] (Megamind)
6-Listen to the Beethoven (Warrior)
7-Kids (Red Riding Hood)
8-The Chase (Hugo)
9-Candles (Monsters)
10-Hamlet in the Rain (Anonymous)
11-Fate of the Ninth (Centurion)
12-Bull Run (Knight and Day)
13-Something Unforgivable (A Dangerous Method)
14-On its Head (Moneyball)
15-Road Trip Number 2 (Paul)
16-Leaving the Zone (In Time)
17-The End? (Sherlock Holmes Game of Shadows)
18-Damage Control (Skyline)
19-Flow Like Water (The Last Airbender)

(Descargar aquí)COMPILATION BSO CRITICÓN VOL.2(Descargar aquí)

Crítica : The Flowers of War (2011) Las chicas del Coro

2012-01-18T08:33:00.000-08:00

La película China, dirigida por Zhang Yimou, director de La Maldición de la Flor Dorada, la Casa de las Dagas Voladoras y a mi parecer, la inmejorable Hero, entre otras, entró directamente entre las nominadas a los Globos de Oro como mejor película de habla no Inglesa aunque se lo acabó llevando la cinta iraní.
Sin embargo, estamos seguros que luchará nuevamente por la candidatura éste año por los Oscars, pues el film es sin duda muy merecedor de ello.

¿De que va?
Nos cuenta el momento en el que estalla la invasión de los japoneses contra los chinos. Justo en ese momento, un americano, contratado para enterrar a un sacerdote recién fallecido, acaba metido en la Iglesia junto a unas niñas y un pequeño aprendiz. Éste hombre, tosco, borracho y con ganas de conseguir dinero acaba metido de lleno en la guerra y procura no salir de allí para que no lo maten. Sin embargo unas prostitutas entran y se esconden en el lugar, y le proponen a John, el Americano, que haga lo posible para sacarlos a todos de allí con la camioneta. Pero cuando todo parece iluminarse, los japoneses invaden la iglesia y los ponen contra las cuerdas.

Evidentemente, el argumento de The Flowers of War abarca más que lo que he contado, pero no quiero hacer ningún tipo de Spoiler ya que la película merece ser vista y que nos metamos en la piel del protagonista, por lo que tiene que pasar y lo que se ve obligado a hacer.

Actores.
El atractivo de éste film Chino sin duda es encontrarse con Christian Bale como el principal protagonista. Encarna al americano que por razones en contra de sí, acaba convirtiéndose en “sacerdote” para intentar salvar a las niñas.
Su papel es muy trabajado (como todo lo que hace), ya que se encuentra en un País que no es el suyo, donde no entiende el idioma y donde tiene que lidiar con Chinos y Japoneses. Aunque tiene razones para huir del lugar sin que lo maten, acaba mojándose ciertamente por las pequeñas y hará lo imposible por salvarlas de aquellos violentos y asesinos hombres.

Junto a él, la pequeña que relata la historia, la cual no tengo ni idea del nombre e Imdb no me lo falicita y la prostituta interpretada por Yan Ni Ni, que sin duda acaba confraternizando con el, realizan una excepcional interpretación, totalmente creíble y a la vez dura.

Impresiones.
Me parece un film muy a tener en cuanto por varios aspectos, primeramente por la actuación, pero sobretodo por la historia que nos cuenta, donde encontramos uno de esos relatos verídicos donde nos muestra la crueldad y la frialdad de la guerra en todos sus ámbitos, sobretodo la malicia de algunas de las personas cuando se enfrascan en una lucha.

En una guerra solo hay perdedores, y los que no luchan, por desgracia son afectados… por desgracia, a veces pierden más que aquellos que lucha. Y en ésta guerra comprobamos ciertamente como el ser un simple prisionero es cuestión de tiempo para que te maten aunque no hayas luchado.

En el film se muestra eso a la perfección, pero quizás lo más notable es la persistencia de un hombre, que aun sin necesidad de ello, es capaz de cambiar con tal de salvar vidas humanas. Pero por supuesto no es solo el, sino lo que ocurre al final del film y que no vamos a relatar, es sin duda uno de los mayores sacrificios humanos que se pueden realizar. El film pone los vellos de punta. Sí, es magnífico.

Música.
Es otro de los aspectos a destacar. Compuesta por Qigang Chen y acompañado en el violín pero el conocido ya en el mundo del cine Joshua Bell. A su vez, hay coros de geishas, de niños de orfanato y por supuesto de coral mayor, para darle un toque a los momentos de terror pasado por los protagonistas más aún mayor.
Estamos ante un gran Score, muy completo y por supuesto muy recomendable. Me ha encantado con todas sus letras. Hablaremos de él en el futuro.

Lo Mejor del Film: Christian Bale. El argumento, la dureza y la música del Film.

Lo Peor del Film: Que realmente ésto haya ocurrido de verdad.

Calificación: 8.5/10

Crítica : El Topo (2011) Dejando en ridículo a Bond y sus amigos

2012-01-17T11:55:00.000-08:00

Originalmente llamada Calderero, Sastre, Soldado, Espía (Tinker Tailor Soldier Spy), el Topo está basado en una novela de John Le Carré, para la cual ya se inspiró una serie anteriormente protagonizada por Alec Guinness. Es ahora Gary Oldman el encargado de revivir al personaje protagonista.

¿De que va?
Tras su jubilación, se le encarga a George Smiley, antiguo espía de la Inteligencia Británica, la misión de averiguar quien es el que pasa información a los Rusos. Se sospecha de un agente doble, un topo, y para ello Smiley debe de entrar en el juego de nuevo...

Actores.
Gary Oldman es el espía británico George Smiley, uno de los personajes emblemáticos en la historia de espías. Oldman lo borda. En su frialdad muestra el cansancio y la poca sorpresa tras haber pasado por guerras, soplones y asesinatos. Lo ha visto todo y es por ello que su rostro no se desencaja ante las sorpresas que surgen en el film.
Su caracterización, sus gafas... son muy similares a las de Guinness en la serie y logicamente perfectas con respecto al libro de Le Carré.

Junto a Oldman, los otros espías de los que no sabemos qué esperar son Colin Firth, Tobey Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, John Hurt y un irreconocible Tom Hardy.
El elenco está francamente y a mi parecer, exquisito, perfecto. No lo podrían haber hecho mejor. Todos y cada uno de ellos. Ya no es por resumir y hablar de cada uno en particular, es que a mi parecer, todos están genial y hacen que el film sobresalga aun más.

Gary Oldman es George Smiley

El espionaje dentro del espionaje.
John Le Carré no es facil de tratar a la hora de trasladar sus obras a la pantalla. A diferencia de los típicos films de espías que conocemos, algunos mas fantasmas (y entretenidos) que otros, los de Carré son sin duda para masticar muy lentamente y digerir sin prisas.
Cada detalle, cada momento y cada personaje están tratados con sumo cuidado, y es por ello que hay que alabar la tarea realizada por Tomas Alfredson quien fue el aclamado director de Dejame Entrar, la auténtica, la Sueca.
El cambio de registro del director ha sido muy factible y ha cuidado cada detalle realizando magistralmente un montaje en el film que solo los grandes son capaces de realizar.

El argumento de El Topo es uno de los mas complejos en la historia del espionaje pues se levantan muchas subtramas conjuntas que son vitales de explicar con detalle para unir cabos sueltos.
Y sin duda de alabanza es no solo el cuidado y mimo de éstas escenas, sino su apoteósis final donde vemos el lugar que acaba ocupando cada uno sin abrir palabra, solo música, y por cierto una música muy bien puesta en su lugar.

Música.
Realizada magistralmente por Alberto Iglesias quien compuso recientemente para Almodóvar, La Piel que Habito. Si he de mojarme, diría que en el Topo realiza un trabajo aun mejor, pues la selección de instrumentos y el estilo fijado para la época en la que se basa el film es sencillamente perfecto. Un score muy recomendable.

En resumidas, el film es sin duda una magnífica ocasión para ver cine del bueno, complejo y con unas magníficas actuaciones. Solo gustará a aquellos que valoran de verdad el buen cine.

Lo Mejor del Film: Gary Oldman y todo el compendio de actores a su lado. El argumento y su montaje. Perfecta dirección. Su frialdad.

Lo Peor del Film: Requiere un segundo visionado para esclarecer aun más ciertos detalles debido a su complejidad.

Calificación: 8.5/10

Crítica : War Horse [Caballo de Batalla] (2011) Spielberg nos intenta tomar el pelo

2012-01-17T05:28:00.001-08:00

El tite Spielberg, recien fresquito de hacer una muy entretenida película de acción y aventuras, Tintín y el Secreto del Unicornio, se enfrasca en uno de sus temas favoritos. No, no los extraterrestres, me refiero al cine familiar.

War Horse es una película de esas que citan a la familia por la tarde para ver felizmente con un buen bote de palomitas.

¿De que va?
Nos relata las vivencias de un caballo que es comprado por un hombre de forma inutil y al que deben enseñar a arar a pesar de su juventud para poder pagar la casa. Sin embargo estalla la guerra y el caballo es vendido. A partir de aquí se contarán mil peripecias por las que pasará el animal hasta encontrarse con su verdadero dueño.

La historia está sacada de un cuento infantil (no me extraña) y Spielberg la ha hecho completamente suya, rodeandola de guiños que hartan al mas pintado. Sí, guiños para hacer notar que ésto que vemos se trata nada menos que una pelicula del tio de la gorra.

La familia Alcántara

Actores.
El desconocido Jeremy Irvine es el legítimo protagonista. ¿Que digo? el prota es el caballo...
Bueno, el caso es que a Irvine no lo conoce ni el tato y su papel no me hizo ni fu ni fa, es decir, lo que hizo lo hace cualquiera.

Emily Watson y Peter Mullan son sus padres.
En el caso de Mullan al que destaco por hacer un papel tan horrible y por poner las caras mas imbeciles de la historia en un film tan absurdo, es para no echar gota. Es cierto que hace de padre tonto, pero su idiotez llega a la cumbre con esas caras de bobalicón únicas. Denle un Razzie por favor.

Quien sí me gustó, practicamente el que más, fue Tom Hiddleston, al que recordaremos por su papel de Loki en Thor. Aquí es el Alemán que compra a Joey (el caballito) y lo monta haciendo carreritas con sus superiores. Papel corto, por eso es bueno.

Y hay mas actores. Pero ¿para qué perder el tiempo si no salen mas de 15 minutos en pantalla? Aunque cuidado, que por menos le han dado un oscar a mas de uno...

Spielberg, a mi no me engañas.
Si amigos, el tite Spielberg pretende tomarnos el pelo con una historia al uso de esas que intentan que caigamos en la lagrimita facil.
Pues la lleva clara. Seguramente vería Hachiko y querría hacer algo parecido pero a gran escala. Claro, el en vez de perro, un caballo, porque es el tio de la gorra y tiene que hacerlo mejor que nadie.

A mi me gusta mucho Steven Spielberg, pero me gusta cuando hace cine aventurero donde nos regala grandes escenas de accion dignas para ver en gran pantalla. El Spielberg infantil que se quede en casa. Y es que dentro de todo lo "duro" que pueda suponer lo pasado por el animal, el aburrimiento se hace presente constantemente.

Efectivamente, aburre más que entretiene. Su duración excesiva se hace aun mayor cuando a falta de una hora para su conclusión deseamos que acabe todo de una vez. Pero no, el caballo va enganchando familia tras familia. Unas mejores que otras. Pero por favor ¿Era necesaria la historia de la nieta y el abuelo? Algunos dirán que sí por el tema de la compra final, pero todo eso es completamente evitable si el caballo lo hubiesen cogido los Alemanes en el molino. En fin, un petardazo.

Pero amigos, cuando todo parece que acaba, Spielberg decide hacerlo aun mas grande y realiza un guiño como si de un hombre apretando en el baño se tratara. Me refiero a ese final-homenaje-escupitajo al final de Lo que el Viento se Llevó. Todos nos hemos dado cuenta. Es aberrante, sencillamente aberrante, y una forma de insultar a una de las grandes obras del cine.
Ahí te has pasado colega. Tres pueblos y medio!.

La mejor escena del Film

Música.
John Williams realiza un mejor trabajo que el anterior en Tintín, y en su Score podemos notar como sus últimos tracks la cosa mejora hasta dejarnos unas bellas melodías que suben la nota sin duda. Sin embargo, todo lo demas es pura paja. Una amalgama típica de sonidos para unir bien con el film. Aprobado.

En resumidas, el film aprueba por los pelos y porque he redondeado para arriba.
Es verdad que entretiene a ratos, pero mayormente aburre.
Eso sí, destaco la escena del caballo corriendo entre las trincheras de los dos bandos. Ese momento logró hacerme despertar.
Spielberg ha querido hacer llorar al espectador, y de seguro que lo consigue con mas de uno. Conmigo no, desde luego, para llorar una y otra vez tengo Hachiko.

Lo Mejor del Film: La parte del Alemán. La escena del caballo en las trincheras.

Lo Peor del Film: Su aburrimiento. Su extrema duración. Su insulto al gran clásico en su escena final. Su intento de lagrimita facil. Peter Mullan.

Calificación: 5/10

Crítica : Templario (2011) Viva el Gore!

2012-01-16T04:57:00.001-08:00

Jonathan English dirige éste film basado en la época del siglo XIII, donde las batallas son el principal fuerte de la historia.

¿De que va?
La historia de Templario (Ironclad) relata los hechos desconocidos que ocurren después de la firma de la Carta Magna, un tratado que obligaba al Rey Juan a despojarse de sus injustas posesiones para dárselas a los venideros dueños.
Tras esto, el Rey Juan reúne un ejército venido del Norte para combatir a todos los firmantes de la Carta Magna y así volver a ser dueño y señor de Inglaterra.
Para ello quiere comenzar por Rochester, que es el bastión y la base principal de todos los comercios y pasos. Sin embargo, allí se encontrará con un grupo de valientes y un Templario que los acompañará para evitar el allanamiento.

Actores.
James Purefoy es el Templario que recordaremos anteriormente por ser el protagonista de Solomon Kane, un buen film con pocos medios que nos recordaba la obra de Robert E Howard.
Sigo diciendo que es un actor casi clon de Hugh Jackman aunque con algo de más mala leche. Trabaja bien en éste film pero hay factores que rompen todo, pero no por su actuación sino por el guión.

Brian Cox es el más veterano de los guerreros y quien se encarga a reunir al equipo de los carniceros mas salvajes para la batalla. Es un papel inusual para el y lo hace francamente bien.

Derek Jacobi que tiene la misma cara desde que lo vimos en la serie de Yo, Claudio, se afianza en sus papeles de hombre adinerado, dueño y señor y similares. Es todo un portento como actor y aquí interpreta muy bien al señor del castillo de Rochester y marido de una joven y bella damisela. Es un hombre aterrado por lo que va a pasar. Está muy bien.

Y algo inusual también es ver a Paul Giamatti en un papel que creo que le viene grande, y que a pesar de su buena interpretación como Rey Juan, le queda regular el vestuario y la corona. Es el más idiota de todos y en eso Giamatti es un experto, sin embargo le falta fuelle a la hora de mostrar un cabreo contundente, y creo que ese es su defecto mayor en la mayoría de sus papeles.

Aquí hay sangre a borbotones

La historia de Juan sin Tierra.
Fue a raíz de la firma de la Carta Magna el hecho de que se le diera al Rey Juan, el sobrenombre de Juan sin Tierra, lo que resultaba una burla total.
Fue por ello, que contrariado con los hechos y siendo un vil envidioso, decide buscar un ejercito de salvajes norteños para eliminar uno por uno a todos los firmantes.

Éste suceso supuso en la historia el comienzo de una guerra, conocida literalmente como La Guerra de los Barones que duró desde 1215 a 1217.
Una guerra que tuvo su repercusión brutal y que años más tarde dio lugar a una segunda la cual fue más conocida históricamente que ésta.

Impresiones.
No se le puede reprochar mucho a un film que a la larga es barato, pero que sin duda es muy trabajado especialmente en sus escenas de lucha donde el realismo es tal, que el gore se convierte en uno de los principales protagonista.
Y éste dato me parece bueno, pero quizás es de lo poco salvable en cuanto a contenido, ya que el film es muy pobre, inclusive en algunos efectos que abusan del ordenador como la carga de lanzamientos de piedras y demás hacia el castillo. Se nota muy falso.

En cuanto actuación, probablemente se hayan gastado todos los cuartos en fichar a Jacobi, Purefoy, Cox y Giamatti. Algunos mejor que otros y creo que hacen el film mas notable sin duda.

Podria haber sido mejor, evidentemente, pero también podría haber sido peor, y al menos consigue su cometido que es el de entretener.

Música.
Dirigida por Lorne Balfe y muy precisa para el film tratado. Nos situa a la perfección en cada escenario con su música, desde el primer corte con The Magna Carta hasta llegar a su último track. Repleto de coros y muy vibrante. Me gusta. Es un score bastante recomendable.

Lo Mejor del Film: Sus escenas de acción realistas. Su Score. Entretiene

Lo Peor del Film: Purefoy está sin apenas carisma en ésta película. Film pobre visualmente.

Calificación: 6/10

Crítica : La Caza del Octubre Rojo (1990) Películas así, hoy se hacen pocas

2012-01-10T08:05:00.000-08:00

Películas de submarinos hay, pero no es una exageración, es por ello que es fácil recordar cual fue la mejor o la peor realizada.
Hay grandes obras como Das Boot, U571, y películas muy malas casi insultando al género como Marea Roja o K-19, pero sin duda y para mí, la mejor es La Caza del Octubre Rojo de John McTiernan, director de La Jungla de Cristal.

¿De que va?
El Octubre Rojo es un submarino Soviético de alta tecnología comandado por el Capitan Marko Ramius, un hombre con planes diferentes a las ordenes establecidas.
El Doctor Jack Ryan estudia al Octubre Rojo y se da cuenta de que las intenciones de Ramius son otras a la destrucción de NorteAmerica. Emprende una misión para la CIA en la que tendrá que contactar con Ramius antes de que los Americanos y los propios Rusos lo destruyan…

"-Hace mucho biruji por aquí capitán"
"-Jaladriga"

Actores.
El agente Ryan es Alec Baldwin que está formidable y que realiza uno de sus mejores papeles. No siguió con la saga ya que fue Harrison Ford quien continuó con la obra de Clancy. Una interpretación magnífica en la que pese a ser el protagonista de la saga, queda como segundo al tener una interpretación mayor el personaje de Ramius.

El Capitán Marko Ramius es Sean Connery, quien ejerce de principal protagonista. No conocemos sus intenciones hasta la mitad del film donde nos daremos cuenta de su verdadera finalidad y sus planes, los cuales están medidos a la mínima.
Connery con su look de Ruso, quedó como uno de los actores mas elegantes y atractivos de la historia (ya lo era de por sí).
Su interpretación es de obra maestra, uno de los mejores actores que ha dado éste planeta.

Vasily Borodin es el segundo oficial al mando del Octubre Rojo y lo interpreta Sam Neill. El actor que lleva a base de altibajos toda su carrera, encontró en su papel de secundario una magnífica oportunidad para demostrar que vale para todo. Su papel es muy importante y francamente bueno. Y todos recordaremos esa frase en la que decía “Ya no podré ver Montana”.

El Comandante Mancuso del Submarino USS Dallas es Scott Glenn. Es quien recibe la orden de eliminar al Octubre Rojo en cuanto lo localize y Ryan hace todo lo posible por convencerlo de lo contrario.

Y alguien fundamental en ésta saga es sin duda James Earl Jones, voz de Darth Vader y Mufasa del Rey León y enorme actor que comenzó a las manos de Kubrick en Telefono Rojo Volamos hacia Moscú?. Earl Jones es el director de la CIA y a pesar del cambio de actor principal, él se mantendrá firme hasta los últimos films donde veremos su trayectoria al completo.

Y destacamos a un desconocido por aquel entonces Stellan Skarsgard interpretando al Capitán Viktor Tupolev, al mando del submarino Konavalov. Recibe la orden de eliminar al Octubre Rojo. Fue alumno del maestro Ramius.

-¿Hola? ¿Es el enemigo?

La tensión del Submarino.
El Octubre Rojo era un Submarino que se propulsaba a través de fuerza magnetohidrodinámica, lo cual lo hacía silencioso y a su vez imperceptible para otros submarinos. Su tecnología era superior a la de los Americanos, de ahí a que sus propios compatriotas decidan eliminarlo. O de ellos o de nadie.

Dentro del Octubre Rojo, podemos vivir y respirar una tensión única al ser uno de los escenarios mejor diseñados en cuanto al género marino. El centro de mando es totalmente vibrante y algo importante es la diferencia notable entre Rusos y Americanos.

El estreno del film fue polémico. Unos meses atrás fue la caída del muro de Berlín y por tanto las relaciones eran “mejores”. Sin embargo, en el film se vuelve a tratar a los Rusos como el enemigo, recién salidos de la guerra fría. Fue por esto que las críticas fueron muy variables al tacharla de arriesgada, pero por suerte todo quedó en lo que es, un magnífico film de tensión donde el espionaje copa lo demás.

Impresiones.
La verdad es que cada vez que veo ésta película se me cae la baba. No solo porque sea la mejor de la saga del Agente Ryan (lo es), sino por sus magníficas interpretaciones y su música.
Es un compendio de detalles, pero The Hunt for Red October es un film completo donde el drama, la acción la tensión y lo ácido ejercen de principal fuente donde solo hay que sentarse y disfrutar.

Y es que películas así hoy se hacen pocas.

Para mí, la mejor película de submarinos. Puede que alguien diga… “eso es porque no has visto tal película”. Pues puede ser, pero he visto unas cuantas, algunas mejores que otras, pero a mi parecer y mi humilde opinión es que La Caza del Octubre Rojo es hasta la fecha la mejor de todas. Por su suspense, actuaciones, y por ser en pantalla el comienzo de una saga vibrante de agentes de la CIA.

Las venideras películas del agente Ryan son sin embargo un cambio ya que tratan el tema del terrorismo entre otras cosas. Ésta toca más tema político y usa submarinos… premio para la de Sean Connery y Baldwin.

Música.
Otro de los puntos enormes.
Realizada por Basil Poledouris, creador de la obra maestra, Conan The Barbarian.
Poledouris está perfecto y probablemente sea una de sus mejores obras tras las aventuras del Barbaro.
Un Score repleto de enérgicos cantos Rusos (bellos y magníficos) que difícilmente escuchemos en gran manera como en ésta película. A ello le unimos una composición musical fantástica, como el corte Nuclear Scam de siete minutos de duración o Kaboom!!! , con el que finaliza el Soundtrack.
para ello, Poledouris contó con la Red Choir Army, es por ello que la Banda Sonora es una pieza imprescindible para aquellos que disfrutan una y otra vez con cada track del Score.

Lo Mejor del Film: Absolutamente Todo. El mejor film de Submarinos.

Lo Peor del Film: Absolutamente Nada.

Calificación: 10/10

Crítica : Acero Puro (2011) Un puñetazo al mejor género cinéfilo

2012-01-09T08:44:00.000-08:00

Acero Puro está dirigida por Shawn Levy y cuenta con la producción del incansable e infatigable tito Spielberg. Es un hecho que sus producciones no son una garantía de calidad en cuanto a historia aunque sí en ventas, como puede ser el caso de Transformers por citar alguna.

¿De que va?
Nos cuenta la vida de Kenton, un antiguo boxeador ahora dedicado a la lucha por medio de robots. Entretanto, tiene el encargo de cuidar de su hijo del que reniega, pero rápidamente unirán sus lazos cuando encuentren a un robot sparring que les sorprenderá hasta llegar al máximo campeonato.

Actores.
Hugh Jackman es Kenton. Acostumbrado a taquillazos netamente comerciales, Real Steel es uno más para añadir a su colección. Y esto es una verdadera lástima ya que un gran actor como éste, visto en lamentables películas de superhéroes y ahora esto... sin duda es un escupitajo al cine de verdad.

Lobezno fracasado con maquinitas a su alrededor

Junto a Jackman destacamos la presencia de Evangeline Lilly que no se porqué pero me recuerda en nombre a una actriz porno, y también destacamos a Dakota Goyo, que es el pequeño hijo de Kenton. La verdad que éste último hace una buena actuación aunque estemos hasta los mismísimos de los films donde los niños son autenticas cabezas pensantes.

Dos títulos que nos recuerdan a Acero Puro inevitablemente.
Evidentemente, todos pensamos en Rocky, y especialmente Rocky Balboa, la última entrega en la que *SPOILER* el viejo protagonista realiza un ultimo combate ante una joven promesa y pierde finalmente pero aguanta como un campeón. Algo ocurrido exactamente en Real Steel. *FIN SPOILER*. Pero si a esto le añadimos otra película de Stallone como es Yo, El Halcón, donde el protagonista es encargado de recoger y llevar a su hijo con el mientras éste participa en campeonatos de pulsos mientras van por carretera con su camión, tendremos sin duda la esencia clonada en la peli de Jackman.
Un dos por uno facilón y tremendamente aburrido.

Impresiones.
Quizás la palabra correcta no sea decepción, pero sí que es cierto que tras ver un film que mezcla la ciencia ficción (mi género favorito) con niños pequeños, sin lugar a dudas no solo es una patada en el estómago al género sino un insulto.

Y yo para ver películas infantiles, prefiero ponerme a Walt Disney que sin duda sus películas no solo son mejores sino que encima disfrutan los adultos.
Y evidentemente, muchos disfrutarán con ésta película tan familiar. Pero pensemos en una cosa que creo fundamental e importante.

Si en muchos casos, las familias intentan que sus niños se muevan con las mejores compañías, aprendan valores y digan no a la violencia, en ésta película se da una patada a todo eso.
Vemos al pequeño niño moverse en ambientes de adultos, campeonatos de violencia, gente corrupta y peligrosa y sin duda se le infunde y encomia para que maneje a su propio robot y pelear.
¿Es un videojuego? Lo pueden suavizar con eso, pero pensemos que no lo son, pensemos que son humanos y no robots… ¿de verdad nadie se ha dado cuenta que tras esa etiqueta de cine familiar, ésta película enseña malos valores para los pequeños?

No solo es un fracaso como film de ciencia ficción, también lo es como cine familiar. Y es una contradicción esto último ya que la película es infantil, mucho.

Haz el favor, pégame aquí para que reaccione, porque vaya truños que hago ultimamente

Y voy a sacar después de todo esto algo en positivo, que son los efectos especiales que me parecen muy buenos. Esas peleas de robots están muy bien hechas. Parecen dos muñequitos dándose leña. Un punto positivo por ésta parte.

Pero lástima que no sea suficiente ya que en resumidas, como contenido es una auténtica basura, porque si voy a ver una película solo por sus efectos, para eso veo Matrix Reloaded.

Música.
Realizada por Danny Elfman, que últimamente está trabajando más y mejor, dejando atrás su peculiar sonido Burton. Aquí está bien aunque se adorna aún más con temas cantados de grupos como los Rival Sons. Sin embargo éstas canciones pierden toda su magia cuando entra en juego el Hip-Hop de las calles, algo que cansa y que suena en una gran cantidad de películas.
Volviendo a Elfman, está correcto y tiene algunos tracks muy buenos. Un score salvable.

Lo Mejor del Film: Los Efectos.

Lo Peor del Film: Un film infantil sin valores. Ver a Jackman en cine tan mediocre. Un insulto a la ciencia ficción.

Calificación: 3/10

Crítica : Father of Invention (2010) El Pilladedos de la teletienda

2012-01-09T07:04:00.000-08:00

Trent Cooper y bajo guión suyo dirige Father of Invention, un film que cuenta con la interpretación de Kevin Spacey y un junto a el un compendio de actores desaparecidos y otros renacidos.

¿De que va?
Tratamos la historia de Robert Axle, un inventor de teletienda que mezcla objetos para dar a la luz nuevas adaptaciones. Es millonario, pero uno de sus inventos más vendidos, un aparato de gimnasia con el que puedes cambiar de canal de tv, tiene un defecto y corta dedos a tutiplén.
Por ello le cae una demanda y la mitad de la fortuna recae en su ex y la otra mitad en indemnizar a las victimas, siendo a su vez condenado a diez años de cárcel.
Al salir, y estando en bancarrota, intenta vivir con su hija, la cual vive con dos compañeras más. Intenta rehacer su vida trabajando en el mercado familiar, pero su ansia por inventar vuelve a renacer…

Actores.
Kevin Spacey es Axle. El film comienza con una presentación de su teletienda y su imperio, y seguidamente vemos el cambio brutal tras su salida de la prisión.
Spacey, que como todos sabemos es un actor increíble, trabaja enormemente bien haciendo su papel de casi indigente a todo lo contrario.
Sin embargo, a pesar de estar magnífico, el film no está a su nivel. Mucho actor para poco film.

Graham y Spacey dando caña al RockBand

La hija es la inexpresiva y sobrevalorada Camilla Belle, la cual ya no puede hacer películas de mayor nivel visto lo visto. Es una pena de actriz y su cara de pasmada le está pasando factura.

Heather Graham ha vuelto a la pantalla tras varias decepciones y caer en picado como muchas actrices olvidadas. Aquí ejerce de compañera loca y a la vez profesora de gimnasia. Trata mal a Axle pero acaba siendo la que mas lo comprende. Es lesbiana, aunque parece que no lo tiene claro.
Johnny Knoxville es Troy, mas conocido por Jackass. Es un jefe de unos grandes almacenes y a su vez es un pleno imbécil, por lo que el papel le viene al dedo. No obstante, no se vosotros, pero a mí me aburre eternamente éste hombre.

Y junto a Virginia Madsen como la exmujer de Axle, destacamos la aparición de John Stamos, ex marido en la vida real de Rebecca Romijn-Stamos y al que muchos recordaremos por el papel del Tio Jessie en la serie Padres Forzosos.
Aquí hace del dueño de la empresa que deja Axle, y acaba convirtiéndose en un vil copiador de ideas. Tremendamente rico.
A mi me gusta éste actor, creo que tiene carisma y perfil, no estaría mal una oportunidad en la gran pantalla a nivel protagonista.

Spacey en su trabajo recien salido de la carcel

Impresiones.
Es un film bien interpretado, sobretodo por Spacey claramente y Graham la cual recalco a pesar de no ser una de mis actrices favoritas.
Sin embargo, es un film que está a un muy bajo nivel y la verdad que no entiendo como el propio Spacey se implica tanto en un proyecto así, el cual produce también.
Y no es porque sea cine independiente, es porque su historia es muy floja, tanto que solo la salva la actuación protagonista.

De seguro yo no la habría visto si no fuese interpretada por Spacey.
Y es que su tono de comedia es prácticamente nulo. Es la típica mezcla comedia-drama sin gracia ni tristeza, donde a veces lo absurdo es lo principal.
Aburrida, sí, pero a su vez entretenida a ratos. Una mezcla rara que sin duda no me hará verla una segunda vez ni por error.

Música.
Nick Urata crea uno de los puntos mas positivos del film. Y es que tras algunas composiciones válidas como las de I Love You Philip Morris, el tono desenfadado de la música y esa mezcla utilizada tan peculiar por Urata, hacen del Score una pieza muy factible y audible para cualquier momento. Recomendable.

Lo Mejor del Film: Spacey y Graham. Entretiene a ratos. El Score de Urata

Lo Peor del Film: La inexpresiva Camilla Belle y Madsen.

Calificación: 5/10

Crítica : El Exorcista (1973) Has visto lo que hace la cochina de tu hija?

2012-01-07T06:49:00.000-08:00

La película más terrorífica de la historia según algunos.
El Exorcista está dirigida por William Friedkin, el cual acababa de realizar The French Conection junto a Gene Hackman y que posteriormente realizó otro film magno junto al gran Al Pacino, A la Caza.
¿De que va?
Una hija con extraños problemas es sometida a pruebas médicas continuas para averiguar por qué a sus cambios de humor y sus convulsiones. Sin embargo y tras no acertar con ningún diagnostico, la madre decide acudir en ayuda de un sacerdote con estudios en psiquiatría. Éste a su vez, convencido de que la niña no sufre problemas médicos, decide buscar a un experto en exorcismos.
Actores.
Es Max Von Sydow el actor más conocido sin lugar a dudas y que tiene un peso muy enérgico en el film a pesar de desaparecer durante la mayor parte de su metraje. Aparece al principio y en su mayoría al final, cuando el padre Karras acude en su ayuda para ejercer el exorcismo. Sydow es el Padre Merrin.

Quien lleva mayor protagonismo junto a la niña, es el Padre Karras, interpretado maravillosamente por Jason Miller. Su papel lo borda y sus expresiones son las de un hombre aturdido por la muerte de su madre, la cual no pudo cuidar como él quería. Vive torturado en su interior y éste detalle será fundamental para el final de la historia. Gran actuación.
Linda Blair es la joven protagonista que más tarde saldría en una segunda entrega de El Exorcista.Está francamente bien, al igual que el deterioro infundido por el maquillaje que sin duda es espectacular. Me parece un trabajo magnifico. Sin duda pasó a la historia… y ahí se quedó, ya que su carrera fue en picado. Con el tiempo engordó, fue drogadicta y salvo alguna aparición estelar como en la película Scream, no ha hecho nada notable.

El Terror.
El Exorcista es considerada la película más terrorífica de la historia del cine. Y es que tenemos que pensar en varias cosas. En primer lugar, el año, 1973. Si vemos ahora éste film notaremos lo bien conseguido que está, su ambientación y sobretodo lo explícita que és.
De hecho su vocabulario soez y obsceno era motivo de censura para aquella época.

Hay muchas películas de exorcismo, algunas mejores que otras, pero El Exorcista es la madre de todas, por lo que dentro del género terror, se la puede considerar como un film de culto en toda regla.
Pero seamos francos, hasta ahora nos puede gustar alguna más que otra, quizás no, pero El Exorcista de William Friedkin, por su edad, por su historia, por sus actuaciones y su ambientación, y por ser la primera, es la mejor.

No soy un experto en éstas películas a pesar de ser el género de Terror uno de mis favoritos. Hoy tenemos un sinfín de medios, pero eso no sirve de nada cuando no recreas un clímax de tensión donde se respira mala leche. Eso lo consigue ésta película, y cuando la ves te olvidas de todo por un momento. Es una gran película.

La pega que tenemos algunos como los de mi generación es que no hemos nacido en aquella época. Hoy hay a mansalva películas de terror, por lo que es difícil para mí decir que es la mejor. De seguro en su línea lo es, pero en cuanto a terror, he sentido ciertos repullos más en otras películas que en ésta a pesar de contar con algunas escenas que cortan la respiración. Aun así es uno de los films mas terroríficos de la historia, si.

Con respecto al rodaje, es conocido el caso de algunos de los familiares que trabajaron en el film. Algunos de ellos murieron en extrañas condiciones y otros siguen sin esclarecerse. Junto a esto, algunos grupos intentaron que la película no saliera a la luz, pero finalmente ocurrió lo contrario.

La Version del Director.
El Director´s Cut es una versión que se re-estrenó en los cines en el año 2000. Sin duda fue muy comentada pues en la película se incluían algunas escenas que no habían sido incluidas en el estreno del 73.
Efectivamente, algunas de sus escenas (aunque pocas) son apabullantes y más esclarecededoras, pero la mas comentada y a mi parecer la más terrorífica (por no usar otros términos) es la de la niña cuando baja la escalera. Totalmente de acuerdo en que es una escena que quita el hipo y está genialmente conseguida.

La versión del Director fue una excusa para hacer taquilla en el cine de nuevo. Sin duda mereció la pena recuperar un clásico de ésta manera.

Que me cago vivaaaa!!

Música.
Realizada por Jack Nitzsche, quien ya nos dejó perlas como en Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco. La música está perfectamente lograda, dando una ambientación de tenebrosidad y suspense propias para el film. Pero sin duda, lo mas notable es el tema escogido como principal de Mike Oldfield, el Tubular Bells, que sin duda es un hito en la historia ya que siempre relacionaremos su obra con ésta película.
Oldfield triunfó desde entonces y se aprovechó del éxito sacando varios discos con el Tubular Bells como excusa. (mi favorito es el 2).

Adaptación y Premios.
Se llevó el globo de oro a la mejor película y mejor actriz entre otros y en los Oscars obtuvo la suma de 10 nominaciones, obteniendo finalmente solo dos premios, el de Mejor Guión Adaptado y Mejor Sonido.

El Exorcista está basado en una novela de William Peter Blatty y el Oscar ganado fue de gran merito ya que su adaptación se trasladó a una época más actual pues en la novela el exorcismo ocurre en Washington en el año 1949, y ésta a su vez es una narración de un suceso real ocurrido en aquella época.

Como dato para terminar, hago mención de la foto de la portada. Para mi gusto es uno de los mejores posters de película, donde no solo refleja a plenitud lo que quiere decir sino que hace hincapié en el papel de Von Sydow. La foto de espaldas con el humo de la calle, la casa de fondo y una luz que enfoca a éste hombre, donde se muestra que todo lo oscuro tiene su salida como en éste caso es el exorcista. Una foto cogida propiamente de la misma escena de la película, hacen a mi parecer uno de los mejores posters (lo he dicho ya no?).

Lo Mejor del Film: Maquillaje, ambientación. Es la madre de todos los films de exorcistas. Las actuaciones. Lo bien que ha envejecido. Sigue aterrorizando.

Lo Peor del Film: Hoy no sorprende en su totalidad.

Calificación: 7.5/10

Crítica : Moneyball (2011) Memorias de un jugador frustrado

2012-01-04T08:51:00.000-08:00

Una de las películas mas fuertes del año es Moneyball, que suena para los Oscars entre otras por la interpretación de Pitt.
El director de Truman Capote, Bennett Miller realiza un film que va más allá de contar una historia de ese deporte llamado baseball.

¿De que va?

Nos cuenta la trayectoria de Billy Beane, el director general de un equipo de bajo presupuesto que tiene que luchar contra los grandes para estar arriba.

Tras ésto, vemos los entresijos del mundo del Baseball donde a pesar de ser un deporte que no dominamos mucho en España, resulta muy sencillo de entender.
Como ya dije, la película no cuenta una historia de equipos que ganan o dejan de hacerlo, sino nos habla del sentimiento atravesado de un hombre que a pesar de haber sido jugador, sintió que no le había llegado su momento, es por eso que decide dejarlo para convertirse en un cazatalentos.

Le resuenan en su mente las palabras del hombre que fue a ficharlo siendo mas joven, cuando decía que a muchos les llega la oportunidad a los 18 y a otros a los 40. Pues bien, Billy siente que está en su momento cuando decide por todos los medios prescindir de las estrellas mas sobresalientes de su equipo para lanzar un juego a base de estadísticas.
Sus fichajes ahora son mucho mas baratos pero a la suma son de máximo nivel en cuanto a estadística.
Empieza fallando pero llega el momento en el que el equipo hace historia, y todo ello a pesar de contar con el más bajo presupuesto de la liga.

Con este cuerpo serrano que Dios me ha dado, no soy jugador, soy entrenador

Impresiones.
Es un film que va a entrar en la batalla por los Oscars, como mínimo en la categoría de mejor actor. Y sí, Brad Pitt hace un buen papel, pero está lejos de ser su mejor interpretación, no obstante es cierto que éste año puede optar incluso por El Arbol de la Vida, donde trabaja mucho mejor que aquí.

No obstante, estamos acostumbrados a buenos trabajos de éste hombre, por lo que se va mereciendo un galardón de una forma u otra.

Con respecto al film, a pesar de ser una historia mas profunda en el ámbito deportivo y de estar bien, no es perfecta y sus tópicos como los momentos de espera y creadores de tensión como cuando esperamos a que le den a la bola en el último suspiro no solo son cantados, sino que están muy usados en este tipo de cintas.

Podía haber sido más de lo que fue y haber explotado mejor otros aspectos e incluso basarse más en otras cosas que no se explican como por ejemplo el hecho de siendo el equipo que menos dinero obtiene, como tras esa magnífica temporada siguió siendo el equipo mas pobre de la liga o porqué no le ofrecían mas ayudas. Son detalles secundarios que podrían haber enriquecido más la historia

Interpretaciones.
Tras decir que Pitt hace un buen papel pero no el mejor de su carrera, junto a el trabaja Jonah Hill, un joven con sobrepeso que hace un papel que podría haber hecho cualquier otro y con mas expresividad en su cara. No me gusta mucho éste actor.

Philip Seymour Hoffman vuelve a trabajar con el mismo director tras Truman Capote. Aquí encarna al entrenador del equipo. Trabaja poco y lo que hace es escaso aunque correcto. Tampoco es un actor que me disloque.

Cabe destacar el breve papel de Robin Wright Penn quien encarna a la ex-mujer del personaje principal interpretado por Pitt.

"-Tú, sal a batear!
-Es que soy el sicólogo del equipo.
-Estamos en crisis amigo"

Música.
Compuesta por Mychael Danna. Ofrece un score profundo y fuerte, muy recomendable y que analizaremos en breve. Algunos tracks son verdaderas maravillas. Desde luego ha sido una grata sorpresa. Muy recomendable.

Lo Mejor del Film: El Score de Mychael Danna. Es un film muy entretenido. Que no es una historia de equipos de Baseball como las demas.

Lo Peor del Film: Jonah Hill. Sobrevalorada. No es el mejor papel de Pitt, aunque sí muy bueno.

Calificación: 7/10

Crítica : Jerry Maguire (1996) Enseñame la pasta!!

2012-01-03T09:33:00.000-08:00

Le llegó el turno a una de mis películas favoritas, Jerry Maguire, dirigida por Cameron Crowe, un director que fue de más a menos y que últimamente se encuentra perdido en la nada.
De su filmografía, y a mi parecer, Jerry Maguire es su mejor película, para otros lo será Casi Famosos, sin embargo ésta ultima me parece un pelín sobrevalorada.

Claro está que Jerry Maguire cuenta con Tom Cruise en el papel protagonista, y eso a muchos les da raspe.
Pues bien, precisamente no solo es una gran película sino que Tom y compañía brillan en gran manera.

¿De que va?
Jerry es un representante de estrellas del deporte. Tiene a los mas grandes, sin embargo, una noche en la que se levanta algo resacoso y más pensativo que de costumbre, redacta una declaración de principios que es mas bien su pasaporte al despido. Lo publica y le da un ejemplar a cada empleado de su oficina hasta que al dia siguiente se arrepiente… pero ya es tarde.
Sabiendo lo que va a ocurrir, hace todo lo posible por que sus estrellas sigan con el, pero solo logra llevarse a un jugador poco conocido y de baja estatura para el futbol Americano, un muy hablador y de carácter muy fuerte llamado Rod Tydwell.
Al marcharse, una de las trabajadoras del lugar decide irse con el al ver en Jerry un hombre sincero y con principios a diferencias de todos los demás.
Ella es una madre soltera y empieza a ver a Jerry casi como un padre al ver el sentimiento que hay hacia su hijo. Pero los sentimientos se mezclan y la crisis del deporte se hace grande…

"Flipper se viene conmigo"

Interpretaciones.
Empezando con los secundarios tenemos a Renée Zellweger, en uno de sus primeros papeles y cuando estaba muy guapa al igual que ocurría cuando actuó en Yo, Yo Mismo e Irene.
Esta mujer se ha deteriorado con los años en muy poco tiempo.
Su papel como madre soltera lo hace muy bien y convence tras mostrar su pasión hacia una persona que se deja llevar por su hijo aunque el sentimiento hacia ella sea algo diferente.

La hermana de ella es interpretada por Bonnie Hunt. Es la guía sufridora y la que anticipa con detalle lo que va a ocurrir. Realiza en su casa reuniones de separadas donde el hombre es el enemigo como principal tema. Está muy bien su interpretación.

Cuba Gooding Jr se dio a conocer en ésta película y tras su magistral papel se llevó el Oscar totalmente merecido como mejor actor secundario. Es el jugador de futbol que se queda con Jerry, esperando la llegada de un contrato millonario que mantenga a su familia una vez se jubile. Su interpretación desenfadada y a veces cómplice es tan perfecta que enfocó a la perfección el modo de ver la fama y las ganancias entre unos y otros.

Y para finalizar, Tom Cruise. A pesar de contar con algunas apariciones de otros actores como Beau Bridges, nos quedamos finalmente con Cruise, quien aquí nos dejó uno de los mejores papeles realizados en su carrera (sino el mejor).
Su papel de agente y representante define muy bien el ir y venir de aquellas estrellas que están ahí no solo por ser buenos deportistas sino por el empuje de una persona que interacciona con grandes empresas y equipos para conseguir el mejor contrato.
Cruise sufre, llora, ríe y yo me lo creo. Es ahora cuando los “ciegos” le dan la espalda. Los mismos Oscars se la han dado una y otra vez, pero probablemente fue éste el esquinazo mayor a su esfuerzo y su buen hacer, aunque ganó el globo de oro.

Es cierto que el deterioro de éste hombre es notable al escoger papeles. Y aunque sus películas siempre están llenas de calidad, es él quien necesita un buen asistente para seleccionar guiones. A pesar de ello, es innegable que sus películas son de un disfrute sin igual.
Y con Jerry Maguire, probablemente estemos ante una de sus mejores interpretaciones, así que yo reitero y recomiendo el film para aquellos que aún no la hayan visto.

"Enseñame la pasta"

El real y crudo mundo del deporte.
Efectivamente, la película nos cuenta con detalle como se mueve el mundo a través de los equipos, las marcas y sus cifras millonarias.
Podemos comprobar perfectamente la avaricia incluso entre compañeros a la hora de “pisar” clientes para engordar la cartera.
Jerry sale en éste caso fuera de la norma, porque piensa al igual que le enseñó su mentor, que con menos clientes se consigue mejor atención, y eso es lo que lo lleva a la ruina.
Y probablemente sea algo difícil en éste mundo, pero sin duda sería algo mas bueno para todos los del mundo, pues a fin de cuentas, las personas acaban convirtiéndose en números.

Y se habla de lealtad. En la película, vemos el caso de uno de los mejores clientes de Jerry que no firma nada pero que cuenta con su palabra, una palabra mas fuerte que un roble. Vemos que finalmente, las cifras son las cifras y todo vuelve a su cauce. El dinero es el dinero.
Y eso hace entre otras cosas que el protagonista esté completamente solo y en sus relaciones amororosas le vaya mal a pesar de no poder estar solo.

La Música.
Aunque no soy muy dado a las bandas sonoras de canciones, con Jerry Maguire hago una gran excepción, y es que tiene una selección exquisita de canciones. Desde grandes temas y nuevos de Paul McCartney hasta el Pockeftul of Rainbows de Elvis Presley, sacado de su película G.I.Blues. Aunque sin duda, el tema mas hermoso es el creado por Bruce Springsteen, Secret Garden. Una maravilla con la que demostró que no solo era el jefe del Rock, también lo es en las baladas y las tristezas para películas como hizo ya con Philadelphia o mas recientemente con The Wrestler. Un genio.

La Frase: "Ayudame a ayudarte" . "Enseñame la Pasta"

Lo Mejor del Film: La triste realidad del mundo del deporte y los fichajes. Tom Cruise y Cuba Gooding Jr. Su Banda Sonora y el temazo de Bruce Springsteen.

Lo Peor del Film: Que algunos “sabios” den de lado la interpretación de Cruise. Que acabe tan bien.

Calificación: 9/10

Crítica : 30 Minutos o Menos (2011) Si supera la media hora te sale gratis!

2012-01-03T09:21:00.001-08:00

Sí, lo dije, Jesse Eisenberg me resulta uno de los actores que producen mas arcada en cuanto a interpretación. Ya como persona, por lo conocido ni lo cuento.
Sin embargo tenía ganas de ver 30 Minutos o Menos, me resultaba apetecible un film gamberro con una contrarreloj absurda como argumento.

¿De que va?
Unos vagos y amargados, deciden eliminar al padre de uno de ellos para recibir una herencia. Para ello contratan a un sicario al que le deben de pagar cien mil dólares. Para obtener ese dinero, raptan a un repartidor de pizzas y le colocan una bomba para que atraque un banco y les consiga el dinero del sicario.

Un argumento rápido, breve y atrevido.

Actores.
Jesse Eisenberg como principal protagonista y que reconozco que se aleja de su papel sonrojante en La Red Social o incluso Zombieland. Sin embargo, el pobrecillo no puede quitarse su cara de paleto subnormal. Le va a ser difícil.

Junto a Eisenberg está Danny McBride, el horripilante actor de ese bodrio absoluto que ya comenté aquí, Caballero Princesas y otras Bestias.
Es otro actor que decepciona y que no me gusta, pero que aquí le viene al pelo el papel de idiota chulo, que a fin de cuentas es lo que hace siempre.

Ladrones de pacotilla

A ellos se les une Aziz Ansari, el cual le da el humor perteneciente a éste tipo de películas que necesitan un chillón-nenaza como en la mayoría. Es quizás el mejor del film.

Música.
Compuesta por Nathan Barr, creador del score de la serie True Blood, y muy marcada por el hip-hop, el cual no deja de sonar constantemente durante todo el film, lo cual resulta doloroso para el oído y en cierto modo apropiado para un argumento disparatado como éste.

En resumidas, 30 Minutos o Menos resulta más entretenida de lo que parece, y contiene algunas escenas graciosas, pero que por desgracia no son las mas notables, y es que tanto McBride como Eisenberg son dos actores expertos en reventar una película que puede ser mejor.

Lo Mejor del Film: El atraco y Susan. Aziz Ansari. Entretiene. Que es muy corta.

Lo Peor del Film: McBride y Eisenberg. Mucho humor sin gracia.

Calificación: 6/10

Crítica : Alvin y las Ardillas 2 (2009) El Instituto los suspende

2012-01-03T09:05:00.001-08:00

Tras Alvin y las Ardillas, la segunda parte la realiza Betty Thomas, directora de Soy Espía, Dr.Dolittle o 28 días. Vuelve a contar con Jason Lee aunque ésta vez actúa menos y le deja el legado a Zachary Levi que no solo es un actor patético sino que hace que el film sea aún más infantil de lo que es.

¿Mantiene el nivel de la primera parte?
Al igual que ocurrió con Los Pitufos, que me quejé de su peso en lo infantil, Alvin y las Ardillas 2 se separa de su primera parte sobre todo por ese aspecto. Y es que la primera, que era un film totalmente familiar y con cierto guiño-homenaje a sus canciones originales de la serie de los sesenta, se rompe por completo para hacer versión tras versión de canciones pop de la última década.

La receta decae cuando entran en juego las Chipettes, o las novias de las ardillas y por supuesto el villano mas infantilizado de la historia del cine junto al Gargamel de los Pitufos interpretado horriblemente por Hank Azaria.
Pero villanos y novias tiene que haber por fuerza en estas secuelas, el problema es cuando una cosa que hacía juego como era la primera parte entre las ardillas y los adultos, se parte por completo cuando ocurre algo tan imbécil como matricular a las ardillas en un instituto. Y mas vergonzante es ver al chulo del equipo de futbol debatirse en popularidad con Alvin. Un completo horror.

Alvin, todo un galán

Efectivamente, ésta segunda parte no mantiene en absoluto el nivel de la primera. Y claro, la 1 no era una maravilla, pero entretenía y hasta cierto punto creaba sonrisas. Ésta, salvo por las ardillas en sí, no hay absolutamente nada de nada de nada de la esencia de su precuela.

Hay una tercera parte, que más tarde o más temprano veré, sí. Lo reconozco, me gustan Alvin y las Ardillas, soy un ávido visualizador de su serie desde que era pequeño y sus canciones me traen buenos recuerdos, pero sin duda, el materializar todo esto a la época en la que vivimos y mezclando canciones horripilantes, son sin duda uno de los mayores errores, que no creo que se solventen en sus próximas secuelas.

Yo, estaré ahí de todas formas, porque soy masoquista y tierno a la vez.

La Música.
Aquí más que la música, son las canciones interpretados por los peludos animalejos lo que cobra protagonismo. Como ya dije, en la primera película, a pesar de mezclar temas clásicos como el Only You o temas technos de los ochenta, también interpretaban el Christmans don´t be late y el Wich Doctor, temas originales de la serie. Y el problema es que Alvin y las Ardillas tienen decenas de canciones, discos y películas en las que basarse a la hora de cantar.
Aquí se limitan a lo fácil para la “Juventud”, donde las canciones de Katy Perry , Beyoncé y sucedáneos sean lo más importante. Error, craso error.

Lo Mejor del Film: Alvin y Las Ardillas.

Lo Peor del Film: Absolutamente todo lo demás.

Calificación: 2/10

Crítica : Noche y Día (2010) La parodia de las casualidades

2012-01-03T08:20:00.000-08:00

El director de El Tren de las 3:10 o Copland, James Mangold, nos trae Noche y Día, un film que cuenta como protagonistas con Tom Cruise y Cameron Díaz.

¿De que va?
La historia de un hombre sabio en todo tipo de materias, casi como un espía y que trabaja en una misión secreta por la que es buscado por varios bandos. En su camino se cruza con una joven y tonta rubia que le abrirá el camino para huir en más de una ocasión y de la que terminará enamorandose.

Impresiones.
Si señores, ésta película es un completo desastre. No funciona de ninguna forma.
Tom Cruise escogió una historia horrible con la que pensó que sería una buena forma de volver a las parodias de películas de espías, y ésto le servía como autocrítica en tono de humor pues se maneja en el mundo del espionaje con la saga de Misión Imposible.
Sin embargo la película, más que homenaje y parodia, está muy lejos de ello y se queda en bodriaco insalvable.

Junto a sus absurdeces y sus clichés típicos, hay errores que hacen que la película de el batacazo padre como el mezclar Sevilla con los San Fermines y adentrarse en medio de una salida de toros.
Éste detalle dio mucho que hablar en su momento y ya aprovecho para reiterarlo. ¿Acaso es tan dificil rectificar? ¿Porqué en vez de Sevilla no ponen directamente Pamplona?

Lo peor es que tanta coincidencia me parece extraña. Ya algunos años antes con la segunda entrega de Mision Imposible, Tom Cruise pasó por una semana santa, la cual se tornaba en unas fallas Valencianas con la excusa y la mentira de que eso lo hacía para rendir culto a sus muertos.

Mollá calla y cobra

Madre mía!!
Pero atentos, que para mas Inri, por Noche y Día pululaba como Villanillo un tal Jordi Mollá, Español, que bien podría haberle dicho al director algo así como... "Oye Mangold, que en Sevilla no hay Sanfermines". Pero se ve que es mejor cobrar y callar.
En resumidas, error total.

Y por mencionar otro detalle, aunque éste es a modo de Spoiler.
Cruise lleva la "pila atómica" durante todo el metraje, y que casualidad que ahora todos sepan que es inestable y que de buenas a primeras estalle en el helicoptero del enemigo...
Una película hecha a base de casualidades. Así la hago yo también.

Interpretaciones.
Lejos de sus mejores papeles, Cruise está correcto pero sin nada que resaltar. Y es que toda la nota aprobada se la lleva Cameron Díaz quien a pesar de hacer de la típica rubia que no se entera de nada, asume su rol en gran manera y sus caras de terror son de cuadro. Francamente, lo borda.
De Mollá, poco que decir y de Peter Sarsgaard mejor me callo... valiente porquería de papel y actuación.

Música.
Realizada por John Powell, nos ofrece un Score muy en su linea de acción y mezcla de sintetizadores y ritmos frenéticos de escape.
Destacamos tambien el uso que se hace en el Score del grupo Gotan Project que a pesar de utilizar como en otras películas el Santa María, utilizan tambien el Diferente, un corte que queda muy bien aunque no tenga nada que ver con la situación del film.

Lo Mejor del Film: las caras de Cameron Díaz. El Score

Lo Peor del Film: No hay nada más salvable.

Calificación: 2.5/10

Crítica : El Cambiazo (2011) ...Por desear lo que tiene el prójimo

2011-12-31T03:19:00.000-08:00

David Dobkin, director de películas de humor como De Boda en Boda dirige a Ryan Reynolds y Jason Bateman en El Cambiazo, una historia desternillante que nos recordará a obras como De Tal Palo tal Astilla o similares, con la diferencia de ser más gamberra y adulta.

¿De que va?
Mitch y Dave son dos amigos que en una noche de alcohol y tras orinar en una fuente en un parque y desear cada uno la vida del otro, el deseo se cumple. Ahora, el gamberro y viva la vida tendrá que hacer de abogado y vivir en matrimonio cuidando a sus bebés y por todo lo contrario, el otro tendrá en su mano el poder para disfrutar y vaguear de la vida a tutiplén.

El argumento, que como he dicho, recuerda a De Tal Palo tal Astilla, está muy bien rodado y tras un brillante e hilarante inicio, el film tiende a recordar a últimas comedias gamberras del estilo que tan de moda está, como Resacón en las Vegas, Como Acabar con tu Jefe o incluso La Boda de Mi Mejor Amiga.

Olivia, Impresionante (la actriz mas bella del planeta)

Personajes.
Ryan Reynolds es Mitch, el amigo soltero que no deja de disfrutar de la vida y las mujeres. No acepta la nueva relación de su padre y aprovecha su vida en buscar empleo a base de películas porno.

Jason Bateman es Dave, el amigo casado, abogado, ahogado por el trabajo y por sus tres hijos que no le dejan dormir. Le echa el ojo a su secretaria pero sabe que no está bien.

Destacamos a Alan Arkin, que hace de padre de Mitch. Su papel es breve y correcto.
Pero quien merece toda la mención del blog es nuestra querida y preferida mujer mas bella del mundo, Olivia Wilde, que como curiosidad, aquí aparece mas irresistiblemente guapa que en ningún otro film.
Sus ojos, su rostros, sus expresiones, se realzan más al igual que su espléndida figura. Ésta mujer va a más, solo le falta un papel protagonista que la lance a lo máximo, porque sabe trabajar bien, lo ha demostrado, y es preciosa.

Impresiones.
El film contiene algunos golpes de humor francamente buenos, unidos al peculiar gamberrismo de la última generación de films de humor el cual se agradece.
Y ojo, este gamberrismo al que me refiero no tiene nada que ver al de películas horripilantes al estilo American Pie, no, ni hablar. Me refiero al hecho de ver a adultos comportarse como niños, mostrando hechos que nosotros mismos haríamos pero que no hacemos por vergüenza.

Éste tipo de films se agradecen aunque a más de uno les resulte aburridos, ya que prefieren ver comedias “románticonas” para reírse de verdad. Pues sí, que continúen con ello, porque ésta generación de cine de humor promete.

Pero esto no quita que el film sea una maravilla, evidentemente dentro del circulo de películas de humor que ya hemos citado, El Cambiazo probablemente sea de las mas bajas.
A veces le falta efectividad y por supuesto donde falla es en el topicazo. Algo que ya conocemos todos, y es que en el momento en el que sus personalidades se intercambian, nosotros sabemos de sobra como va a terminar todo. Sí, en ese aspecto no sorprende y recurre al film de humor típico que todos conocemos.

Bateman entre críos

Música.
Realizada por John Debney y sin mucho que destacar pues en películas de humor es difícil valorar con detalle una partitura bella (No son mis soundtracks favoritos), salvo excepciones, que las hay. En cualquier caso un score correcto y perfecto para el film.

En resumidas, un film muy entretenido y muy gracioso, que a pesar de sus enormes topicazos y algunos golpes menos efectivos, se deja ver y nos alegrará la tarde.

Lo Mejor del Film: Olivia Wilde. El comienzo y las meadas.

Lo Peor del Film: Pierde fuelle en la segunda mitad del film. Sabemos de sobra como va a acabar. Topicazo tras topicazo.

Calificación: 6/10

Crítica : A Lonely Place to Die (2011) Hermosos paisajes entre montañas

2011-12-30T06:09:00.000-08:00

El director Británico Julian Gilvey, atrapa al espectador con un film de altura en A Lonely Place to Die.
La película , lejos de ser una cinta comercial, es otra visión a las historias de escaladores con algun toque de suspense. Cintas que vienen al caso como Vertige o incluso The Descent, donde el terror a algo desconocido y las alturas es brutal.

¿De que va?
A Lonely Place to Die nos cuenta la historia de unos escaladores que tras una reunión deciden quedar en grupo para subir una montaña peligrosa en la que han muerto 70 personas.
Sin embargo, justo antes de subir, en pleno almuerzo, escuchan el sollozo de una niña enterrada bajo tierra y con un tubo como respiradero.
La pequeña no habla su idioma, y mientras buscan ayuda, alguien comienza a deshacerse del grupo poco a poco.

Tras ésta premisa, la historia prosigue con la normalidad de éstos guiones que tampoco dan para mucho. Su magia consiste en los paisajes y en la tensión de la escalada.

Melissa George, de picnic

Interpretación.
A pesar de ser un film más independiente, consta de algunos rostros conocidos.
La protagonista, Melissa George la hemos visto en 30 Días de Oscuridad o La Morada del Miedo. Su trabajo es correcto, trabaja francamente bien, siendo ella la principal.

Pero también tenemos rostros como el de Karel Roden visto en 15 Minutos o RocknRolla.

En resumidas, es un reparto desconocido, que en conjunto mueve una típica película de persecuciones y muertes. Algunos están mejores que otros, aunque creo que el que peor trabaja a mi parecer es Stephen McCole, uno de los "cazadores". Le daría la palma a la peor interpretación.

Impresiones.
Me gustan éste tipo de películas. No son aventuras por el hecho de hacer escalada, es suspense y tensión, y hay grandes momentos en el film muy aplaudibles donde se nos corta la respiración. Algunas sorpresas que no esperaremos, y eso es mucho pues para ser un film de "menor" presupuesto, se nota cierta calidad en fotografía y arreglos.

Pero por otra parte, lo peor a mi parecer que podía ocurrir, es que se descubriese tan pronto todo el pastel, es decir, sabemos muy deprisa quienes son los acosadores, porqué hacen eso y para qué quieren a la niña, y eso le quita suspense y mágia.

Luego, y tal como dije, el papel de uno de los cazadores, el de la careta de perro en especial, me parece muy penoso. Le resta mucha puntuación a la película, pues más que una persona parece un terminator, y así no son las cosas.

Huyendo a toda leche

La Música
Realizada por Michael Richard Plowman, quien ha dado música a varios videojuegos y últimamente está trabajando en varios films, algunos más comerciales incluso.
Su composición para ésta cinta es muy hermosa, a mi parecer sorprendente, por lo cual la recomiendo para los fans de las Bandas Sonoras. Merece la pena.

Lo Mejor del Film: Sus paisajes. Su tensión. Su Score. Melissa George. Para los amantes del género.

Lo Peor del Film: Se descubre demasiado pronto todo. Stephen McCole.

Calificación: 6/10

Crítica : Un Dios Salvaje (2011) El alcohol, que rápido sube...

2011-12-29T15:09:00.000-08:00

El amigo Roman Polansky es un director con mucho talento, pero que sin embargo cuenta con una carrera llena de altibajos. Lo mismo nos hace una Master Piece como El Pianista que una película menor como Oliver Twist, por mencionar alguna.

En 2011, todos esperabamos con entusiasmo Un Dios Salvaje, la última obra del director donde las críticas han sido brutalmente favorables.
Pero aquí uno que pasa de las críticas Americanas y de los premios dados a tutiplén, la vió sin pretensiones ningunas.

En efecto, esperaba una película buena con un reparto excelente.

¿De que va?
Carnage es una historia en la que dos matrimonios redactan una carta sobre una pelea entre los hijos de ambos. A raíz de ésto se entabla un extraño vinculo donde las conversaciones irán subiendo de nivel, sumándole a ésto cierta rareza muy peculiar.

Es aquí donde la interpretación cobra su fuerte ya que la película está completamente rodada dentro de un apartamento. Por lo tanto, la película es meramente una obra de teatro de hora y media, en la que a decir verdad, acabé un poco harto.

Winslet por los suelos

¿Que tal las interpretaciones?
John C. Reilly, Jodie Foster, Christoph Waltz y Kate Winslet son los encargados de dar vidas a éstos dos matrimonios.

Reilly es un hombre en cierta manera, más tranquilo, incluso simpatico. En diversos momentos se siente dominado por su esposa, pero todo tiene sus límites.

Foster es la esposa de Reilly. Una mujer que se desvive por su hijo y que ve al contrario como un castigo para la sociedad y por ello debe de ser educado según ella.

Waltz es un abogado apresado por su telefono. Tiene hijos con dos mujeres y aunque no lo parezca, es el más normal de la sala salvo por su agobiante trabajo. Su sinceridad es pasmosa.

Winslet es la esposa de Waltz. Una madre muy correcta, que ve bien la situación de los demás y que trata de quedar bien con el contrario. Pero puede que eso solo sean apariencias. El alcohol nos mostrará su verdadera cara.

Al menos la Kate está cañón

Impresiones.
Pues me esperaba más, mucho más. Es como si estuvieses esperando que estallaran y no lo hacen salvo por Kate Winslet que es la única que hace algo en la película.
El film aburre a pesar de no contar con una duración larga.
Cuenta con grandes actores, pero les falta un hervor.
El personaje de Waltz es muy pasivo gesticularmente. Todo lo contrario que el de Foster, donde se le ven las venas más pequeñas a punto de saltar. Por cierto, cada día está mas horrible. Nunca fue guapa pero ya va a peor.

El film, como ya dije es muy barato. Basado en una obra de Yasmina Reza, todo se basa en un teatro. Y bien claro está que en teatro es donde se ve mas clara la interpretación de cada uno.
Aquí, perdonadme que lo diga, pero me parece que la teatralidad es muy falsa. Tan falsa que es imposible que se emborrachen tan pronto con una copa de whisky.
No la trago.
Al igual que no trago que tras ese choque de caracteres, el matrimonio Waltz-Winslet que hace amago de irse en tres ocasiones, no se vaya a pesar de estar en el ascensor. Son cosas irónicas, que pueden ser propias de Polansky pero que a mi me chocan hasta aburrirme como ha pasado en ésta película.

Y no, no es mala, pero no es ninguna maravilla. Polansky puede hacer cosas mucho mejores.

La Música.
Éste es el año de Alexandre Desplat. No para. Creo que no he visto un año más completo y lo más curioso es que en cada Score suena diferente.
En Carnage hace una partitura cortísima, ya que la música toma protagonismo al principio y al final, por lo que lo aprobamos ya que apenas lo hemos podido saborear. Correcto.

Lo Mejor del Film: Winslet

Lo Peor del Film: Su falsa teatralidad.

Calificación: 5/10

Crítica : La Piel que habito (2011) Yo ya lo sabía...

2011-12-29T07:22:00.000-08:00

No soy para nada partidario ni fan del cine de Almodóvar. No lo he sido y nunca lo seré.
Más de uno os preguntaréis el porqué he visto ésta película entonces.
Pues bien, paso a explicar.
A pesar de mis auto-prohibiciones (sí, me prohíbo ver éste tipo de cine, entre otras cosas para no perder el tiempo), mis amigos, grupos de cinéfilos y la crítica en general, ponían a La Piel que Habito como una obra magna de mano de la Manchega de Oro. Sí, así es como se conoce cariñosamente a Pedro Almodóvar.
Aún ni con esas me decidí a verla, pero fue el ninguneo de la academia Española para las candidatas al Oscar el que me hizo reaccionar al ver como era Pan Negro la elegida para luchar (bueno, luchar es una ironía) por el Oscar a mejor film de habla no Inglesa.

Increible pero cierto, daban de lado a Almodóvar... algo extraño ocurría.
Para colmo, la cinta ha ido ganando algunos premios en diversos certámenes en Estados Unidos lo cual no quita el merito.
Así que no os suelto el rollo, finalmente la vi por insistencia de algunos y ya me picaba la curiosidad, así que aquí voy.

¿De que va?
La Piel que Habito de Almodóvar es un film basado en la novela de Thierry Jonquet, donde nos cuenta la historia de un hombre, torturado desde que su hija fue violada y con una venganza entre manos.

Basicamente el resumen de la película está en esas dos frases que cito para no desvelar nada a aquellos que tengan cierto interes en verla, y es que si os cuentan algo, probablemente os chafen la mayor parte de la película.
Yo por suerte no sabía nada, así que la sorpresa fue "mayor"

Solo ver ésta foto ya tira para atras...

Cuando me puse el film, tengo que reconocerlo, me quedé dormido casi instantaneamente, aquello olía a tufo marujil de lejos, por lo cual me quedé a medias.
A pesar de saber de la tortura y de pasar una primera hora de aburrimiento crónico, decidí terminar de verla y cual fue mi sorpresa cuando, tal y como un amigo me había avisado (mi amigo Xarly del alma), el film cambia drásticamente, ofreciendo una parte de intriga y suspense al más puro estilo... bueno, no se definir con quien ciertamente, el caso es que cambia por completo.

La pregunta sería... ¿Para bien o para mal?
Pues ni para bien ni para mal, porque no sobresale nada, salvo alguna escena que uno no se espera, la película pierde fuelle cuando el "estilo" de Almodovar sale a relucir en momentos como cuando Vera amenaza con el cuchillo y se sitúa en un circulo rojo de una alfombra negra. Para mí eso no es cine, es más bien apuntar a cierto estilismo para parecer o querer tener clase.
Lo siento amigos, Almodovar me puede y la película, a pesar de ser de las menos malas del cineasta (Todo Sobre mi Madre es quizás mi "favorita"), sigue siendo un horror.

Muchos me escupirán en el día de hoy al leer ésto, pero es lo que hay. A otros les gusta Von Trier y les escupo yo. A mi no me gusta Almodovar, pues no hay otra, lo siento sinceramente.

¿Las actuaciones?
No se si os habeis fijado, pero quizas Banderas ha querido "americanizar" mediante su forma de hablar a su personaje como si de una película made in EEUU se tratara. A lo mejor es mi visión y oído, puede que me equivoque.
Sin embargo, tenemos en normalidad el hablar entre susurros, algo muy típico en el cine Español donde no solo tenemos que pegar la oreja sino quizás pasar la cinta para atrás mas de una vez.

Elena Anaya, ni fu ni fa. Antes era una chica guapa, ahora es puro hueso y en cuanto a actuación no me hizo sentir nada a pesar de su frialdad dura y evidente por su personaje.

El personaje de Marisa Paredes, perdonadme pero no lo entiendo y cuenta las cosas a medias. Es superior. Quizás es que es cine muy complejo para mí.

Y Roberto Álamo... madre mía madre mía, personaje puramente Almodóvar. ¿No?
Si ya en Aguila Roja no deja de triunfar con esa cara de serio, en ésta película tras no gesticular ni una sola vez, podemos darle el Oscar sin nominarlo!!

Anaya y Banderas, amor "pasional"

La Música.
Curiosamente, de lo mejor del film, la partitura de Alberto Iglesias. Pero ojo, eso no quita que se repita una y otra vez. No obstante, es de las mejores obras que le he escuchado al autor. Un aplauso por ello

En Resumidas y volviendo al film, una auténtica peste que dentro de lo malo, podría haber sido mucho peor, pero que sin duda no pasa del cuatro, por lo que el suspenso canta. Yo ya lo sabía antes de verla...

Y perdonadme que no haya sido más profundo con la crítica, pero es que tengo que ir a vomitar.

Lo Mejor del Film: El momento en el que se descubre al volver atras en el tiempo

Lo Peor del Film: Actuaciones, clichés Almodovoritas. Aburrimiento. Que una vez que se descubre todo el pastel, el poco interes del film se pierde.

Calificación: 4/10

Crítica : Mision Imposible 4 Protocolo Fantasma (2011) Brad Bird vuelve al espiritu de la serie!!

2011-12-26T11:42:00.000-08:00

Ultimamente me rodeo de una especia de circulo vicioso donde el ver éste tipo de películas es de un pecado tan grande que te pueden tachar de tonto. Pero en este blog se critica absolutamente y paso de las exquisiteces de más de uno, donde la gente que ve a Lars Von Trier como un autentico Dios, es incapaz de ver películas de entretenimiento como la que voy a citar por el simple hecho de no estar a su "nivel".

Tom Cruise ¿Un gran actor?
Pues bien amigos, aquí servidor a disfrutado como un niño chico en el cine tras ver la cuarta parte de Misión Imposible, una saga que trae benefecios absoluto a uno de los infravalorados de Hollywood, el señor Tom Cruise.

Un Tom Cruise que a pesar de no ser el joven de siempre, se emplea a fondo para hacer por el mismo todas las escenas de riesgo y dejarnos sin habla en más de un momento.

Sí, Tom tiene buenas películas, y ya hemos hablado de ésto aquí en más de una ocasión. No sabe escoger guiones. Obtiene taquillazos pero mediante algunas películas que solo tienen la calidad y la imagen de su perfil, y eso le pasará factura con el tiempo.

Pero por otra parte es cierto que ha sido ninguneado en ocasiones tras papelones y peliculones como lo son Magnolia, Eyes Wide Shut o Jerry Maguire por citar algunos.
Sí, se llevará el Oscar algún día. El honorífico a los 80 años o el secundario por algún papel malo, como suele pasar.

Pero la cuestión hoy es hablar de Misión Imposible Protocolo Fantasma, un film de acción y espectacularidad sin limites, donde las fantasmadas van servidas en bandeja para el disfrute de la gente que no se quiere complicar.

"Sal del coche que prefiero ir a pata!"

¿Que linea sigue ésta cuarta entrega?
Convendría hablar de los anteriores films a modo de repaso para ver la evolución de la saga y el respeto hacia la serie original.
Tras una primera parte muy fidedigna al espiritu de la serie con esos trabajos en equipo y conspiraciones, en la segunda parte, John Woo se encargó de reventar la serie haciendo del film un autentico estudio de pirotecnia y malabares repleto de payasadas que harían las delicias de los amantes del cine de Chuck Norris.
Sabiendo que esa no era la receta correcta, a pesar de obtener una muy buena taquilla, en la tercera parte volvió la seriedad para contar una historia que sin embargo no tenía nada que ver con el alma de la auténtica Mision Imposible. El protagonista Ethan Hunt tenía que hacer todo lo posible por rescatar a su mujer que había sido raptada. Una película que se había alejado por completo de la linea original y que podía haber pasado por un buen film de acción sin más sin el logo y la música de la serie.

Y tras esa devacle, llegamos a la cuarta parte.
Puedo decir que ésta entrega es la mejor de la saga junto a la primera parte, al retomar por completo el espiritu de la serie. Un trabajo en equipo, una misión al límite, fantasmadas múltiples con una tecnología muy futurista y un montón de vueltas de guión propio de la serie.
Eso es lo que pedimos al film y eso es lo que nos han dado.
Brad Bird, director de Los Increibles de Pixar, ha sido una muy buena elección pues ha devuelto a su cauce la serie, y por eso queremos más. De momento, parece que Tom ha dado el visto bueno, aunque si sigue la linea de director, en cada película ha trabajado uno diferente, por lo que supongo que la quinta entrega cambiará.

¿Actores?
En Protocolo Fantasma, Hunt (Cruise) tiene nuevo equipo y para ello cuenta con actores como Jeremy Renner o Simon Pegg, una tremenda Paula Patton y una bellísima(ésta no está en el equipo) Léa Seydoux, actriz francesa de rasgos hermosos, entre otros actores...

Renner parece que no encuentra sitio en el mundo cinéfilo. Tras su mejor papel en The Hurt Locker, sus papeles como éste o en The Town, son muy simples y pobres, y no va a mejorar cuando lo veamos de Ojo de Halcón en ese bodrio anticipado llamado Los Vengadores.
Simon Pegg por su parte, hace lo de siempre, aunque creo que no ha estado acertado en sus gags como el tonto aunque listo agente de campo. En papeles como el de Scotty en el Remake de Star Trek, está mucho mejor demostrando que puede unir seriedad al humor de forma más convincente.

De Paula Patton poco puedo decir porque no la conozco. No es que me llame mucho la atención, pero hay que decir que en el momento de la fiesta en Bombay, está de rechupete.

El villano, interpretado por Michael Nyqvist al que muchos conocerán por su papel en la saga Millenium está correcto aunque no sobresale como un villano con carisma. Le falta más argumento y más papel, pero guarda su aspecto misterioso que es lo que cuenta a fin de cuentas

"Tuve que mandar tumbar el edificio para hacer la toma"

¿Y la Banda Sonora?
La música del film corre a cargo de Michael Giacchino quien ya trabajó en la tercera entrega, y las lineas que le da al tema principal son muy buenas, más intensas, tardías y mas musicales, sobretodo su corte para el tramo final de los creditos finales donde el uso de las cuerdas mientras suena la conocida melodía es francamente hermoso. Muy recomendable.

En resumidas, un film para despejarse, para disfrutar y para los amantes de la saga y sobretodo de la serie original ya que vuelve a su linea. Imprescindible ver en pantalla grande y saborear su acción, sus efectos y su música.

Lo Mejor del Film: Su espectacularidad. La mejor de la saga junto a la primera parte. Más fiel al original! Sus fantasmadas. Escenas que quitan el hipo y ponen en máxima tensión como la del Kremlin

Lo Peor del Film: Un villano sin carisma. Sus fantasmadas

Calificación: 7/10

Crítica : Warrior (2011) Amor de familia

2011-12-26T01:53:00.000-08:00

Apenas ha pasado un año cuando pudimos ver e incluso en los Oscars del pasado 2010, se llevó algún Oscar, el film de lucha basado en hechos reales, The Fighter.
Película que entre los Oscars que ganó, el único merecido (a mi parecer) fue el de Christian Bale por su papelón. Sin embargo, el film era extremadamente aburrido y sobrevalorado, aunque para qué vamos a hablar de películas sobrevaloradas en los Oscars…

Warrior no tiene nada que ver aunque no lo parezca.
El actor Tom Hardy y Joel Edgerton, junto a Nick Nolte, completan un trío dispar en una película muy recomendable.

¿De que va?
Nos cuenta el regreso de Tommy (Hardy) al hogar donde vive su padre, el cual era anteriormente un borracho que pegaba a su mujer.
Tommy no quiere relación alguna pero necesita que lo entrene para participar en una gira de peleas, en la que el ganador se llevará cinco millones de Dolares.
Por otra parte, su hermano mayor, también luchador y a la vez profesor, está con la soga al cuello al tener en embargo su casa. Es por eso que vuelve a los entrenamientos duros para participar en el torneo.

Tras ésta trama, hay un choque de personalidades bestial, donde Hardy, por su parte, tiene la actitud y la fuerza más agresiva, mientras que su hermano es más humilde y a la vez, menos corpulento.

Padre e hijo

¿Cuál es el trasfondo?
El análisis de una familia destrozada, de personalidades muy diferentes. Dos hermanos con un enlace roto, un padre maltratador y borracho que intenta redimirse aunque sea tarde.
Los agobios, las presiones y las decisiones al límite llevan a esta familia a encontrarse de la peor manera.

Tras esto observamos como la vida de unos y otros no es tan diferente a pesar de las diversas personalidades y eso lo podemos comprobar en un final de film que sobrecoge al más pintado.
Si señores, después de lo que parece una película típica de historias destrozadas, finalmente, el film se sale de tópicos para mostrarnos algo que ninguno esperamos. Y como no soy malo no os voy a hacer ningún spoiler, pero sí que os aconsejo que la veáis pues sin duda merece la pena, no solo por salirse de la norma en éste tipo de películas sino por su trasfondo que es muy grande.

Sí, el film es muy recomendable y sus actuaciones son de lujo. Nolte tiene que ser nominado al Oscar si o sí. Joel Edgerton está teniendo más protagonismo desde películas como Animal Kingdom y se agradece porque es un gran actor. Y Hardy trabaja muy bien, pero tiene una pega, y es que en todas las películas que le he visto, siempre hace el mismo papel.
La próxima, The Dark Knight Rises, hace de lo mismo, aunque seguro que será otra historia.
Quizás será el físico, pero los papeles de Hardy en el cine son muy similares y pienso que eso le resta algo de puntuación al film que pese a ser grandioso, resulta normal ver a Hardy haciendo lo de siempre.
Es un buen actor, pero encasillado en éste tipo de papeles, por lo que podría ser mejor de lo que es.

Dando leña

¿Y la música?
La música de Mark Isham es muy buena. La composición está al nivel del film, sobretodo en las partes más sentimentales y en los momentos finales del film, donde lo emotivo se hace más patente. Es un Score a recomendar, incluso resaltamos la pista que une el Himno de la Alegría, tema de entrada del hermano mayor a los combates, mezclado con la partitura de Isham. Descomunal.

En resumidas, uno de los mejores films del año, claramente recomendable, y que nos hará olvidar otras películas del estilo incluso recientes como son The Wrestler o The Fighter. De todas esas, Warrior se lleva la palma, porque fuera de ser un film de torneos y peleas, es un film de sentimientos difíciles, muy difíciles.

Lo Mejor del Film: Nick Nolte. La ultima hora del film. El Score de Isham

Lo Peor del Film: Hardy haciendo lo mismo de siempre.

Calificación: 8.5/10

Crítica : 50/50 (2011) Te cambia la vida

2011-12-25T16:19:00.000-08:00

El desconocido director Jonathan Levine que había probado con drama de toques ácidos con la película The Wackness protagonizada por Ben Kingsley y Famke Jasnssen, trata con respeto e interés el tema del cáncer en 50/50.

En éste film, los protagonistas son Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Bryce Dallas Howard y Anna Kendrick. Un reparto joven y muy prometedor.

¿De que va?
Levitt interpreta a un joven al que le es diagnosticado un extraño cáncer pegado a la espina dorsal. El doctor le dice que hay un 50% de probabilidades de vida, y es justo en ese momento que tras la vida amena y deportista de éste joven, todo se oscurece por completo para vivir con una extraña sensación de pena y desesperanza.

El film relata a la perfección el sentir de un afectado por la enfermedad desde el primer momento en el que se entera de su “problema”. Su forma de ver al mundo, el trato con la gente, y la desesperanza unida a un rayo de luz son los aspectos más notables a resaltar.

Bryce y Joseph

¿Por qué interesa?
El cáncer, por desgracia es un tema de moda, y cada vez más actual. Cada vez más podemos comprobar como a nuestro alrededor hay más gente que se ve afectada por ésta enfermedad con una edad muy joven. Y puede que algunos, como en mi caso, hayan vivido la experiencia más cerca al ser un familiar el afectado.

Ésta película nos ayudará a saber cómo siente una persona así y sobre todo a cómo tratarlos.
La interpretación de Levitt es muy buena. Ya nos tiene acostumbrados a papeles diversos donde es capaz de mostrar sufrimiento interior como sería el caso propiamente de 500 Días Juntos.
En la película, su personaje sufre a raíz de su enfermedad en aspectos amorosos y familiares, algo por desgracia a veces normal.
Su mejor amigo sin embargo se involucra y quiere hacerle pasar una vida normal aunque no lo parezca, y su terapeuta, inexperta, sentirá cierta ternura por el. Y es que el joven enfermo, tiene una voluntad de hierro a pesar de su frágil aspecto, aunque como comprobaremos, todo tiene limites.

Bryce Dallas Howard se consagra como secundaria guapísima y Anna Kendrick demuestra su valía tras Up in the Air, destacándose así como la única actriz que ha salido de un truño de película como es Crepúsculo y donde se demuestra que un secundario es mejor que los tres espantosos protagonistas.

¿Qué tal la música?
El film está cargado de una selección de canciones muy diversa. Y aunque yo no soy un fan de éstas bandas sonoras que tienen integradas variadas canciones, he de decir que la selección es muy buena, mezclando temas de Radiohead con otros de época y más actuales.
El Score está compuesto por Michael Giacchino y aunque tiene menos protagonismo que en otras ocasiones, es muy idóneo y correcto.

Lo Mejor del Film: Su historia y su aproximación a la realidad trágica de hoy. Levitt.

Lo Peor del Film: Seth Rogen no vale para actuar, ni comedia ni drama. Una Anjelica Huston forzada y sobrevalorada

Calificación: 7/10

Crítica : Alvin y las Ardillas (2007) Roedores parlantes

2011-12-23T05:49:00.000-08:00

El director Tim Hill, (Garfield 2, Hop) se encarga de unir a través de canciones y tecnología de ordenador, a éstas ardillas con el actor Jason Lee.
Alvin, Simon y Theodor harán las delicias del espectador cuando hagan juego en la pantalla.

¿De dónde salen éstas ardillas?
Basado en una serie de los sesenta y que tuvo regeneración infantil en mi época re-creando de nuevo la serie allá por los ochenta a la que iban acompañadas algunas películas animadas, Alvin y las Ardillas ve su salto al uso real y 3D en ésta década.

Éstas ardillas parlantes, de la cual no sabemos su origen y procedencia ya que son las únicas que hablan van acompañadas de temas míticos con los que triunfaron allá por los sesenta. Tanto el Witch Doctor como el Christmas don´t be late, son nuevos arreglos de temas creados para las ardillas y que fueron un éxito.

Sus canciones.
Aquí por ejemplo, en España, todos recordamos el anuncio de los Lacasitos con la frase del “uh ih uh ha ha, pim pam toma lacasitos” (me lo he marcado, originalmente es Oo-ee, oo-ah-ah, ting-tang, walla-walla, bing-bang). Pues bién, la procedencia de éste mítico slogan publicitario es nada menos que de la serie y los discos de Alvin y las Ardillas.
Y para los que no me crean, aquí teneis el tema original con el fragmento de la serie de los 60 donde se explica con detalle el porqué de la canción del Wich Doctor, o el Brujo.

Y es que el fuerte de ésta película, son quizás sus arreglos musicales en los que se rinden homenaje a ellos mismos. Es por ello que reconozco que el Soundtrack de canciones está mejor que el Score propiamente realizado por Christopher Lennertz que a fin de cuentas es el típico utilizado para films familiares y comedias.

¿Merece la pena?
Francamente sí.
Es un film familiar, no hay duda, pero a diferencia de otros más recientes, como por ejemplo, Los Pitufos, Alvin y las Ardillas resulta más para todo la familia que el de los seres diminutos azules.
En cuestión, el film de los personajes de Peyó pegó el pinchazo por ser demasiado infantil.
La receta de Alvin (que igualmente hará las delicias de los peques) es mayor pues su humor es más casero y se agradece.
Sus personajes, sobretodo Theodor, enternecerá a más de uno, y por supuesto, todos aquellos que quieran revivir la experiencia, tendrán su oportunidad.
Actualmente hay una tercera parte en pantallas. Yo criticaré en breve la segunda parte para ver si mantiene el nivel o como en la mayoría de los casos, se convierte en un producto facilón y hecho con el único propósito de hacer caja.

Simon, Alvin y Theodor

No cabe duda que ésta película supuso la unión del 3D tan perfecto con la realidad. A pesar de haber anteriormente una infinidad de films donde ya se utilizó la realidad con la animación. Desde los tiempos de Roger Rabbit e incluso mucho antes. Pero a lo que me refiero es al uso de éste sistema tecnológico, con tanto detalle y tanta perfección (aún queda mucho para la perfección absoluta). Y es que a raíz de Alvin y las Ardillas, se comenzaron a preparar otros films para rememorar antiguos personajes de dibujos animados como serían El Oso Yogi, Los Pitufos y más que vendrán sin duda, aprovechando el tirón del aspecto tecnológico que tanta atención merece.

Lo Mejor del Film: Sus canciones. Rememorar a los personajes que tanto disfrutábamos de pequeño. Un buen film familiar.

Lo Peor del Film: Jason Lee da para mucho más. Los aspectos de malo infantil como el caso del productor discográfico. No pasa de ser un film meramente familiar sin dejar huella.

Calificación: 6/10

Y de regalo, la intro de la serie que veía allá por los noventa siendo un peque y que tantos buenos recuerdos me trae (había dos intros con la mísma música, éste era el segundo)

Crítica : El Rey León (1994) El mejor film animado de la historia

2011-12-22T06:09:00.000-08:00

Aprovechando el uso del 3D, Disney se reinventa para tal y como hizo con La Bella y La Bestia, lanzar de nuevo en el cine uno de sus clásicos, en éste caso, a mi gusto y parecer, el mejor de la casa, El Rey León. Una maravilla que disfruté de niño y que gracias a éstos avances, he podido disfrutar de nuevo y revivir la experiencia.

¿Cuento de hadas?
El film sin lugar a dudas sobresale de todos los films Disney por, entre otras cosas, salirse de la tónica de cuentos clásicos.
Efectivamente, la película bebe más de Shakespeare que de ningun cuento escrito. Su homenaje a Hamlet (mi obra favorita) es muy claro y se agradece ya que nos aleja de los típicos cuentos de hadas donde todo es bonito.
Pero no nos equivoquemos, El Rey León es a fín de cuentas un film para niños, por lo que, terminar, debe terminar bien.

Y sí, para niños, pero los mayores disfrutarán una y otra vez. De hecho he de confesar que a la sesión a la que fuí había solamente dos pequeños, los demas eramos adultos y un buen numero.

Disney ha sabido dar buen uso de ésto pues ha cosechado más de 60 millones con su re-estreno, por lo que el añadido a su anterior estreno la convierte en uno de los films animados más taquilleros de la historia.

Scar es Irons, todo un villano

¿Opinión sobre el 3D?
Antes mencioné a La Bella y la Bestia, que fue el primer film de Disney en reestrenarse, dándo uso de éste medio.
Pues bién, el Rey León lo supera en cuanto a tecnología, pero eso no quiere decir que sea perfecto, pues a pesar de usar los fondos como diferencia, hay pocas escenas donde de verdad vivamos apasionadamente del uso de las gafas.
El momento inicial en la presentación de Simba, es brillante cuando Zazú aparece en escena, volando, donde realmente podremos casi palpar sus plumas.
La lluvía y el viento es otro de los protagonistas con ésta tecnología, y probablemente, para los que notemos bien la diferencia, en la estampida, notaremos tambien algo.

Sin embargo, me sigue pareciendo poco conseguido el uso del 3D en éstas películas.
Cómo Entrenar a tu Dragón tiene una calidad en su 3D alucinante, aunque bien es cierto que ante el 3D y el 2D hay un mundo a la hora de usar ésta tecnología, al igual que no es lo mismo un film de ahora con el trabajo que supone "restaurar" al 3D un film anterior. Es por eso que no me quejo, pero me doy cuenta de la dificultad de éste sistema ante la animación en dos dimensiones. Así que alabo el trabajo completamente y de nuevo, encomio a vivir la experiencia.

¿Porqué el mejor film de Disney?
Aparte de lo que comenté en el primer parrafo, hay que ver su forma de ser contada.
Comienza con una presentación que seguidamente da paso al titulo de forma culminante y fuerte.
Luego un plano del mejor villano de la historia en el mundo de la animación, Scar, donde nos muestra su personalidad, su forma de pensar y su clase.
Tras todo lo ocurrido en el film, el compendio de personajes (como en todo film Disney) es muy variado a la par que entrañable. No hace falta hablar de ellos pues son de sobra conocidos.

Contar con James Earl Jones, Jeremy Irons o Rowan Atkinson en doblaje y en caracterización, fue sin duda muy importante porque son tres personas totalmente distintas con una fuerza específica para cada momento y eso es algo que se agradece sobretodo por su respeto al doblaje en España el cual no tiene nada que envidiar siendo Constantino Romero y Ricardo Solans los amos del doblaje y lo siguen siendo.

Obtuvo 4 nominaciones al Oscar, ganó dos, al igual que 3 premios Globos de Oro entre los que se incluía el de mejor película en éste último.

"Oíd al Maestro"

¿Música?
Pero el mejor film Disney no es brillante solo por su contenido, también lo es por su música, la cual realizó un Hans Zimmer brillante que hoy día sigue y no para como los conejos Duracell.
Sus cortes de orquesta, mezclando coros africanos y temas peculiares suyos donde sabe tocar la fibra con su tristeza (This Land es un ejemplo), son tan maravillosos que sin duda se mereció el Oscar que ganó.

Junto a Zimmer, Elton John y Tim Rice daban forma a unas canciones que se quedarían en nuestra memoria para toda la vida, lo cual me recuerda el buen hacer de Disney en cualquier caso al no incluir su cinta renovada con la canción interpretada por Zazú, pues se salía del buen hacer del film.

Así que en resumidas, una obra maestra, una maravilla para mayores y pequeños, que ahora al menos podemos volver a disfrutar en la gran pantalla con la excusa del sistema tridimensional.

Para acabar, solo me queda decir, que quince años después, la impresión de volver a ver ésta obra maestra en la gran pantalla es la clara convicción de que la animación de Pixar y su 3D, por muy bien hecha que esté, no alcanzará la magia que Disney trataba de hacer con cada trazo.
No hay nada como el papel y el lápiz!

PD: Como anécdota, detrás de mi butaca había un chaval grande y grueso de mas de 20 años el cual no paraba de enloquecerme. Se sabía todas las canciones (al igual que todos los que estabamos allí) y algunos diálogos.
Para los que me conocen, saben que me se de pe a pa los diálogos del film y algunos voces las bordo. Pues bien, tras estar enardecido de cólera al no callarse éste joven, le dije seriamente pero respetuosamente, al ir por la tercera canción y escuchar más al gracioso que al film: "Yo también me sé los diálogos de la película, pero he pagado 7 euros por verla y no por escucharte, así que si no te importa, baja el tono". El muchacho, el cual reconozco que me dio lástima, reaccionó y se calló como tenía que haber sido desde el primer minuto.
A lo que me vengo a referir con ésto es que da igual la edad que tengamos, disfrutamos la película una y otra vez (pero por favor, respetad a los demás)

Lo Mejor del Film: Absolutamente Todo

Lo Peor del Film: Absolutamente Nada.

Calificación: 10/10

Crítica : Contagio (2011) La epidemia es lo de menos

2011-12-19T07:31:00.000-08:00

Steven Soderbergh dirige en ésta ocasion a un gran compendio de actores, en un film que nos habla de ciertos puntos y aspectos en referencia a la expansion de un virus o plaga.

¿De que va?
Se cuenta el momento desde el principio en el que un extraño virus empieza a aparecer llevándose la vida de una empresaria Americana que contagia a varios de su alrededor en Japón, haciendo así que el virus se expanda rapidamente hasta crear una situación de alerta roja en el mundo.

¿Que diferencias tiene Contagio con respecto a otros films de virus en masa y similares?
Sí, Contagio no es una película que defina a grandes rasgos el momento pasado por el humano y lo que le rodea. A diferencia de películas que podrían ser similares como el caso de Estallido, el film de Soderbergh nos habla con profundidad de los intereses políticos, económicos y de farmacia que hay envueltos tras el origen de un virus desconocido.

Tras conocer a los personajes, nos damos cuenta como realmente hay personas a las que les importa poco la situación humana, incluso el número de muertos. Cuando es menor, poca importancia supone para aquellos que manejan el poder y que no quieren mover un dedo para no perder dinero ni tiempo.

El personaje interpretado por Kate Winslet se da cuenta de ello, y toma partido yendo a investigar, acercándose en demasía al peligro.

Cotillard en malas manos

¿A quien representa cada protagonista?
Lo bueno del film es que no hay un protagonista en cuestión, y eso se agradece, sobretodo teniendo a algunos en la pantalla como el caso de Matt Damon "caradepalo" que aquí no está nada mal.
Junto a el, tenemos a Laurence Fishburne, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Kate Winslet y Jude Law.
Cada uno hace su papel francamente bien, y se puede decir que ellos dividen a la película por sectores o secciones, haciendo referencia a cada movimiento fundamental de ésta película.
Paltrow y Damon son el matrimonio (en este caso Damon solo) que vive en sus carnes el virus como ciudadano. La ciudad se pone en cuarentena y deben vivir sin apenas ayudas y alimentos. Es la cara más real de una familia normal en pleno terror sociológico y humano.

Por otra parte, Fishburne se encarga de buscar soluciones y mediar entre politicos y médicos, haciendo lo posible por buscar una cura lo antes posible. Para ello cuenta con la ayuda del personaje interpretado por Winslet, que hará lo posible por hallar el origen del virus, mientras que los cientificos intentan buscar una cura mediante pruebas.

El personaje de Cotillard, otra emprendora que ha dado en el clavo sobre el origen y la zona cero, nos muestra la cara realista de aquellos que harán todo lo posible por obtener una cura sea al precio que sea, y por eso es raptada.

Y el personaje interpretado por Jude Law es la cara que lucha con realidad contra la política y sobretodo contra las empresas farmaceuticas que son las que realmente van tras el negocio. Él es un "reportero" que escribe en blogs y sigue con atencion cada paso que dan desde el gobierno

En resumidas, podemos decir que el film va un paso por delante de otros en los que solo se basan en movimientos de acción y respuestas ante un virus o ataque.
Aquí observamos con detalle cada uno de los papeles fundamentales en una alerta roja que sucumbe en todo el planeta.

Winslet pidiendo cita con el podólogo

Soderbergh ha utilizado perfectamente la angustia y la incapacidad realista para hacernos sentir como uno de ellos, ahogados y con pocos medios ante algo así.
Junto a ésto, no ha hecho uso de efectos especiales para mostrar ésta tensa sensación y es por ello que éste film es más de aplauso.

Por supuesto, a diferencia de otros en los que no se explican el origen y raiz del problema, podemos decir a ciencia cierta, que el director nos ofrece un epilogo brillante como cierre donde descubriremos el porqué a todo y ésto nos hará pensar lo facilmente expuestos que estamos ante cualquier plaga, virus o lo que sea.

¿Y que tal el Score?
En la música tenemos a Cliff Martinez, creador de obras como Solaris o la mas reciente Drive. Aquí realiza un tema que se repite constantemente y que viene de maravilla para mostrar la sensación de seriedad y alarmismo desarrollado en el film.
Es muy electrónico, y dentro de sus Scores que siempre lo son, éste está entre los más tecnológicos por decirlo de alguna forma dando uso principal a bajos y sonidos similares a los de 8bits como graves. En algunos momentos se utilizan cuerdas y tanto su tema principal como final son altamente recomendables. Martinez brilla una vez más y por eso es de mis favoritos.

Lo Mejor del Film: Su perfecta recreación y su angustia. Sus actuaciones. Su realismo y el no uso de efectos especiales. Su Score.

Lo Peor del Film: Puede resultar lento en algunos momentos. Es un buen film pero no es del todo brillante.

Calificación: 7/10

Crítica : Hobo with a Shotgun (2011) La Cortadora de Cesped que no fue

2011-12-17T05:32:00.000-08:00

Salido de uno de los falsos trailers de Grindhouse, Hobo with a Shotgun del director Jason Eisener, supone el regreso de Rutger Hauer a la pantalla como protagonista.

El film es una serie B con matices, ya que cuenta con algo de presupuesto y eso se nota.
Me remito al film de Robert Rodriguez, Planet Terror, donde el gore y lo cutre se mezcla en un film con presupuesto para hacer parecer una auténtica película serie B. Con Hobo with the Shotgun ocurre algo parecido.

¿Qué oculta la película?
Tras el argumento manído de un hombre que acaba tomándose la justicia por su mano, como en una alta mayoría de films, la película es notable al referirse a éste protagonista como un hobo (vagabundo) que llega en tren a una ciudad corroída por la violencia y la maldad.

La idea de éste hombre no es otra que ahorrar para comprarse una compradora de césped y así formar una empresa. Sin embargo se encontrará con un dilema cuando teniendo el dinero exacto, acaba comprando una escopeta, acabando así con todos los despojos de la calle.
En su camino se encontrará con una preciosa chica a la que defenderá hasta el final.

Haciendo la compra

La película, tras éste argumento pobre pero bien llevado ante la cámara, oculta un montón de referencias al cine de los setenta y ochenta.
El comienzo del film con esas letras amarillas nos recuerdan a otras obras de Tarantino, con el toque clásico de los films antiguos a los que me remito.
Seguidamente y tras una música de orquesta bellísima, vemos a nuestro protagonista en un tren. Un hombre amable, tocando la harmónica, comiendo un trozo de pan.
Tras un paisaje de margaritas, el hombre llega a la ciudad. El film se torna completamente en oscuridad y en lo tétrico.

Es ahora cuando viajamos a los ochenta para ambientarnos con una música de sintetizador, propia de película barata, que nos recuerda a otros “grandes” títulos del género.

¿Serie B?
Junto a éstas mezclas, la película goza de unas escenas de aupa en cuanto a gore. Disparos que hacen reventar cabezas, tripas abiertas y sangre, mucha sangre. Una dosis de desahogo para todo aquel que quiera ver un film sin complicaciones, y que sea amante de éste género que tan extinto está últimamente.

Y es que películas de serie B hay muchas hoy, pero bien hechas, hay pocas. Y no nos referimos con lo de bien hechas a buenos efectos, sino no podría ser serie B. Me refiero a saber utilizar, a darle el momento preciso, a conjugar la escena de forma que cause impacto.

Todo un homenaje a la Serie B

En Hobo with a Shotgun eso se consigue con creces, y la película acrecienta ese impacto con los minutos. Sí, va a más poco a poco hasta que se colapsa en un final increíble donde no pararemos de disfrutar e incluso de reírnos.

Su montaje es exquisito y a mi, personalmente me ha encantado. Ha sido todo un deleite y un rato muy agradable, entretenido y a fin de cuentas ha resultado hasta cierto punto original. Hace falta más cine así!

¿Y que decimos de Rutger Hauer?
En dos palabras... Im presionante. Probablemente sea su mejor papel desde Furia Ciega, y es que tras dejar en todo lo alto el papel de replicante en Blade Runner, de seguro éste de Hobo es su mejor papel, seguido del personaje de Roy.

Lo Mejor del Film: Hauer. Su tono, su color, su música, su homenaje. La Plaga Una serie B como Dios manda!

Lo Peor del Film: Su tullido argumento.

Calificación: 8.5/10

Crítica : Red State (2011) Y sonaron siete trompetas en el cielo

2011-12-17T04:43:00.000-08:00

La incredulidad de muchos se desvanecía por completo cuando vieron éste film por primera vez, sabiendo que el director era Kevin Smith.
Incredulidad por el hecho de ser Smith un director de películas muy características de humor ácido, negro y a fín de cuentas, más real.

Cine ¿De terror?
Se puede decir que Red State es la incursión de éste director en el cine “serio”. Y es que aunque la película fue vendida con un marketing atractivo tras algunos posters llamativos, realmente se vendió mal. Y se vendió mal porque al igual que ha pasado en otras ocasiones, nos hicieron creer que estábamos ante un film de terror.

Es cierto que hay suspense a grandes rasgos durante algunos momentos, pero en ningún caso Red State es un film de miedo. Mas bién es un thriller serie B.
Ya sabemos que Smith se maneja perfectamente con poco presupuesto, y aquí una vez más, lo demuestra.

Michael Park

¿De que va?
Nos cuenta el momento en el que tres amigos deciden responder a un mensaje sexual de una mujer desconocida para formar un “cuarteto”. Sin embargo, esto será una trampa para ser juzgados por la secta anti-homosexual de la región, la cual es sospechosamente seguida por un equipo de investigación especial en cuanto a tráfico de armas.

Sobre la película podemos dar algunos detalles que a mi parecer son destacables.
Aparte de la aparición estelar y más conocida del reparto, como es John Goodman (está más delgado o es mi visión?) el cual está correcto, a destacar dejo la interpretación del pastor de la secta quien se marca unos discursos biblícos que más quisieran muchos curas de la iglesia.
El actor Michael Park lleva tras sí el mayor peso interpretativo de la película y da buena muestra de ello. Una elección muy buena por parte de Smith.

Por otra parte, en la cinta tenemos a Melissa Leo, recien ganadora del Oscar por The Fighter, y aquí encarna nuevamente un papel de loca, fiel a los mandamientos del señor pastor. Aunque lo hace bien, no es una actriz que me guste.

Con respecto a la secta, está claro de que sus intereses son el mero hecho de crear una sociedad a lo The Village pero con maldad. Y es que tras usar como tapadera el acto gay, realmente usaban cualquier medio para matar a cualquier persona que peque en contra de la biblia, algo muy fácil.

Y Smith trata de explicarnos esto desde un principio en una escuela, donde una profesora malhablada y sus alumnos nos situan en el momento del film.
El desenlace de éste me parece francamente lo mejor de la película, el momento de las siete trompetas que no desvelaremos para aquellos que quieran echarle una visual

Goodman y el pelotón chiflado

¿Es Smith un director serio?
Sí, Red State afirma que Smith puede trabajar seriamente.
Puede, pero ¿es su género? Rotundamente no.
Red State no es una mala película, pero los clichés oportunistas y esa estratagema para venderla como film de miedo no ha funcionado en absoluto. Ni da miedo ni deja huella.
Hoy en día hay películas explícitas en cuanto a salvajismo, violencia y muerte. Por suerte ésta película no contiene nada de eso, pero quizás no le hubiese venido mal una dosis de acción, porque pese a durar menos de hora y media, a veces aburre y a fin de cuentas, salvo un par de escenas, el film se queda en un mero entretenimiento, salvado únicamente por la actuación del pastor.

Lo Mejor del Film: El pastor. Las siete trompetas. Entretiene. El film afirma que Smith puede trabajar seriamente.

Lo Peor del Film: No aporta nada nuevo. No deja huella. Puede aburrir. Los innecesarios momentos flashback!

Calificación: 5.5/10

Las Mejores Versiones (3) Neon Lights

2011-12-16T12:48:00.000-08:00

Kraftwerk es un grupo Alemán de los 70 del que me empapé todos sus discos gracias al conocimiento de mi Padre. Sin duda entraron fuerte con su música electrónica. Fue tanto el empuje que tuvieron que algunas de sus canciones acabaron pasándolas al Inglés como el disco The Man Machine, que sin lugar a dudas fue su éxito mayor a pesar de tener otras joyas dispersas.

Es justo en ése disco donde podemos disfrutar de la pieza Neon Lights, que fue cara B del single The Model.
Ocurrió en el año 1978 cuando entró en listas éste tema Electrónico de éste grupo que sin lugar a dudas creó tendencia.

Entre las versiones, hay algunas notables, quizás la mas fiel es la del grupo OMD, donde realizan practicamente un calco. Es por eso que hoy me quedo con una especial al igual que curiosa. Y digo curiosa, porque resulta raro que un tema así sea versionado por un grupo completamente distinto como en éste caso es U2. Lo hicieron durante la gira Vertigo.

Fuera de la curiosidad, me parece de las mejores versiones que se han hecho del tema y por eso hoy volvemos con éste especial versiones con una curiosa pero a la vez bellísima canción

Tema Original Kraftwerk

Version U2

Y de regalo la Version que hizo Simple Minds del tema.

Crítica : Los Idus de Marzo (2011) La cara oculta del político

2011-12-15T07:45:00.000-08:00

Los Idus de Marzo es un film dirigido por George Clooney. Tras Buenas Noches y Buena Suerte, Clooney vuelve al sistema político donde demuestra que se encuentra realmente cómodo. Y es aquí donde ejerce un papel fundamental de secundario, dejándole la batuta en la interpretación principal al actor de moda, Ryan Gosling. Actor que sin duda se está convirtiendo en uno de los bastiones fundamentales de éste cine de hoy junto a Michael Fassbender. Actores que agolpan la taquilla con varias películas y trabajando muy muy bien.

¿De qué va el film?
Los Idus de Marzo está co-escrita bajo Screenplay por el propio Clooney entre otros. Le tuvo que interesar mucho la historia pues sin duda es muy próxima a lo ocurrido hoy y a la vez muy interesante al mostrarnos los entresijos que hay tras las cortinas de los discursos de senadores y gobernadores.

El film nos cuenta la vida de Stephen Meyers, un preparador de discursos y de campañas de uno de los candidatos a la presidencia de los EEUU, el Gobernador Mike Morris.
Stephen conoce a una chica que trabaja en la campaña y se siente atraído por ella, hasta que sabiendo que lo que está haciendo no está bien, ocurre algo que sin duda cambiará la trayectoria de su vida.
Por otra parte, el equipo contrario quiere fichar a toda costa a Stephen para derrocar a Morris y así avanzar con su candidato…

Por supuesto, la película encierra mucho más que esto. Fundamentalmente, ésta es la breve sinopsis sin hacer spoilers, para aquellos, que serán muchos, que no hayan visto el film, puedan disfrutarlo con todas sus creces.

Y es que éste film merece la pena. ¿Por qué?
Se hablará mucho de ésta película, sobre todo ahora por la proximidad a los Oscars, aunque es cierto que no está consiguiendo los premios deseados.
No obstante, el film tiene mucho peso por contar una historia verdadera, y por hacerlo de una forma tan intrigante.
La película cuenta con algunas escenas que sin duda quitarán el hipo, y es que tras esas escenas nos daremos cuenta que las interpretaciones están de lujo.

Gosling es Stephen Meyers

De Clooney sabemos su valía para papeles complejos y grandes como por ejemplo Syriana o Michael Clayton. Aquí vuelve a brillar magníficamente, no solo trabajando, también dirigiendo. Cuida al máximo cada pausa, cada segundo y cada toma, y eso se agradece, porque se aprecia perfectamente.

Y de Gosling, tras Drive, película de infarto donde el actor está de lujo y tras ser el mejor en Crazy Stupid Love, he de decir que en Los Idus de Marzo está su mejor papel. Una magistral interpretación que hara que nos sintamos en la piel de su personaje. Tras ver su frialdad, comprobamos su sentimentalismo a través del amor, y de nuevo vemos una personalidad de hierro. A falta aun de ver Blue Valentine, por la cual dicen que es maravillosa, me pronuncio a favor de Gosling para su nominación al Oscar, sea por Drive o por ésta, aunque como ya he dicho, éste me parece su mejor papel.

Otro de los aspectos a destacar sin duda es el reparto de secundarios que sin duda es de lujo y que cada uno ejerce a la perfección lo que le ha tocado. Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seimour Hofman, una siempre bellísima Evan Rachel Wood y Jeffrey Wright para acabar. Un reparto excelente donde cada personaje es una pieza fundamental para éste tablero donde el juego se ve envuelto en corrupción y donde un mal paso te puede dejar fuera de carrera.

Clooney es el Gobernador aspirante a Presidente, Mike Morris

¿Qué hay de la música?
Alexandre Desplat no para. De seguro será nominado, si no por ésta película, por El Arbol de la Vida. Pero el Score realizado en Los Idus de Marzo es tan bueno, que recrea con todo detalle el suspense vivido en el film. Momentos de silencio y pausa donde la música es la protagonista, harán de ésta una banda sonora fundamental para los fans de Desplat y para los acérrimos a las bandas sonoras en general.

La última escena, la imagen y la música, sin duda son obras de genio. Merece muchísimo la pena. Hablaremos de ella próximamente. Lo merece, Desplat lo merece y por eso, espero que lo nominen.

Para acabar, como dato decir que Leonardo Dicaprio es uno de los productores.

En resumidas, un film que debe estar entre las candidatas al Oscar, con Gosling como actor, con Clooney como director y el film como principal. En unas semanas veremos...

Lo Mejor del Film: Interpretaciones de infarto. Argumento. Escenas que cortan el aliento. El momento telefono movil en la conferencia. El Score de Desplat. Clooney director!!

Lo Peor del Film: Se echan en falta más duelos cara a cara entre los principales.

Calificación: 9/10

Crítica : Immortals (2011) Que Zeus nos pille confesados

2011-12-13T06:26:00.000-08:00

Immortals, un film de Tarsem Singh, el cual lleva anunciándose más de un año y que gracias al suculento tráiler, las ansias salivares de más de uno eran cada vez más escandalosas. Y sobre todo porque el estreno del film está al caer.

Pues bien, yo era uno de esos que tenía las babillas colgando por ver lo que el director era capaz de hacer con un film de estética muy similar al de Zack Snyder en 300 y cual fue mi sorpresa, cuando la cara se me cayó al suelo de asombro, y no por obra maestra que dijésemos, no. Todo lo contrario.
Amigos, estamos, en términos generales, ante un Mierdón del 15.
Sí, perdón por la expresión, a veces me sobrepaso, pero no he encontrado calificativo mejor para ello. Y es que ante unas expectativas que sobrepasaban el año, ante un marketing muy bueno con unos fotografías de escándalo, ante una banda sonora muy atractiva a la par que hermosa y contando con unos actores como Henry Cavill o Mickey Rourke (cierto és que éste último no es ninguna garantía)… todo era a favor.

"Ese bolso es mio, perra!!"

¿Qué nos cuenta Immortals?
Es otra óptica sobre el personaje de Theseus (Teseo pa´ los amigos). Anteriormente vivimos el remake de Furia de Titanes con el mismo personaje en cuestión a la cabeza en las aventuras y con algo de pinchazo, sin embargo y curiosamente, ante tal film que fue ninguneado, hoy es probable que se le recuerde con algo más de “cariño” ante Immortals. ¿Porqué? Porque aunque parezca mentira, es mucho mejor que éste.
En éste film, el oráculo ve en una visión como el despiadado Hyperion liberará a los Titanes con el arco de… , es entonces cuando Theseus, que está tocado por los Dioses (cuidado por el Dios Zeus bajo la piel de un viejo interpretado por John Hurt y por Luke Evans En la piel de Zeus Dios), y tras ser asesinada su madre por el propio Hyperion, entrará en juego para derrocar el sangriento reino de éste ser malvado.

Pero, ¿Por qué un fiasco?
Immortals contaba con la receta de 300, un tono ocre y unos efectos especiales muy parecidos a los del film en cuestión. Aunque sea otra historia, tras ese look, es casi imposible no sacarle un parecido, pero por suerte o desgracia, el film de Snyder está a años luz de éste.
Las interpretaciones son tan horribles y los diálogos son tan vergonzantes, que da autentica pena que un film de ésta envergadura haya sido un experimento fallido.
Quizás la culpa es de la dirección, ya que en parte los actores prometen, sobretodo Cavill, salido de la serie The Tudors y que en breve veremos curiosamente en el nuevo film de Snyder como protagonista, encargado de ponerse el traje de Superman, aunque antes lo veremos aterrizar en el film de Mabrouk El Mechri, en The Cold Light of Day.

Con referencia al autor del desastre, creador de La Celda, un autentico horror de film, o The Fall: El Sueño de Alexandria la cual no he visto aún pero que tiene muy buenas críticas. Pero Singh está mas afianzado en el desastre que en el éxito ya que tras La Celda e Immortals, olemos a leguas otro desastre que pese a convertirse en taquillero (los crepusculianos mandan), de seguro será un horror tras ver ese trailer que ni siquiera han sabido montar. Me refiero a Mirror, Mirror, la nueva óptica edulcorada y ñoña del cuento de Blancanieves, la cual hará frente contra la de Charlize Theron y compañía.

A Tarsem le gustan los Dioses afeitados y pijoletas

Sí, Tarsem es un director que tras comprobar algo de sus anteriores films, resulta muy ambiental en terminos oníricos que a la vez intenta ser hipnótico. En otras palabras, quiere crear escuela a base de plasmar, y sin embargo el pobre hombre se queda solo.
Lo que ha hecho con Immortals no tiene precio, ya que sin duda podría haber sido mejor si hubiese enriquecido el film con algo más de color, de diálogo y poco más. No le hacía falta mucho, sin embargo no ha sabido encauzar el film por el buen camino.
Desastre, sí, desastre. De seguro, tengo a Tarsem en mi lista de vetados a partir de hoy.

Y es que si me pongo a hablar no paro. Con respecto a Freida Pinto, el papel que tiene, aburre, adormece, cansa. Pero ¿que decir de Stephen Dorff? Sencillamente parece que pasaba por allí y lo ficharon, sin más.

Lo que sí es factible al menos y como ya dije anteriormente es el Score de Trevor Morris que podeis escuchar y leer el analisis aquí.

En resumidas, es un film que dividirá. A aquellos que quieran ver acción (aunque no hay mucha) y algunos efectos especiales, ésta será su película. Para aquellos que busquen un mínimo dialogo decente, de seguro no.

Lo Mejor del Film: Algunos efectos. El Score. El cuadro final

Lo Peor del Film: La dirección. Su intento de ser un film épico. Las interpretaciones. Los Dialogos.

Calificación: 3.5/10

Crítica : El Caballero Oscuro [The Dark Knight] (2008) La Caída del Murciélago

2011-12-11T08:03:00.000-08:00

El Caballero Oscuro es sencillamente LA película del auténtico heroe.
Tras un argumento complejo con varias vueltas de tuerca, Batman ha quedado en un segundo plano tras ser ensombrecido por una actuación brillante de uno de los mejores villanos de la historia del cine.

¿Joker de Tim Burton o Joker de Christopher Nolan? Vamos por partes, tras Batman Begins, el listón había quedado alto.
La apuesta era arriesgada, pues se sabía que Nolan iba a usar al Joker de nuevo, y para muchos, el personaje que fue interpretado por Jack Nicholson en el film de Burton era único a pesar de ser una película de menos categoría.
Efectivamente, admito que Nicholson bordó un papel que pocos podrían haber hecho mejor, y es por ello que Christopher Nolan no quiso seguir la misma linea de locura que el Joker de Burton.

Las diferencias son obvias. El primero, más basado en los comics de los 50,60 donde el Joker era un ladrón de poca monta y con el resultado de una cara "feliz" por un vertido de ácido que acabaría por reprochar al murcielago.
El Segundo sigue una linea más actual tras ser un auténtico psicópata a veces sin escrúpulos, del cual apenas conocemos nada, no tiene pasado para nosotros. Ni siquiera sabemos el porqué exacto a las cicatrices de su cara

Es por ello que las comparaciones en éste aspecto, no deberían de darse.

El fallecido Heath Ledger encarnó al payaso. Fue tan enorme su papel que pudo con el Murcielago. De hecho, son sus escenas las que mas tensión recrean y sus diálogos no tienen desperdicio. Ledger sin duda se implicó en gran manera en su papel y ésto hizo que tras su muerte (incentivado por ello tambien, aunque totalmente merecedor) se llevara el Oscar al mejor actor secundario.

Junto al Joker, y fiel al estilo de Nolan de mantener dos "villanos" por film, entra en juego Harvey Dent, o Dos Caras para familia y allegados.

Aaron Eckhart es uno de esos actores que sin duda vestirán el traje de corbata y chaqueta como pocos. Es por ello que su etiqueta de galán del cine no se la quita nadie. Como Dent está en su linea, fantástico.
Aquí y tal como comenté en la crítica de Batman Begins, se nota la fidelidad al cómic de Nolan al unir a ese minigrupo de Dent-Gordon-Batman para emprender una liga en contra de la delicuencia en Gotham y en sus mismos departamentos.
Dos Caras es un villano, pero todo tiene su porqué, y es en éste film donde podemos encontrar respuesta a ésto y ver con detalle una transformación que sin duda dejará huella en la retina tras ver esos magníficos efectos en la caracterización de Dent.

Y tras las nuevas incorporaciones hay pocos cambios salvo el papel de Rachel, que en el primer film fue interpretado por Katie Holmes y ésta vez lo interpreta Maggie Gyllenhaal, demostrando una vez más que las mujeres son un punto débil para Nolan a la hora de escoger.

¿Que tiene Dark Knight para ser considerada con tanta estima siendo un film de cómic?
Efectivamente, y la diferencia con Batman Begins es la ausencia de tópicos entre el bueno y el malo. Tras la magnífica interpretación del personaje del Joker, Batman acaba puesto contra las cuerdas en diversos momentos donde se ve obligado a renunciar y enseñarle a la gente su verdadero rostro aunque no la acabe haciendo.

El momento en el que tiene al Joker frente a el mientras éste va en moto, es tan doloroso para todos, que nos muestra lo que en realidad es el hombre murciélago, un ser con un principio, uno solo, y que sin duda cumplirá ante todas las cosas.
Todo lo opuesto ocurre con el Joker, que no le importa el dinero ni a cuanta gente mate. Ni siquiera quiera acabar con Batman porque es su complemento, su incentivo.

Estos elementos hacen sin duda a éste film de algo atípico con respecto a lo vivido en otras historias de superheroes. Y es que la película si tiene algo son escenas dignas de mención.
El atraco, la entrada de Joker ante la reunión de contrabandistas, la persecución bajo el puente, el interrogatorio... para quitarse el sombrero.

Es por eso y por todas las cosas que uno se espera y no acaban ocurriendo, que éste film sin duda se coloca como uno de los mejores en la filmografía de Christopher Nolan. Dificil lo tiene para igualar Dark Knight Rises con ésta segunda entrega, pero sabemos que Nolan es una caja de sorpresas y que cuando hace algo, lo hace bien.

La música de Hans Zimmer y James Newton Howard, otra vez, y creando nuevas formas para contagiarse una y otra vez. Desde el primer momento en la primera escena del atraco el corte Bank Robbery (En el Score Expanded), que luego será usado en la persecución y duelo entre bueno y malo, sin duda son de una conexión perfecta, demostrando una vez más que Zimmer y Howard son logicamente insustituibles. Nuevamente, un Score a pedir de boca.

En resumidas, poco hay que decir ante un film así. Solo que ante ésta Delicatessen, buen provecho!

Lo Mejor del Film: Absolutamente Todo

Lo Peor del Film: Absolutamente Nada

Calificación: 10/10

Crítica : Batman Begins (2005) El Inicio del Murcielago

2011-12-11T06:39:00.000-08:00

Comenzamos el analisis del mejor heroe comiquero de la historia. Batman.
La trilogía que pronto se va a cerrar, creada por Christopher Nolan, fue sin duda el cambio que el personaje necesitaba pues había sido maltratado con el tiempo.

Tras un film agraciado creado en los ochenta por Tim Burton y basado hasta cierto punto en la originalidad del cómic, el superheroe fue cayendo en debacle poco a poco hasta morir en el olvido con la ultima realización de Joel Schumacher allá por el año 97.

Ocho años después, un hombre que iba de obra maestra en obra maestra, se sintió tentado en probar suerte con una historia que sería íntegra guionizada y dirigida por él mismo, con la referencia de los cómics como punta de cabeza.

¿En que se ha basado Nolan para su Batman? En Batman Begins observamos varias reminiscencias de cómics históricos como el caso de Año Uno o El Largo Halloween.
Observamos a Gordon en su etapa policial con el detective corrupto Flash, e incluso el momento en el que Batman usa su receptor para llamar a los Murcielagos mientras está con Gordon, son claras notas del cómic de Frank Miller. Lo cual muestra un gran respeto hacia la obra por parte de Nolan.
Por otra parte, tenemos la parte mafiosa del film, y es en El Largo Halloween donde vemos a "La Familia" en todo su esplendor, al igual que la relación bis a bis entre Dent-Batman-Gordon, la cual ya se saborea un poco también en Año Uno.

Todo mezclado y agitado en coctelera para que Nolan trabaje a su antojo con un guión sacado de su cabeza y con la ayuda de David S. Goyer para darle un inicio a un personaje que sin duda merecía estar en todo lo alto, quitándose el polvo de los anteriores insultos acaecidos por gente como Schumacher.

Mentor y alumno

¿Porqué Batman es un personaje tan superior con respecto a todos los superheroes? Hay varios factores pero sin duda lo más notable es el hecho de que a él le podemos quitar la palabra "Super" ya que es un humano. Un Playboy millonario con la mayor y mejor tecnología a su alcance.
Claro, visto ésto, alguien podría comparar ésto con el heroe de Marvel, Iron Man, pero logicamente ésto es innecesario, ya que la profundidad vivida por el personaje creado por Bob Kane es tan grande que no se puede asemejar.
Pero es aquí donde lanzo el siguiente e importante aspecto/factor, y es que los villanos de Batman son auténticos pensadores, algunos maniacos y otros psicóticos mentales. Ellos son gente de la calle, con más o menos cabeza y sangre en sus venas, de ahí a que veamos como más realistas éstas historias que Christopher Nolan nos ha contado.

¿Que hay de los personajes? Ya puestos hablemos del villano en particular o los villanos en éste caso de Batman Begins. Donde se saca al miembro de la mafia, Falcone, interpretado por Tom Wilkinson, al Doctor Crane alias Espantapajaros, interpretado por Cillian Murphy y a Ras Al Ghul, interpretado por Liam Neeson.

Siendo Crane y Falcone muy bien tratados, nos vamos a quedar hablando de Ras Al Ghul, quien a mi parecer es el villano más pensador de toda la historia del cómic de Batman, creado por Bob Kane.

Y es que Ras ha sido siempre uno de los huesos duros del cómic. Un hombre despiadado pero siempre atento con la naturaleza. Para él, la humanidad ha sido un lastre toda la vida al destruir poco a poco la tierra, es por aquello que siempre ha hecho todo lo posible (en los cómics) por extinguir a la raza humana. Y ésto ha sido durante siglos, ya que (y aquí es donde entra lo mas ficticio), siempre ha podido resucitar y rejuvenecer tras los baños en los Pozos de Lázaro.
Ésto no sale en Batman Begins ni se cita bajo ningún medio, pero sabemos que en la tercera parte, Dark Knight Rises, Ras Al Ghul volverá y sin duda será gracias a éste medio del que hablamos.
Nuevamente vemos el respeto por la historia que tiene Nolan.

Liam Neeson está perfecto en su papel y aquí por su parte ejerce de instructor en la enseñanza necesaria para que Bruce Wayne acaba por su cuenta ejerciendo como Batman aunque no sea el proposito de Ras.

Dentro del cómic hay otros personajes como el caso de Lucius Fox, interpretado por Morgan Freeman, al que le ha dado una vida más intensa que en el cómic, siendo éste un personaje carismático y amable muy importante en el film.
Tan importante como lo es en éste caso el encargado de salvarle la papeleta al propio Wayne en más de una ocasión, hablo de Alfred, quien sí que goza de un look totalmente diferente al acostumbrado en los cómics y que inmortaliza increiblemente bien Michael Caine. Magistral, sin lugar a dudas.
Y como no, Gary Oldman interpretando a Gordon, al cual veremos ascender poco a poco durante los films. Ésta elección sin duda es perfecta, y Oldman recrea uno de sus mejores papeles (aunque Oldman, todo lo hace perfecto). Y es quizás aquí donde más raro se hace verlo tras esos papeles de loco (Leon, El Quinto Elemento, El Clan de los Irlandeses, etc...) y algunos inmortales como el de Drácula, donde tras ese bigote y esas gafas, es imposible ver a otro como Gordon. Su caracterización y su papel son dos maravillas.

Wayne y Fox, a lo James Bond

Y no hemos hablado del protagonista, que es sin duda una elección importante y el que mueve todo el film. Christian Bale, un hombre que vale para todo y que se mete en su papel como nadie. Fue tanta su integridad en éste film, que cuando Nolan le pidió que ganara musculatura para hacer de Batman, Bale llegó con 20 kilos de más en el rodaje, lo cual hizo que tuviese que perder peso rapidamente.
Es dificil mencionar algún papel de Bale donde esté mal. Y es que aunque la película sea peor o mejor, él trabajará su papel enormemente.
El ejemplo es Enemigos Públicos, donde incluso dió muestras de que en cada film se trabaja una forma de hablar y un acento diferentes. Sin lugar a dudas, Bale, a pesar de sus excesos, es uno de los mejores actores de éste siglo.

Como cierre a ésta pregunta, enfatizo la fidelidad de Nolan al cómic al mostrar que Joe Chill fue el asesino de los Padres de Bruce Wayne, no como Tim Burton nos quería hacer pensar en su edulcorada versión al ser el Joker (interpretado genialmente por Jack Nicholson) el asesino de sus padres, recordando esa frase épica (y sin venir a cuento) de... "¿has bailado con el demonio a la luz de la luna?"

Es Jack Gleeson, el hijodesumadremalnacido de la serie Juego de Tronos en el papel de Joffrey Baratheon. En Batman Begins aún no era tan malo

¿Porqué es tan sonada la Banda Sonora si no cuenta con ningún tema principal específico?
Es cierto, a diferencia de la genial obra de Danny Elfman con su tema principal, los creadores de éste Score han preferido darle un tono sombrío sin necesidad de basarse en un tema que se autorepita constantemente.
Y hablamos de autores porque son Hans Zimmer y James Newton Howard los artífices del Score del Batman de Nolan.
Una elección perfecta y en la que notamos la colaboración y la mezcla, al igual que las partes más especiales de cada uno.
Zimmer, infaltable en la música de acción es el creador de partes épicas como lo es el corte de Molossus, que usa la percusión tan sonada del autor para momentos de rapidez.
Y Howard claramente es más notable en su lado melódico. Son cortes como Macrotus, los que nos recuerdan a obras anteriores suyas como pueden ser Unbreakable, Dinosaur o The Sixth Sense.
La mezcla, ha hecho de Batman un Score totalmente necesario, siendo brillante no solo ésta primera parte sino también sus secuelas.

Pero claro, dentro de toda la majestuosidad y la clara referencia a que el personaje es una de mis pasiones, hay que decir que el film no se lleva el máximo aprobado, y no porque su siguiente secuela sea aun mejor, sino porque hay ciertos elementos que rozan el típico confrontamiento vivido en todas las películas de éste género.
Es por ello que a pesar de todos los detalles optimistas, sí es cierto que Batman Begins cae en el tipico momento hundimiento del héroe que luego se levanta para acabar con lo malo.

A pesar de ello, el film es totalmente magnífico. Una maravilla con la que Christopher Nolan afianzó en 2005, un dirección sublime, demostrando que era capaz de llevar films tan complejos como Memento y films basados en cómics como éste. Todo en su linea. Bravo!

Lo Mejor del Film: Un digno Batman. El Score. Los personajes y los actores. Fidelidad a grandes rasgos del cómic.

Lo Peor del Film: El susodicho típico confrontamiento vivido en todas las películas de éste género

Calificación: 9/10

BSO : Immortals (2011) [Trevor Morris]

2011-12-09T13:16:00.000-08:00

Trevor Morris, compositor Canadiense con buen pie en música para series (Los Tudor, Los Borgia) y videojuegos, realiza el que probablemente sea su trabajo más suculento y ambicioso. Immortals, un film totalmente épico donde el surrealismo, la imagen y la música son grandes protagonistas.

Morris no se ha dejado llevar por el estilismo usado por Tyler en el Score de 300, ya que los creadores del film son grandes influyentes y hasta cierto punto, lo místico se mezcla con la batalla en una película de color ocre muy parecido.
El compositor se ha decantado por el uso coral en diversas puestas en escena. Orquesta para la música de batalla como la lucha con el Minotauro o el combate entre Inmortales. Pero por supuesto ha optado por una bellísima melodía en algunos tracks que sin duda nos enamorarán a más de uno.

Es por ello que vamos a empezar con el analisis pues el Score de Immortals no tiene desperdicio.

Tras 22 cortes, comenzamos con el inicio, Immortal and Divine. Un track tenso que va de menos a mas con un coro que recuerda a los inicios de 2001 Odisea en el Espacio. De repente el coro vocal se corta hasta que vuelve cortando en seco. Un inicio demoledor que sin duda recrea malestar en el ambiente.

To Mt. Olympus es un corte de inicio coral, relajado con una bella armonía y que acaba convirtiendose sin lugar a dudas en una melodía muy típica de escenas de viaje y esclavitud.

Seguidamente, Enter the Oracles. Otro de los momentos de relajación con la curiosidad de un bello final esperanzador cortando en seco como cierre.

Theseus Fires the Bow, todo un track preparatorio de batalla donde los instrumentos de viento toman protagonismo.

Volvemos a la calma con My Own Heart. Un corte muy étnico, suave y de bella melodía. El tema va de menos a más hasta que se le acaba uniendo al final un coro brevemente para darle aún mas fuerza y belleza al tema.

Damos un salto hasta el track 20. Mi favorito de éste Score. Do Not Forsake Mankind. Un pedazo de tema de esos que ponen los vellos de punta, donde la tristeza se une a la esperanza. El sueño de los desesperados, una pequeña luz en un mar de agobio. Un tema de una fuerza tan grande que conmueve en su totalidad. Y es desde su mitad hasta el final, donde todo se vuelve más luminoso. Una maravilla, sin lugar a dudas.

Apotheosis es la unión que le sigue al anterior tema. Un cierre corto que continúa con la armonía y la belleza. Sin desperdicio alguno. El coro es más intenso.

Y acabamos con Sky Fight/End Credits. Un cierre coral preciso y necesario para una película de ésta envergadura. Como resultado, un Score muy recomendable que nos gustará más con cada escucha nueva.

Los Mejores Tracks: Do Not Forsake Mankind y Apotheosis

Calificación: 7/10

Crítica : Fievel y el Nuevo Mundo (1986) En America no hay gatos

2011-12-09T09:59:00.000-08:00

Una de las primeras películas de Don Bluth, un auténtico mago del cine infantil, que luego uniría sus fuerzas con el guionista Gary Goldman (No confundir con Gary Oldman).
En Fievel y el Nuevo Mundo, Goldman ejerce de co-escritor y de productor junto a Steven Spielberg que no se ha perdido nunca una.

Tras Nimh, el Mundo Secreto de la Señora Brisby, todo un peliculón animado por cierto, Bluth realizó ésta historia, nuevamente con ratones como protagonistas, en la que contaba la historia de una familia Rusa que tiene que emigrar hacia America ya que allí "no hay gatos". Sin embargo, en pleno trayecto en barco, su pequeño e inquieto hijo, Fievel, se perderá en mitad de una tormenta y lo darán por muerto.
El ratoncito llegará a America y hará lo posible por buscar a su familia aunque parezca una tarea imposible.

Fievel y el Nuevo Mundo es una de las películas con las que disfrutaba siendo niño una y otra vez, pero es cuando uno va creciendo, cuando se da cuenta de que Bluth no solo hizo el film para los pequeños pues sabía muy bien donde poner el dedo en la llaga.
Tras escuchar ese magnífico doblaje sudamericano, con la ternura de los protagonistas y esos momentos de tristeza, nos hace sentir débiles ante tal sufrimiento. Una cosa tan pequeñita como es un niño (un ratón) solo por el mundo sin encontrar a su familia. ¿Acaso hay cosa mas triste?

Fievel y hermanita

Pero eso no es todo. Aún no teníamos la soga lista para James Horner, experto auto-copiador en crear y repetir score tras score siempre lo mismo. Y es que con éstos films, Fievel o el posterior realizado por Bluth el cual es otra maravilla, En busca del Valle Encantado del año 88, Horner compuso una música que sin lugar a dudas era bellísima, muy superior a todo lo que hizo después, pues al menos era original.
A ello le añadimos las canciones que cantaban los protagonistas, algunas muy hermosas, como la cantada por Christopher Plummer en su Nunca di Nunca (Never say Never), o el tema principal que luego fue versionado posteriormente, el Somewhere out there.

Efectivamente, Fievel tuvo varias secuelas pero que pasaron directamente al Vhs de aquel entonces. No merecen la pena.

Es cierto que no es el mejor film de animación, pero sí uno muy bueno. Y si tengo que achacarle algo es el uso excesivo de algunos temas que aburren como el cantado por el gato.
En resumidas, un film hermoso, para que los niños vean una y otra vez y se desintoxiquen de tanto Doraemon y tanto Naruto.

Lo Mejor del Film: Su belleza y sensibilidad. Su música

Lo Peor del Film: Algunos temas cantados sobrantes. Poca duración.

Calificación: 8/10

Crítica : In Time (2011) Con el tiempo en los talones

2011-12-08T02:57:00.000-08:00

La nueva cinta de Andrew Niccol, director de Gattaca, Simone y El Señor de la Guerra, es un guiño cinéfilo en toda regla a aquellos relatos cortos que se situaban en las partes traseras de los cómics de los 60. Relatos fantasticos cortos hechos comics, basados en increibles obras noveleras de autores poco reconocidos e incluso de algunos guionistas de comics de aquella época.
In Time es un film de Ciencia Ficción que tiene como punto el tiempo en todo su esplendor. El medio por el que todo vale. No existe el dinero. Quien más tiempo tiene, más poderoso es. Y logicamente el más pobre, el trabajador esclavizado, es sin duda el que menos tiene.
En un lugar donde todos son jovenes y las celulas se paralizan a la edad de 25 años, todo consiste en ahorrar y en tener. El rico vivirá siglos y el pobre apenas unas décadas.

Y esto hace de éste film sin lugar a dudas, una apuesta original.
Es cierto, que el film es peligroso al contar con un actor como Justin Timberlake en el papel de protagonista principal, pero Niccol ha confiado plenamente en su valía.

Desde que dejó el mundo de la música (una pena porque es muy bueno), Timberlake ha trabajado en un par de films como protagonista principal y diversos papeles de secundario.
Es en In Time su mayor apuesta donde todo el peso de la cinta recae en el y en una "sobrevalorada" Amanda Seyfried, que se limita a hacer el papel de niña "guapa" (no me lo parece) que se enamora del prota, arriesgandose a todo.

El film cuenta con la acertada música de Craig Armstrong que es muy adecuada para la ocasión. Y he de decir que el film me ha gustado. Me ha entretenido mucho y algunas escenas son realmente buenas como la del pulso, aunque hasta cierto punto son escenas que uno se espera.

Y es aquí donde falla el film, en sus topicazos, donde el bueno y el malo tienen su típica confrontación personal a lo Heat, donde uno de ellos no descansará hasta dar con el otro a pesar de contar con poco tiempo.

Olivia Wilde, corriendo porque se le acaba el tiempo

Cillian Murphy es en este caso el villano no tan villano, que sin duda se verá contra las cuerdas al contar con un tiempo limitado para dar caza al protagonista fugitivo. Y aunque Murphy suele acertar en sus papeles, he de decir que en ésta película hace el peor trabajo de su carrera, quedando en algunos momentos como un autentico panoli.

En resumidas, un film muy interesante, con originalidad hasta cierto punto, pero que falla en sus topicazos y en algún papel. Un aplauso para Timberlake y para Niccol por su arriesgada apuesta, aunque éste film no esté a la altura de sus anteriores trabajos como El Señor de la Guerra o Gattaca.

PD: Sale mi Olivia Wilde, tan bella como siempre. Una lastima que solo sea en un breve papel

Lo Mejor del Film: Timberlake. Su acción y originalidad. Los Minutarios

Lo peor del Film: Cillian Murphy y Amanda Seyfried. Algunos tópicos irremediables.

Calificación : 7/10

Compilation BSO Criticón Vol.1

2011-12-06T12:42:00.000-08:00

Abro nueva sección para los amantes de los Soundtracks.
Me complazco en inaugurar el primero de los muchos compilados que postearé en el blog.

Tenemos una sección de reviews de Bandas Sonoras más extensa, pero es cierto que hay algunos Soundtracks que no son del todo brillantes y que sin embargo contienen algun track o corte que merece mucho la pena. Es aquí donde tiene cabida esa parte y por eso espero que disfruteis de éstas recopilaciones que con cariño y mimo hago. Por supuesto, es probable que algun corte de las BSO´s aquí citadas tambien entre en próximos volúmenes.

Todos estarán en enlaces de descarga directa para hacerlo mas rápido y facil. Si alguno fallara en algún momento, os agradezco que me informeis para resubirlo.

Espero que los disfruteis, que en breve vienen más!!

El Montaje de la caratula, agradecimiento a María Blanco Rengel.

1-Hanna´s Theme (Hanna)
2-잠 못 이루는 도시의 밤 (I Saw the Devil)
3-Sho´s Lament Instrumental Version 2 (Arrietty)
4-You´re my Girl (Edge of Darkness)
5-Parker and Hachi Walk to the Station (Hachi: a Dog Story)
6-It´s Complicated (It´s Complicated)
7-Creation (Creation)
8-When Ginny Kissed Harry (Harry Potter and the Half-Blood Prince)
9-Frozen Moment (Source Code)
10-Naval (Tabarly)
11-We Had Today (One Day)
12-I Saw the Devil Main Theme (I Saw the Devil)
13-Happy Pills (Limitless)
14-The Corps (Green Lantern)

(Descarga aquí)COMPILATION BSO CRITICÓN VOL.1(Descarga aquí)

BSO : Animal Kingdom (2010) [Antony Partos]

2011-12-06T08:44:00.000-08:00

No podía faltar el Score de una de las películas de 10 del blog, Animal Kingdom. Tras esa notaza, estaba claro que la banda sonora no podía faltar entre las revisadas por el Criticón 5.1.

Y es que precisamente, otro los aspectos fundamentales del film era la música de Antony Partos quien le dió un toque atmósferico que pone los vellos de punta.

Partos, que venía de la co-creación del grupo Supersonic, de musica electro-ambiental y creador de scores para anuncios de tv, fue siguiendo sus pasos hacia los Scores. Su contratación fue sin duda por Australia y Nueva Zelanda, dando melodía a diversos trabajos fílmicos del lugar. Series, telefilms y cosas más serias como la que analizamos hoy o próximos trabajos a los que esperamos desde aquí con ganas como son 33 Postcards.

Empezamos con el tema inicial, Animal Kingdom, el primer track del Score y lo que sin duda da pie a los créditos de inicio. La majestuosidad animal reflejada en un cuadro, seguida de imagenes de delicuentes. Un corte melodioso, tremendamente misterioso y hermoso.

El corte Fairfield es una muestra de lo que nos reserva ésta banda sonora. Tranquilidad y sobretodo tristeza, mucha, para un film que necesita sin lugar a dudas oscuridad y fuerza en la piel del joven protagonista. La música expresa muy bien esos sentimientos reflejados en el joven Joshua.

Craig Cody es un corte que juega con el tema principal, siendo éste más lento y con más cuerdas. Una maravilla que da nombre a otro de los hijos de la familia Cody.

El track Then and Now es una colaboración de Partos con David McCormack. Un corte de una belleza sin igual. Tras el fondo de sintetizador, la guitarra de McCormack da un leve respiro a esa oscuridad y nos deja disfrutar de un poco de luz o en éste caso esperanza, vivida en la piel del muchacho.

Joshua Cody es el corte más triste del score. Muy pausado, con un lento que va de menos a mas en cuanto a fuerza, no de intensidad. Fantástico

End es el corte final realizado por Jono Ma. Una majestuosidad con sonido de guitarra que finaliza el film de manera escalofriante. No podía terminar mejor. Y es por eso que ésta la guinda perfecta para un film y un Score que quitan el hipo. Altamente recomedable sobretodo para aquellos que al igual que yo, son amantes de esos sonidos sintetizados y amantes de lo íntimo, oscuro, siniestro pero a la vez con algo de luminosidad.

Los Mejores Tracks: Animal Kingdom y End

Calificación: 7.5/10

Crítica : Jane Eyre (2011) Una nueva adaptación del clásico

2011-12-06T07:25:00.000-08:00

El director de Sin Nombre, Cary Fukunaga, realiza una nueva adaptación del clásico literario de Charlotte Brontë, Jane Eyre.

No he leído la novela ni he visto otras adaptaciones, por lo que no puedo juzgar ni decir si la adaptación es más fiel o menos. Tampoco puedo decir qué film está mejor, pero sí que puedo hablar de ésta película interpretada por Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) y por un genial Michael Fassbender que está en racha.

He de confesarlo, la historia me atraía hasta un punto, pero el mayor incentivo para ver éste film era ver a Fassbender interpretando al polémico señor Rochester.
Hace un papel magistral, brillante que se rompe solo con la interpretación fria de Wasikowska, que a mi parecer es una intérprete inexperta y que aún le falta mucho por avanzar. No obstante, su trabajo no es malo, pero podría ser mejor.

Junto a ellos se encuentra Judi Dench y Jamie Bell, dos actores opuestos que aquí brillan (sobretodo Bell del que suelo renegar. Dench por su parte está perfecta, como siempre).

Y quizás el hecho de no haber visto ni leído ninguna versión ni el libro original, ha hecho que algunas sorpresas sean más eficaces por mi parte, ya que no tenía ni idea de la historia. Es por ello que esos momentos que no voy a desvelar, se me hacen muy buenos de cara a darle una puntuación alta.

Rochester y Eyre

Otro aspecto muy positivo es la formidable banda sonora creada por Dario Marianelli, que hace una labor inmensa con una partitura maravillosa, de las mejores del 2011 sin lugar a dudas. Una delicatessen hermosa para oídos y tactos finos.

Y para terminar, otro aspecto brillante es la fotografía de Adriano Goldman. Aquí realiza su mejor trabajo con unos toques fantásticos de cámara y unos paisajes rodeados de nieblas y oscuridad de primera.

La sinopsis os la dejo con sello de Filmaffinity: "Jane Eyre, una muchacha educada en un orfanato, huye de Thornfield House, poco después de haber sido contratada como institutriz por el acomodado Edward Rochester. La aislada y sombría mansión, así como la frialdad del dueño de la casa ponen a prueba la resistencia y la fortaleza de la joven. Sin embargo, después de reflexionar sobre su pasado, su curiosidad natural la impulsará a regresar para averiguar el terrible secreto que oculta el señor Rochester"

Lo Mejor del Film: Fassbender, la historia y el Score de Marianelli. Los secundarios

Lo Peor del Film: La fria e inexperta protagonista, Mia Wasikowska

Calificación: 7.5/10

Crítica: Puncture (2011) El abogado drogatas...

2011-12-04T11:35:00.000-08:00

Adam y Mark Kassen son los que han dado vida a Puncture, un film basado en hechos reales, que muestra con dureza la realidad del pequeño contra el grande.

El film nos situa ante el momento en el que ocurrió la denuncia en los hospitales al usar éstos unas jeringuillas con poca seguridad. La razón es que la empresa mayor ocupaba todo el monopolio y es por ello que las pequeñas como en el caso del film, que tenía ideas perfectas y buenas de cara a la sanidad, se ven ahogadas hasta tener que ser cerradas o vendidas.

Es aquí donde entra en juego un bufete de abogados muy pequeño, sin apenas poder sostenerse economicamente. Uno de los socios decide adentrarse en el caso corriendo riesgos, y será cuando verán el poder de la gran empresa caer sobre ellos.
Para colmo hay un problema, y es que el abogado protagonista es drogadicto...

Estamos ante un film realista que nos recuerda a momentos vividos en otras películas donde el grande se come al pequeño. El Dilema es un gran ejemplo. La empresa tabacalera tenía tal poder que era capaz de enmudecer a los canales de televisión.

El "drogatas" seguido de "Kyle Connor"

En Puncture ocurre algo parecido (aunque el film de Mann está a años luz).
La interpretación de Chris Evans, recientemente visto en el fiasco Marvelita llamado Capitán America, es muy destacable. Convence y logra captar la atención del espectador.
En un papel muy pequeño tenemos a Michael Biehn, el papá de John Connor en Terminator de James Cameron.

El film está guionizado y co-escrito precisamente por uno de los dos socios del pequeño bufete, como curiosidad.

En resumidas, un film recomendable con buenas interpretaciones, donde nos muestra la triste realidad del poder.

Lo Mejor del Film: Su cruda realidad. Chris Evans.

Lo Peor del Film: No sorprende.

Calificación: 7.5/10

Crítica : The Walking Dead 2x07. (2011) Increible, Magnífico, brillante!!

2011-12-01T09:11:00.000-08:00

Aviso a los lectores.
NO LEER ÉSTA CRITICA SI NO HAS VISTO EL EPISODIO AÚN.

A Shane se le fue la pinza.
Se le fue la mano. La lió parda.
Sí, Shane estalló, por fín.

Menudas escenas intensas hemos vivido en éste sexto episodio. El mejor episodio de calle de ésta segunda temporada.

Hemos visto a Shane estallar ante Dale, demostrando su verdadera personalidad. Y finalmente ésto ha dado lugar a un final impresionante, que probablemente todos hayamos esperado durante semanas ya que el comentario más común ha sido el de... "la serie flojea".

La serie se ha levantado amigos, y de qué forma!!
La cara de Hershell, su impotencia, su llanto, más la mirada ahogada de aquellos buscadores de Sophia, no tenía precio.
Pero el momento mayor llega justo cuando después de estar disparando todos sin piedad ante los Zombies, se dan cuenta y se meten en la piel del pobre Hershell. Ven a aquellos como personas justo cuando ven a la pequeña Sophia salir tras aquella marabunta de zombies. Una Sophia zombie, bajo los ojos de su madre y de todos.
Ninguno puede disparar. No saben que hacer.

El único que no disparó ante aquellos, el único que intentaba guardar la calma, es el único capaz de levantar su arma y acabar con el sufrimiento de aquella pobre niña perdida. Rick, el único líder de la manada.

Un episodio de obra maestra amigos. Una joya.
De seguro, todos saldrán de allí por fin y comenzaremos una nueva andada. ¿Quizás encontrarán la carcel? no lo sabemos, pero queda mucho por vivir. Y si son con episodios como éste, disfrutaremos mucho, de seguro.

Crítica : Amor y Otras Drogas (2010) Dejame a mí los temas de la pilila

2011-12-01T08:23:00.000-08:00

El director de Diamante de Sangre y El Ultimo Samurai, Edward Zwick, nos trae Amor y Otras Drogas, un film fuera de la aventura con la comedia de principal y el drama de trasfondo.

La trama en un par de frases se reduce a un joven adicto al sexo que se enamora de una chica que sufre la enfermedad de Parkinson. Ella es una chica dificil ya que no quiere ser una carga para nadie, y el por su parte es un perla de cuidado...

Los protagonistas son Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway. Jovenes talentos que no paran de hacer cine en ésta decada.

Tras sus mas y sus menos, se pueden decir algunas cosas sobre el film en cuestion.

Desde mi punto de vista. La comedia, tratada como tal, no esta mal. Sin embargo cuando el film abarca por su parte el tema del Parkinson, quizás pierde algo de fuelle. No por la linea de la película sino porque desde mi punto de vista, no está bien adaptada o lograda la idea sobre el mensaje que se quiere dar. Y no es por falta de claridad, se entiende muy bien, es mas bien por la forma en que se explica.
No engancha en ningún momento, y a pesar del trabajo de los protagonistas, no logran en ningún momento hacer que me lo crea.
Hathaway no da la talla haciendo de enferma. Se le nota.

¿Grabamos una porno?

Por otra parte, el film que parece más una comedia gamberra con algo de erotismo (Hathaway enseña cacho, mucho!) pincha por todos sus lados. Es un intento, pero en 2010 estuvo a la sombra de algunos bombazos de humor mucho mas fuertes que éste.

Puede pasar como film de humor romántico, pero creo que ni siquiera eso.

La música por otra parte, realizada por James Newton Howard, se escucha poco. Sin embargo, los temas musicales escogidos, dejan mucho que desear (a mi parecer). De todas formas, si yo fuera el elegido para escoger canciones en un film, muchos temblarían.

Lo Mejor del Film: Hathaway enseñando cacho. Tiene un par de golpes graciosos.

Lo Peor del Film: No hay quien se la crea. Actuación floja. Mal montada.

Calificación: 5/10

Crítica : George Harrison Living in the Material World (2011) Casi 4 horas de un disfrute placentero sin igual

2011-11-27T06:52:00.000-08:00

Martin Scorsese toca a todo un mito en un documental que hará las delicias de los amantes (como yo) de la buena música y más aún si lo son del mejor Beatle que ha dado la historia y de uno de los mejores guitarristas del mundo, George Harrison.

Digo ésto, porque Harrison es para mí uno de los cinco mejores guitarristas del mundo y un gran interprete vocal de melodiosa voz que nos regaló discos que eran joyas, donde dentro de ellos obteníamos diamantes.

El documental, de cerca de cuatro horas de duración y dividido en dos partes, repasa la trayectoria del Ex-Beatle desde sus inicios de juventud con la banda, para luego hablar más profundamente de su etapa en solitario en la segunda parte del video.

Se hace hincapié sobretodo en su estancia en la India, su aprendizaje con el Sitar (entre otras muchas cosas), pero sobretodo en lo espiritual. Algo que el propio Harrison citaba al mencionar que despues de probar con el LSD, necesitaba algo más, y el estar en aquel lugar, era todo un LSD sin tomarlo. Sin duda, lo mejor es escucharlo y verlo.

Entre todos los participantes encontraremos rostros conocidos al igual que lo era Harrison. Desde Paul y Ringo, a sus amigos de los Willburys, productores como Phil Spector y George Martin, su "amigo" que le robó a su esposa, Eric Clapton, su ex-mujer, su esposa, su hijo. Un documental repleto de datos y de emociones. Como la que siente Ringo cuando recuerda las últimas palabras de su amigo antes de morir.

Y es que Harrison pasó un calvario desde que se le anunciara que tenía Cancer. Seguidamente un hombre de mediana edad entró en su mansión (un precioso Castillo de la época Victoriana) y se abalanzó sobre el golpeandolo y asestándole una puñalada en el pecho.
No obstante, el ex-Beatle, a pesar de su fragil figura tenía una mente fuerte, aunque como dijo su propio hijo Dhani, aquella puñalada, sin duda, le restó varios años de su vida.

Dentro de las muchas curiosidades, quizás una de las cosas mas atrayentes (al menos desde mi punto de vista) es el hecho de como él no podía destacar en los Beatles pues John y Paul siempre se llevaban el plano principal. Como Harrison decía, tuvo que aguantar 10 años sentado en la parte de atrás de las limusinas. Sin embargo, sus viajes a la India lo hicieron madurar, adaptando el Rock a su propio estilo, creando así melodías que finalmente llegaron a ser singles iniciales como lo fue el caso de Something, tema que abrió las listas como presentación del disco Abbey Road.

En los últimos tiempos de los Beatles, las peleas eran más continuas, e incluso para los mas freaks, algunas de las peleas se grababan no solo en audio, sino en video. Muestra de ello en el documental.

El documental realizado magníficamente por Scorsese muestra detalles, fotografías y audios que antes no habían salído a la luz. No tiene precio, hay que verlo y disfrutarlo.

Y podría decir muchas cosas, pero todo está incluido dentro del magnífico documental que sin duda está cargado de detalles sobre la vida de Harrison y sobretodo de bellísimas y preciosas canciones, que solo él podía hacer con su armoniosa voz y su toque angelical de guitarra.

Lo Mejor del Film: Absolutamente Todo

Lo Peor del Film: Absolutamente Nada

Calificación: 10/10

Crítica : The Walking Dead 2x06. (2011) Rick se entera y Shane se lo monta

2011-11-27T05:43:00.000-08:00

Despues de acabar contento aunque no muy seguro de si las cosas iban a ir por buen camino, he de decir que éste sexto episodio mejora aún más, por lo cual, The Walking Dead está encauzando una línea que necesitaba sí o sí.

Es cierto que gran parte de la audiencia la está maltratando al decir que los Zombies han pasado a un segundo o incluso tercer plano. Pero es que es como tiene que ser. El cómic de Kirkman es así.
Eso no quita que los guionistas puedan hacer lo que quieran (ya lo han hecho durante los primeros episodios de la segunda temporada), pero si lo hacen apegandose a lo escrito y dibujado, de seguro que iremos por buen camino.

Y Andrea se convierte por fín en la autentica Andrea del cómic. Una tiradora que será el arma secreta de Rick.
Por otra parte, la personalidad de Shane está descuadrando a más de uno y se está viendo de que calaña está hecho. Dale no solo se ha dado cuenta, sino que se lo ha dicho bien claro y vaya si da miedo Shane! Me gusta me gusta.

Ese rollo con Andrea hará que Lori hierva por dentro, de seguro.
Y por fin, Rick se entera del pastel, y una vez más vemos que su personalidad y el trabajo de Andrew Lincoln es francamente perfecto. Lo veo y lo sigo viendo, es un Rick inmejorable.

Pero no todo va a ser bueno en éste episodio.
Le han querido dar a Glenn una personalidad de niño que no sabe mantener un secreto. Pero es que es bestial. No creo que eso pase en la realidad nunca. No me ha gustado ese aspecto en absoluto.

Sobra decir que la actriz que hace de Maggie, Lauren Cohan, está como un quesito. Me he re-enamorado... (Andrea está tremenda también)

Pues eso, un episodio digno, a la altura. Y que tras el fin de éste, las cosas se tienen que empezar a mover. Entre ellas, habrá que abrir la puerta del granero de una vez. no?

Crítica : Cars (2006) Tan infantil como Up

2011-11-27T03:43:00.000-08:00

Me faltaba por ver de la fabrica Pixar la película de los cochecitos y aprovechando el reciente estreno de la segunda parte decidí verla.
Era un film que no me atraía de primera hora pues el tema coches me aburre a no ser que sea ver una carrera de Formula 1, que no era el caso.

Cars es la muestra del aburrimiento de Lasseter que desde Toy Story 2 no le salen ideas originales para dirigir (sí para producir).

Siempre se ha hablado en referencia a que la casa Pixar hace un cine familiar con trasfondos profundos, centrándose más así en el lado más adulto de los de la casa. Sin embargo Cars parece ser una excepción (tambien lo es Bichos y Up) ya que es un film meramente infantil cargado de tópicos y que puede convertirse en una repetición constante.

Los protagonistas

El argumento en éste caso no muestra más que lo típico de siempre. El personaje protagonista, un presumido y arrogante vehículo que encuentra sus puntos debiles y aprende a quererse a el y a los demás cuando más está en apuros. Ésto nos suena, no?

No obstante, el film entretiene. Pixar siempre entretiene. Aunque yo diría que Up es aún más infantil que ésta salvo sus veinte primeros minutos.
Tiene momentos buenos como la cara de Jay Leno en su show. Está perfectamente conseguida. Todo lo contrario que Fernano Alonso y Schumacher que ni sus rostros están adaptados ni me creo que sean ellos. Al menos Alonso.

El Score proviene de Randy Newman, que deja sus toques al igual que hizo en Toy Story incluso con alguna canción entre medias para hacerla mas "tierna" y personal. A ello se le añaden unos cuantos temas cantados del que destaco uno simplemente. El de John Mayer, Route 66, que es de lejos el mejor de los sonados en el film, siendo una versión del genial Chuck Berry. Y es que Mayer es mucho Mayer.

PD: ¿Soy el único al que le parece patético ver una película con coches que hablan?
Muchos dirán... ¿pero no hablan los animales en las pelis Disney? Sí, pero en ésta las personas son coches!!!

Lo Mejor del Film: La version de John Mayer. Entretiene a los peques. La escena del cambio de ruedas

Lo Peor del Film: Netamente infantil. Típico, tópico y anodino.

Calificación: 5.5/10