Sí. Tal y como dije, la cosa mejora. El final del primer episodio de ésta segunda temporada no era más que un enlace a lo que ya suponiamos, la vuelta al cómic de Kirkman.
Efectivamente, los personajes llegan a la granja de Hershell y Carl estará entre la vida y la muerte en las manos del veterinario.
Junto a el, su familia, y destacamos a Otis, otro de los familiares que toman protagonismo en el cómic. Ésta vez, es él junto a Shane los que se aventuraran en el momento de máxima tensión en el episodio cuando tratan de buscar unos utensilios médicos muy necesarios para la vida del pequeño.
En el capitulo se omite por completo el momento en el que Rick en el comic está a punto de matar a Otis. Nada mas comenzar, vemos a los protagonistas corriendo hacia la casa, al ser el propio Otis quien los vaya indicando a marchas forzadas.
Mientras tanto, el grupo sigue buscando a la pequeña perdida pero ya tienen el aviso de la granja, por lo que en breve se reunirán todos.
Por mi parte, espero que no dure mucho el martirio de Carl, entre otras cosas porque alargaría demasiado algo que en el cómic apenas dura un par de paginas, ya que Hershell logra sanarlo en poco tiempo.
Sin embargo, es la parte de Shane y Otis la que ahora interesa, pues el final del episodio es lo que mas tensión contiene y nos deja con la miel en los labios. Aquí probablemente tendremos sorpresa. Pero, ¿Como saldrán de allí? ¿Vendrá alguien en su busqueda? No se vosotros, pero en mi cabeza se ha pasado por un momento el personaje que interpretó Michael Rooker en la primera temporada. Bueno, seguramente me equivocaré, pero seguro que lo veremos pronto.
Compañeros, a pesar de todo
Así que en resumidas, un episodio muy completo, volviendo al cómic en grandes aspectos. Veremos como sigue ésto y qué ocurre con Otis y Shane
Estamos de enhorabuena. Volvemos a tener metrajes del mejor superheroe de la historia, Batman.
Con Batman Year One, Lauren Montgomery y Sam Liu han plasmado en la pantalla la novela gráfica guionizada por Frank Miller y dibujada por David Mazzucchelli. Sin lugar a dudas, uno de los cómics más importantes de la historia del murcielago.
Parte de la obra de Christopher Nolan está impregnada con éste cómic tan interesante como especial. Y es que Año Uno nos sitúa en los orígenes del murcielago, pasando éste a un segundo plano ya que nosotros seremos unos recien llegados a la ciudad. Nos meteremos en la piel de Gordon, un policía que trabajará en la comisaría de Gotham City, donde la corrupción es tan intensa que nos recordará a obras como la de Serpico, donde la honradez del protagonista llegaría a extremos con tal de no sentirse tocado por la suciedad de aquel sitio.
Sin embargo, Gordon llega a unos momentos de presión muy determinantes. Con su mujer apunto de dar a luz y una compañera por la que se siente atraido, todo empieza a empeorar cuando sus propios compañeros lo intentan sobornar.
Ésta cinta, a diferencia de otras animaciones recientes de la DC es recomendable y encomiable por varios aspectos. No solo el cuidado en la adaptación sino el hecho de respetar al milímetro la caracterización de cada personaje. Desde Gordon hasta Catwoman, incluyendo todos los personajes secundarios. Junto a ésto, una de las características fuertes del comic original, fue el tintado de Richmond Lewis, y en la cinta de Montgomery y Liu se ha tratado cuidadosamente, dando un reflejo de ello a la perfección.
Gordon tras el cristal
Para los que no han gozado del comic (a que esperais insensatos??) en los créditos finales podréis gozar de fragmentos donde podreis comprobar todo lo que he dicho con respecto a la caracterización tan fiel.
En resumidas, es un film a recomendar y muy a tener en cuenta para los freaks del universo del murcielago (como servidor) y a los amantes de los cómics en general.
¿Algo que achacar al film? Absolutamente nada. El simple hecho quizás de que Año Uno no sea una de mis piedras principales en los números comiqueros del murcielago, pero hay que reconocer su importancia y amar sobretodo la óptica que Miller nos dió sobre Batman.
Lo Mejor del Film: Su fidelidad al original. Caracterización perfecta.
Dirigida por Elliot Lester, Blitz está basada en una saga literaria escrita por Ken Bruen, en la que nos relata los mas y los menos de una comisaría de Inglaterra. En éste caso, el film se centra en las malas pulgas del sargento Brant y su enemigo apodado Blitz, un asesino de policias en serie con ganas de fama.
Brant está interpretado por Jason Statham, cuyo papel le viene como anillo al dedo por su cara de pocos amigos. Y Blitz lo interpreta un Aidan Gillen al que recordaremos más recientemente por su papel de "Meñique" en la serie Juego de Tronos.
A pesar de estar bien escogidos, el film va por otras lineas y engaña un poco. Para los amantes del heredero de Bruce Willis, el film comienza efectivamente con las típicas formas de un film made in Statham, es decir, leña a son y tron. Sin embargo, el film se vuelve mas serio y esa "acción" típica parece terminar. Statham no solo ha hecho films de "leña". Ha tenido otras incursiones mas tranquilas como en el caso de Revolver de Guy Ritchie, sin embargo no han sido sus películas más exitosas.
De maratón por Inglaterra
Por otra parte, el papel de Gillen, aunque está bien, es solo hasta cierto punto, ya que a mi parecer tiende a exagerar en demasía y todo queda demasiado brusco. Al igual que el hecho de mantener el suspense con averiguar quien es el asesino... todo eso acaba en poco minutos convirtiendose así en un film bastante flojo, sin apenas suspense.
La música es de Ilan Eshkeri y no queda muy bien, sobretodo en las partes de persecución, donde cae en la sencillez de crear una música electrónica con un resultado bastante pobre.
En resumidas, un film que hacemos bien en evitar. No es ni siquiera para amantes del calvo heredero de Bruce Willis.
Lo Mejor del Film: Su intención.
Lo Peor del Film: Gillen está muy exagerado. Muy floja, sin suspense.
O titulada originalmente Oxygen, 24 Horas para Morir es un film de Richard Shepard, director de The Matador o La Sombra del Cazador entre otras. También a destacar el documental completísimo sobre la vida de John Cazale, el cual fue dirigido por el propio Shepard.
En éste film, teníamos a una Maura Tierney, actriz amada por el blog, en estado de gracia, no solo por su fisico. Yo la considero buena actriz. Junto a ella, su contrincante en el film era Adrien Brody. Aún no había conseguido el éxito y la fama. Todo lo más que había hecho de renombre era su participación en el film de Malick, La Delgada Linea Roja.
Ven que te de un besito guapa
La historia de Oxygen nos habla de un caso de rapto donde el personaje de Brody, en este caso el villano, rapta a la mujer de un rico y la entierra viva. Sin embargo, la detective (Tierney), seguirá el caso de cerca hasta dar con el secuestrador y entablar un duelo cara a cara. No obstante, la detective tiene algunas cosas que ocultar y su marido, el jefe de policía no está al tanto de ellas...
Bajo ésta trama pobre, podemos decir que todo decae continuamente. La dirección es bastante pésima y algunos planos al igual que muchos dialogos no solo no tienen sentido sino que son vergonzosos. Brody no destaca y Tierney es la que salva algo el film, demostrando que es una actriz trabajadora y capaz de llevar papeles protagonistas a sus espaldas, aunque lo tiene muy dificil.
A pesar de sus aspectos positivos, que son muy pocos, como la música de Rolfe Kent que no está nada mal (ya nos hizo recientemente Up in the Air y fue muy buena), no hay mucho más que hablar. Es un film de suspenso, de apaga y vamonos. Muy sencillo, pobre y barato. Y digo suspenso y no suspense, que es diferente!!
Lo Mejor del Film: Maura Tierney
Lo Peor del Film: Brody, el argumento, la dirección....
Drive, película muy comentada en éste 2011 y cuya crítica podéis leer aquí. El Soundtrack corre a cargo de uno de los favoritos del blog, Cliff Martinez, creador de joyas como el Score de Solaris, First Snow y ahora recientemente Contagion, la cual recomiendo.
Curiosamente, para aquellos que pudieron (como yo) ver el film filtrado por la red, encontraran como firma a Angelo Badalamenti a cargo de la música, sin embargo ésto no es así. Es una copia filtrada sin cerrar, es decir, un montaje. La realidad es que el Score es de Cliff Martinez. Y podemos decir que guarda su estilo al cien por cien.
Hay quien dice que el score contiene partes del Score de The Social Network, pero eso es totalmente falso. Hay en el film un par de piezas cortas que efectivamente son del Score de Trent Reznor, pero no están en el score oficial.
Como ya sabeis, Drive es un film peculiar. A mi me gustó mucho, y sinceramente, uno de los puntos fuertes del film, es la música y su score. Así que vamos a analizar la crema y alguna canción. Y es que aunque a mí no me gustan las bandas sonoras de canciones por regla general, el caso de Drive, al igual que otras muchas es el score completo de Martinez y cuatro temas que son los que suenan en el film de forma mas importante. Así que vamos a ello.
En primer lugar, resaltaremos dos temas cantados, en éste caso el primero del grupo College con el tema A Real Hero, que suena en mitad y al final del film. Cuenta con la colaboracion de Electric Youth y suena así de bien.
Y empezamos con el Score de Cliff Martinez. El tema I Drive de dos minutos de duración. Fiel a su estilo, recordándonos a ese maravilloso Score de Solaris. Líneas atmosféricas, perfectas para meditar y pensar. Nos situan al personaje principal, dándole característica a su personalidad, misteriosa, vacía, pero con amabilidad.
He had a Good Time. Muy corto. Sonará en varias ocasiones en el film. Transmite paz, esperanza y en cierto modo, oscuridad. Es maravilloso lo que es capaz de hacer Martinez con muy pocas notas.
El corte Where´s the Deluxe Version?, es uno de los mas intensos e importantes del film, a nivel sonoro y visual. Será el tema que se repita al final del Score con más intensidad. Uno de los más largos. Tras la atmósfera creada por esas notas fijas de sintetizador es al minuto 2:25 cuando cambia por completo hacia mas ritmo sin dejar llevarse por los bajos. Me recuerda en ocasiones a Jean Michel Jarre, pero con la clase de Cliff Martinez. Un tema electrónico que va a más y que es muy bueno.
El Track 14 es Hammer, un corte que bien podría usarse para un auténtico film de ciencia ficción. Es a partir de su minuto 1:38 donde podemos saborear esos toques ambients tan sonoros. Finalmente, el corte se vuelve sombrío, acorde al film donde estamos.
On the Beach, el corte más largo del Score. Todo lo contrario que Hammer. Éste comienza oscuro, sombrío. A partir del minuto 3:40, todo eso acaba. Escuchamos unas leves notas de sintetizador que nos empiezan a iluminar poco a poco hasta llevarnos a su final, totalmente triste, enternecedor... maravilloso. Muy recomendable ésta parte final.
Y acabamos con Bride of Deluxe, el corte del que ya hablamos, que supone el retorno de Where´s the Deluxe Version?. Igualmente rápido, totalmente electrónico, pero con mas graves y bajos para hacer del tema un auténtico pelotazo ideal para escuchar conduciendo, al igual que el protagonista de Drive.
Pero no acabamos aquí, para cerrar éste analisis del Score, me gustaría terminar con el tema de Kavinsky, el Nightcall. Curiosamente es con el que empieza el film, Drive, el cual nuevamente os recomiendo por su actuación, sus escenas y sobretodo, su música.
Los Mejores Tracks: Bride of Deluxe y He Had a Good Time
Volvemos al análisis de cada episodio de Walking Dead aprovechando el esperadísimo estreno de la segunda temporada. Y ya sabeis que a diferencia de otras series de las que hemos hablado aquí, con Walking Dead repasamos semanalmente cada capitulo. Podeis comprobarlo pulsando aquí.
Como muchos ya sabeis, soy un total amante de la obra de Robert Kirkman al cómic, siendo para mi una obra maestra que aun no ha terminado, y mayoritariamente, superior a la serie. Sin embargo, el traslado a la pantalla por Frank Darabont está dando mucho juego y ha sido un éxito total. Tanto es así que series posteriores como son Falling Skies o Terra Nova, han querido aprovecharse del tirón a traves de "plagiar" en cierto modo las vivencias y las formas de la obra de Kirkman. Esas actividades familiares, los problemas y las tensiones de la lucha en grupo.... todo plagio. Sin embargo, no han conseguido el éxito que hoy día tiene Walking Dead.
Atención, contiene Spoilers:
En el primer episodio de la segunda temporada, volvemos con el grupo que huyó de aquel edificio donde estuvieron apunto de ser incinerados. El grupo sigue su camino, en busca de otras poblaciones en las que haya vida. Sin embargo se topan con una obstrucción de vehiculos en plena autovía y a su vez con una "manada" de muertos vivientes que hará estragos en algún miembro del grupo.
Volviendo a la hora de duración, igual que en el primer episodio de la primera temporada, éste guarda suspense y tensión aunque no avanza en demasía. Sin embargo, y para las ansias salivares de algunos freaks y amantes de la obra de Kirkman, entre los que me encuentro, estamos de enhorabuena. Al final de éste episodio parece que se retoma la linea argumental del comic tras ocurrir un suceso importante. Carl es herido de bala en el bosque.
Es cierto que hay un salto considerable, pues Shane sigue vivo, pero ya sabemos que eso sirve para dar más juego a esta serie que poco a poco se iba desinflando. Causa de ello fue el trabajo de los guionistas anteriores. De ahí a que surgieran tantas dudas tras el descontento de Darabont con la serie, y por ello se habló del propio desvinculamiento del director. Hoy podemos comprobar que todo sigue bajo su supervisión y producción, lo cual es una alegría para muchos. Y más alegría sin duda ver que los nuevos guionistas están tratando de volver al mundo creado por Kirkman en la viñeta.
Respectivamente, ese detalle podemos analizarlo en el tomo 2 de la edición española y en los numero 8 y 9 de la Edición Americana. El momento en el que un cazador sin mala intención dispara sin querer.
¿Será así en el segundo episodio? ¿Rick perderá los nervios y estará apunto de matar al cazador? No sabemos, pero sí sabemos una cosa. La visita a la granja de Hershel Greene está cerca, y pronto empezará lo bueno...
Joel Schumacher, aquel director que se atrevió a tocar al mejor superheroe de la historia y enterrarlo de por vida con Batman Forever y su continuación, Batman y Robin... Joel Schumacher, ese director encargado de realizar bodrios inmensos como El Número 23 o 9 Días... Joel Schumacher, un director que es dificil salvar algo de el, aunque tiene algunos trabajos interesantes como son Un día de Furia, Veronica Guerin o Última Llamada.
De ahí que Joel Schumacher sea un director del que hay que fiarse poco, muy poco... Un director del que probablemente hagamos mejor evitando su filmografía.
De seguro, algunos me podrían comer con patatas, pero es que despues de ver Trespass, su ultimo film con un Nicholas Cage desgraciado más que agraciado, con una Nicole Kidman de pena y poco mas, he de decir que estamos ante uno de los peores films de la historia.
Bien podría empezar como un plagio de aquel aburrido film español que tuvo cierta fama por aquí llamado Secuestrados. Sin embargo, el film se vuelve mas flojo, mas previsible, mas triste....
"Por favor, matame ya y que acabe ésta tortura de peli"
Una familia observada en la que el cabeza, es un adinerado hombre que trabaja con diamantes. Unos ladrones entran y asaltan su casa, sin embargo, el cabeza se niega a abrir la caja...
Hacía mucho que no veía unas actuaciones tan pésimas y horribles. Joel Schumacher me ha dejado de piedra. Sin palabras... si es que... no se me ocurre nada que decir.. Bueno sí... quizás Crepúsculo no va a ser tan mala al final!!
Estoy intentando averiguar qué puedo sacar en positivo del film para no darle el rosco pero... me cuesta horrores!! Bueno sí, comprobar que Liana Liberato va a ser una chica muy atractiva!! Ya esta!
Lo Mejor del Film: Saber que no voy a ver una sola película mas de éste director
Terra Nova suponía ser una lucha con lo que sería la serie estrella del 2011, o al menos tendría que haberlo sido. Hablo de Falling Skies, aquella serie producida por Steven Spielberg y que sin lugar a dudas dejé de ver al acabar el segundo episodio. Una serie tan mala no merecía ser vista por mis sagradas retinas.
Terra Nova, creada por Kelly Marcel y Craig Silverstein tenía via libre para triunfar sobradamente tras el fracaso estrepitoso de Falling Skies. Así pues, y tras ver el piloto, pude comprobar que tras media hora de buena ambientación y una trama bastante entretenida, la serie enganchaba por sí sola.
Para mí, es fundamental que el episodio piloto me mantenga en expectación, sino las series las puedo tirar a la basura. Lo se, soy un criminal en ese aspecto, por eso no soy muy de series. Ya sabeis que con X-Files, Juego de Tronos y Walking Dead soy muy feliz...
Pues tal y como decía, Terra Nova nos mantiene en expectación. Su ambientación y sus localizaciones son fascinantes. Todo es muy bueno, incluso el momento cuando los protagonistas llegan a Terra Nova, el lugar donde va a tener la acción toda la serie.
La trama nos situa en la vida de una familia, en la que tras ser condenado el cabeza a la prisión por esconder a uno de sus hijas menores (incumpliendo la norma de tener más de dos hijos), escapa tras un plan familiar y entra en el portal que los llevará a Terra Nova, un lugar limpio donde tendrán que vivir y trabajar para empezar de cero sin necesidad de llevar máscaras limpiadoras de aire. Sin embargo, tendrán que hacerlo todo con cuidado, pues el lugar está lleno de dinosaurios y algo o alguien mas...
Lang, con un look favorecido
Tras ésta trama, la trama pega un bajón y nos centramos más en la vida de la familia. Algo que se está estilando mucho desde que Robert Kirkman hablara de los valores de la humanidad y la familia en Walking Dead, de forma que fue esa la base para realizar Falling Skies, y aquí en Terra Nova no iban a ser menos. Hay que decir que Terra Nova está mucho mejor conseguida en ese aspecto que la producción de ciencia ficción del tite Spielberg. Sin embargo, no todo es color de rosa, y he aquí el punto más negativo y que sin duda hará que mas de uno deje de ver ésta serie que tan bien ha empezado. Hablo de los efectos especiales.
Una serie con dinosaurios, no puede usar unos efectos tan malos y tan perceptibles hacia el ojo humano. Hasta un niño pequeño es capaz de notar que aquello no tiene ni pizca de real. Y es que probablemente, si hubieran usado unos muñecos de goma, habría quedado mejor que lo que es en sí.
Una lástima, pues la idea era buena, de hecho promete buenas aventuras, pero aunque es cierto que se ablanda en trama, es probable que la cosa mejore. No puedo decir lo mismo de los efectos...
Destaco antes de terminar a Stephen Lang, al que por fin le dan un papel a su altura, con cierto misterio entre el bien y el mal y con un look muy atractivo.
Seguiremos viendola y si la cosa no mejora... otra serie que tiraremos a la basura. De momento es mucho mejor que Falling Skies. Aprueba.
La primera incursión en Estados Unidos de Lone Scherfig ha sido con One Day, aquí "subtitulada" entre parentesis con el titulo de "Siempre el Mismo Día".
Tras An Education, un film que gustó a gran parte del público, el director nos trae un film totalmente diferente que nos situa en una fecha fija durante los años de unos jovenes enamorados aunque no juntos.
Todos los 15 de Julio desde año 88 hasta el actual, podemos conocer a Emma y Dexter, unos jovenes que en su ultimo día de graduación comienzan una extraña relación de amor que los unirá y los separará continuamente tras choque de caracteres.
Y es que Dexter por una parte es un caradura, orgulloso, prepotente, mujeriego... En resumidas, todo un viva la vida. Mientras que Emma es todo lo contrario. dulce, enamoradiza y con las ganas de estar con la persona que mas ama. Son las dos caras de la moneda, sin embargo, cuando estan juntos, funcionan como una unidad, se aman, se quieren, se desean... No obstante, tras éste color de rosa, el espiritu contradictorio y de disfrutar la vida de Dexter acaba rompiendo constantemente todo lazo con su primer amor...
Sturgess esperando a alguien...
One Day (Siempre el Mismo Día) está basado en una aclamada novela de David Nicholls. Sin embargo, la gente ha creado una especie de sombra hacía la película, mostrando su descontento al no mostrar cada parrafo del libro con claridad.
Siempre es el mismo tema, y muchos de los que me conocéis ya sabeis lo que pienso al respecto. Soy una persona que alienta a los demas a leer, pues eso es cultura. Sin embargo, criticar una película por no mostrar con claridad un libro, es un poco inutil ya que en dos horas no puedes mostrar cada detalle impreso en más de cuatrocientas páginas. De ahí que los guiones sean adaptaciones.
La cosa es cuando el guionista es el propio escritor del libro. Ahí quizás la cosa cambia y ya no me meto. Pero sí que puedo decir una cosa. No me he leído el libro, y no me lo leeré. De seguro será mejor, pero yo soy un espectador del film, no un lector del libro, por lo cual critico lo que veo y no lo que leo, como es el caso.
A mi el film me ha gustado y mucho, nos muestra una historia de amor real, dura, cruda y verdadera. Sin tópicos romanticones donde esperamos que las cosas se solucionen y la pareja coma perdiz tan feliz. Películas recientes que hayan llegado a ese punto como One Day, probablemente pocas y puede que se me venga a la mente como más reciente 500 Días Juntos, un film con toques ácidos pero muy real. En éste film sin llegar a parecerse en cuanto a trama, pero sí en historia romantica, encontramos el parentesco mas llamativo con la de Levitt-Deschanel, y es la crudeza de la realidad, en algunos casos mas dura que en otros. Y ojo, no es un Spoiler, solo estoy dando a entender que One Day no es una típica historia de amor.
París.
En el film contamos con Anne Hathaway y Jim Sturgess como principales protagonistas y su caracterización es muy buena incluso con el paso de los años, siendo así vistos en los ochenta como jovenes hasta su madurez en la etapa de los cuarenta. Francamente bien. Junto a su gran trabajo tenemos una banda sonora para quitar el hipo, de las mejores realizadas por Rachel Portman y que de seguro analizaremos en el blog.
Y si le tengo que poner algún pero es precisamente ese carácter fuerte del personaje interpretado por Sturgess, Dexter. A veces sus palabras no solo chocan con la pareja protagonista sino que incluso a nosotros nos pueden resultar sobrantes. Tanto que aun no entiendo como puede ser que ella siguiese enamorado de el. Pero claro, el amor es complicado...
Lo Mejor del Film: No es una típica historia de amor. La pareja protagonista. El Score de Rachel Portman
Lo Peor del Film: Yo no aguantaría las palabras de Dexter si fuera una tía. Vosotras si?
El equipo formado por Glenn Ficarra y John Requa, encargados de hacernos bostezar con la película gay Phillip Morris Te Quiero, nos trae Crazy Stupid Love.
En ella contamos con un reparto de estrellas sumamente importante. Steve Carrell, Juliane Moore, Ryan Gosling, Kevin Bacon, Marisa Tomei y Emma Stone.
El film, de crítica favorable, es una historia en cadena que nos habla sobre el amor. La pena, es que ésta comedia con mezcla de drama suave no aporta nada nuevo al género.
Para colmo, podríamos resumirla en tan tópica que incluso su final resulta totalmente edulcorado, lo cual deja mucho que desear para alguien que busca historias de amor que no sean tan típicas.
La trama nos situa en el comienzo del divorcio de un matrimonio con problemas. El marido, busca refugio y consejo en una especie de Playboy el cual le enseña el arte y los trucos para llevarse a la cama a cualquiera. Sin embargo, a pesar de ello, el ex-marido sigue enamorado de su esposa...
Por supuesto ésta es la trama por encima, pero hay muchos salientes que se unirán como las típicas comedias de enredos, los cuales no cito para no chafar a nadie con spoilers inútiles.
La mejor escena del film
Sí, es cierto que el punto fuerte puede ser la comedia, pero no nos confundamos. Crazy Stupid Love puede llegar a aburrir, y probablemente se habría convertido en peñazo absoluto de no ser por las interpretaciones de algunos de los protagonistas, entre el que destaco el actor de moda, Ryan Gosling, que cada día demuestra estar más capacitado para cualquier tipo de papel. Falta que haga de enfermo mental y ya tendrá el Oscar.
En estas cintas priman los enredos familiares y amorosos, y con ésta cinta vamos servidos de ellos. Pero el film en resumidas peca de ello. Podría haber sido interesante si los directores hubiesen dejado parte del final en lo que claramente ocurre y no en esas uniones felices que no hay quien se las crea.
Efectivamente, Crazy Stupid Love es un film para no complicarse, ver una sola vez y echar el rato. Y si vais con la novia, mejor que mejor. No es mala, pero en resumidas, es más de lo mismo, y aquí ésta persona que escribe no está para perder el tiempo en comedias típicas que se repiten una y otra vez.
Lo Mejor del Film: Ryan Gosling. Mucho mejor que I Love You Phillip Morris
Lo Peor del Film: Su edulcorada propuesta típica. No aporta absolutamente nada nuevo al género.
El Mejor film hasta la fecha de George Gallo, probablemente sea éste Middle Men. Una película que nos habla de los inicios de la industria del Porno a traves de Internet. Su corrupción y su involucración en las mafias rusas.
Un film que describe a la perfección cómo a dos desocupados y algo freaks, se les ocurrió la idea de hacer una compañía On-Line en la que la gente compraba lo que veía. A partir de ahí la cosa empezó a subir como la espuma. Y probablemente ésto sea lo mas curioso del film, sabiendo que es cierto.
La escena en la que van recibiendo "avisos" a traves de sonidos mientras la gente empieza a comprarles, no tiene precio.
Y toda ésta historia se centra en una persona, Jack Harris, interpretado por Luke Wilson. Un hombre especialista en resolver casos. Todo comienza a liarse, cuando Harris ve que de aquel negocio puede sacar partido "trabajando" un año, para sacar a su familia adelante y vivir en la másima riqueza. Pero no todo es color de rosa, las mafias y algunos contactos que quedaron fuera, empezarán a meterse de lleno en el negocio.
Lo curioso del film y al menos desde mi punto de vista, interesante, es la forma en la que está todo contado, bajo narración off, del protagonista, usando ese toque ácido de humor negro que no puede faltar en películas de éste estilo como Smokin Aces o Snatch.
Wilson rodeado de guapas féminas
La interpretación general es muy bueno, siendo Luke Wilson el protagonista, demostrando que es mejor actor que su hermano aunque siempre muestre cara de pena. Giovanni Ribisi como eterno secundario y con ese aspecto está muy pero que muy bien, siendo uno de los "creadores" del sistema. Rade Serbedzija haciendo su papel favorito, el de ruso malo malote, está como siempre, bien. No podremos ver a éste hombre hacer un papel diferente. Y tenemos A James Caan, en un papel fundamental y clave. Muy bien
El film cuenta con un reparto muy bueno, un soundtrack de canciones con un repertorio muy adecuado, situado en las diferentes épocas que vive el protagonista. Por otra parte, el Score de Brian Tyler es correcto y muy eficaz ante la pantalla, dando uso a guitarras y más cuerdas y acabando con sus conocidos bajos de sintetizador.
Lo mejor del Film: El reparto. La narración. El final clave en la habitación del hotel. La creación de la "web"
Lo peor del Film: Que siendo todo basado en hechos reales, nos quieran hacer parecer que tódo es así de bonito.
Increible resulta que el director de El Último Rey de Escocia y La Sombra del Poder, Kevin McDonald, haya dirigido éste bodrio tan grande como una montaña tan alta como el Everest, por decir algo.
Efectivamente, el genero del Peplum quiso volver con obras como Centurión,La última Legión, y ahora reafirma su estado con La Legión del Aguila. Films que quieren situarnos al imperio Romano en su peor estado, el mas lúgubre, el más pobre.
Curiosamente, éstas películas son en cierto modo muy baratas, ya que no cuentan con ejercitos grandes, no vemos la Roma de aquel tiempo, ni siquiera una visión rápida al Coliseo. Creo si no me fallan los cálculos, que la última película en la que el imperio Romano daba auge de lo que era, pudo ser Gladiator, y logicamente la de Scott no es Ben-Hur...
La trama, bien sencilla nos situa en la busqueda de la Novena Legión, perdida y con un padre al mando al que buscar. Es un joven Legionario y su Esclavo Celta, quienes solos emprenderán la búsqueda y se encontrarán con unos salvajes, dignos de películas de George A Romero...
Uno de los puntos mas flacos y negativos del film, sin duda son la interpretación de dos paletos (uno mas que otro), interpretados por Channing Tatum y Jamie Bell. Tatum, sin duda, un actor que destroza cada película en la que sale, y Bell, un Billy Elliot que no convence haga lo que haga. Junto a ellos, tenemos a un Mark Strong en decadencia, aunque sale poco en este film ya que es el padre a buscar. Pobre Strong, un actor que empezó haciendo grandes papeles de secundario y que ahora escoge cualquier papel segundón. Con lo que me gustaba éste hombre!! Aunque de Sinestro en Green Lantern está perfecto.
Walking Dead en era Romana
No me voy a explayar mucho en éste film. Decir solo que tiene un argumento de búsqueda y venganza bien típico, que sus actuaciones son pésimas, y por supuesto es pobre pobre pobre. Centurión no dejaba de ser pobre igualmente, pero tenía unas interpretaciones y una tensión que aquí no se masca por ningún sitio. De todas formas, nunca son buenas las comparaciones.
Si algo hay que salvar del film es el Score de Atli Örvarsson, que pese a perecerse mucho a Gladiator en las partes cantadas, a pesar de no ser Lisa Gerrard, tiene momentos muy bueno como el corte Celta The Return of the Eagle. Francamente, un Soundtrack a disfrutar.
Lo Mejor del Film: El Score de Örvarsson
Lo Peor del Film: Las actuaciones. El Argumento. Practicamente todo.
El director de Bronson y Valhalla Rising, Nicholas Winding Refn nos trae Drive, un film muy aclamado en el ultimo festival de Cannes y que optó a la palma. Sin embargo y como ya sabemos, The Tree of Life, el film de Terrence Malick se hizo con el galardón.
Conociendo el cine de Winding Refn, de Drive podemos esperar un film sobrenatural, abstracto, sangriento, sádico... de todo. Sin embargo, Drive se aleja un poco de todo ésto aunque guarda propiamente el estilo del director. De hecho hay unas cuantas escenas en las que se define a la perfección la linea del autor.
En esta ocasion el protagonista es Ryan Gosling, actor de moda y con un historial que va cada vez a más. Justo antes nos dejó Blue Valentine, ahora tenemos pendiente Crazy Stupid Love, y en breve el film al que le tengo muchas ganas dirigido por George Clooney, The Ides of March.
He de decir que con Drive, no tenía las expectativas muy altas, aunque despues de su visionado tambien es cierto que quizás esperaba algo mas. No obstante, el film supone a mi parecer el mejor del cineasta hasta la fecha, y probablemente con alguna visual mas le suba algún punto.
La trama, aunque es un poco simple, se vuelca completamente en la actuación del misterioso protagonista. Poco hablador, duro y palillo en la boca incluido. Entabla una extraña "relación" con su vecina hasta que encuentra a su marido malherido por un grupo que lo obligá a hacer un trabajito. El protagonista, que es especialista en escenas de riesgo de coches en películas, se ofrece a ayudarlo en el trabajito, pero algo sale mal...
He de decir que aunque Gosling no es uno de mis actores favoritos, está muy bien. Tampoco he visto mucho de el, y no, El Diario de Noa no me gusta, me parece un tostonazo del quince, de ahí que no disfrute con la actuación de Gosling. De todas formas creo que su evolución ha sido muy positiva. ¿Tendrá alguna interpretación que ésta? Que los fans me lo aclaren. Yo por ahora he disfrutado y mucho con su papel aquí en Drive.
Junto a el, la joven co-protagonista es una de mis mas odiadas, como ya sabreis mas de uno. Hablo de Carey Mulligan, que si os soy sincero, aquí me gusta y hasta sale menos fea que de costumbre. Tambien es verdad que lo que hace, cualquiera puede hacerlo.
El prota no pasa frio con esa chupilla que no se quita ni para lavarla
Ron Perlman es otro de los grandes actores que participa en el film, y curiosamente en un minipapel tenemos a la tetona, digo, a la actriz Christina Hendricks, pasable.
Como ya he dicho, el film me ha gustado bastante, y puede que con otro visionado suba la puntuación. Las canciones elegidas me parecen muy acertadas sobretodo al darle otro tipo de ambientación al film. Y es que la música, no solo las canciones sino el Score de Cliff Martinez me parece perfecto, muy atmosférico, en la linea del autor, uno de mis favoritos por cierto al hacernos obras como Solaris, la cual es una maravilla. Os recomiendo el Soundtrack de Contagion, más reciente y que está dirigido por Martinez también. Algunos han hablado del parecido con el Score de The Social Network, en referencias a ese sonido electrónico (más techno en el film de Fincher que atmosférico y electrónico en éste). No hay color entre uno y otro. Pero bueno, ya sabeis lo que pienso de The Social Network en general, incluida música.
En resumidas, un film muy recomendable, con algunas escenas que quitan el hipo, con una interpretación magistral de Ryan Gosling y con una música y una ambientación muy retro que no nos dejará indiferentes. Por cierto, me encanta ese tramo final del film... No doy Spoilers.
Lo Mejor del Film: Ryan Gosling. El Score de Cliff Martinez. Mejor que Bronson y Valhalla Rising
Lo Peor del Film: El innecesario papel de Hendricks. Un argumento y guión muy básico.
Probablemente y casi sin ninguna equivocación puedo decir que estoy ante la crítica mas dificil que haya hecho nunca. Y es que al ver un día despues del estreno ésta película, no he podido escribir mi sincera opinión sobre ella hasta el día de hoy.
Efectivamente, a estas alturas ya sabemos que El Arbol de la Vida de Terrence Malick ha casusado sensación desde que se proclamara vencedora con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. A partir de ahí y una vez realizado su estreno en nuestras salas, la gente entraba a verla con ansia, esperando así un drama con Brad Pitt a la cabeza.
La primera vez que vi el film, lo ocurrido era algo irónico. La gente se marchaba a mitad de película, aburrida por completo. He leído que en muchos sitios han reclamado el dinero de la entrada. Efectivamente, el film de Malick no ha caído bien entre una gran parte del público. A favor del director hay que decir que el que no ha visto una película de Malick, no tiene ni idea de que lo que va a ver es de una magnitud profunda y probablemente compleja.
Sí, la mayoría de la gente protestó con el film del cineasta que ya nos había dejado en nuestra retina la joya de La Delgada Linea Roja, uno de los mejores films de guerra mas complejos hasta la fecha. Sin embargo, hay una minoría que sin duda sabe apreciar la esencia del cine de Malick. Y efectivamente, se me llena la boca al decir que yo estoy en esa minoría y que disfrutó siendo parte de ese pequeño grupo.
El Arbol de la Vida es tan profundo y a la vez tan complejo, que solo puede crear dos grupos, los que la detestan y los que la aman. No hay termino medio, porque una película así no puede dejar indiferente a nadie, y a la vista está.
Antes de meterme en faena con el film, os diré que la primera vez que vi en la gran pantalla esa obra magna, salí extrañado, necesitaba asimilar lo que había visto. No era capaz de dar una opinión ni de darle una puntuación, ni siquiera aproximada (bueno, alta sí). Y no es porque no entendiese la película, ya digo, necesitaba asimilar muchas cosas, detalles que de seguro había pasado por alto. Y es que el film de Malick encerraba mucho, y de esa cantidad, todo importante y bueno. Así que decidí darle una nueva visual, para esclarecer más cosas. No me fue suficiente. Le dí una tercera visual. Empecé a disfrutarla más aún. Y finalmente y aprovechando "la fiesta del cine", la vi una cuarta, comprendiendo la idea de Malick, su punto de vista y por supuesto, disfrutandola.
Y es que un film que te hace meditar y que disfrutas tanto en tan poco tiempo, es simplemente una joya a tener en cuenta.
Sí, estamos ante una obra maestra. Aclaremos ésto. Para mucho "sabios" o que quieren serlo, el film de Malick es solo una simple novedad con un montaje y una fotografía de escándalo pero que no va a más. A estos sabios quizás habría que recordarles que las grandes obras maestras fueron ninguneadas en su estreno. La crítica las hundió y la gente salía en cierta manera asqueada. Nos podemos remontar a dos claros ejemplos de obras maestras que fueron maltratadas en su estreno. 2001 Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick y Blade Runner de Ridley Scott, dos grandes películas que han ido ganado con los años hasta convertirse en lo que son, obras imprescindibles del septimo arte. No películas cualquiera, no, sencillamente Obras Maestras.
El Arbol de la Vida es una obra maestra en estado puro que sin lugar a dudas tendrá mayor apreciación con el tiempo, cuando los sabios que ahora no la reconocen como tal, se den cuenta de que no hay otro film como éste con tanto mensaje, tanta moral y tanta belleza. No solo eso sino que de toda la obra de Malick, que tan pocas películas ha hecho pero a la vez tan interesantes, de seguro ésta es su mejor obra y que nunca podrá igualar tanta majestuosidad.
Algunos ingredientes para dar a entender la perfección de este film lo encontramos en la fotografía de Emmanuel Lubezki, que tras muchas nominaciones, éste es sin duda y de calle su mejor trabajo. Que le den el Oscar por Dios!
Otro aspecto es sin duda la música. Alexandre Desplat fue el seleccionado y ya aquí repasamos su Score. Mi apreciación por su Banda Sonora fue buena pero no perfecta, sin embargo he de decir que tras ver el film con esa conjunción de imágenes, la música sube unos puntos. Sin embargo he de mantenerla, por una simple razón, y es que la obra de Desplat actúa como decorado en éste film ya que su peso total lo encontramos en la amplia gama de música clásica de diversos estilos seleccionada para la película. Música que va desde el Titan de Mahler, a temas de Bach, Patrick Cassidy, Gorkovenko, Gorecki, Zbigniew Preisner con su Lacrimosa, o la obra cumbre que pone los pelos de punta de John Tavener, el Funeral Canticle. Repasaremos en breve éstos temas que no están en el Score oficial y que sin duda son los que mas enriquecen la película y a mi parecer son esenciales. Su unión con las imagenes de Malick son simplemente perfectas.
La diversidad de arte utilizada en éste film es abismal y se retrata a la perfección. Y por supuesto la forma en la que está contada-narrada, es sin duda de una belleza tal que por esa razón muchos se aburrirán y no apreciarán tal cosa.
¿Pero que tal si hablamos de la película en cuestión? He de decir que si alguien no ha visto o tiene intención de verla por segundas, que no lea nada a partir de ahora ya que viene lo que es el significado del film a mi parecer, mi humilde impresión y opinión y la que creo que es la lógica.
Conociendo el cine de Malick, sabemos de sobra su unión con la naturaleza. Aquí no iba a ser menos, y de seguro es en éste film donde su uso es mas importante ya que nos muestra su unión con algo tan importante como es el propio Dios. La clave del film la encontramos en las primeras palabras que cita la madre y que para aquellos que hayan salido encantados con la película, podrán recrearse en ellas una vez más. Sus palabras eran las siguientes:
"Las monjas nos enseñaron que hay dos caminos que puedes seguir en la vida, el de la Naturaleza y el de lo Divino. Debes elegir cual vas a seguir.
Lo Divino no busca agradarse a sí mismo. Acepta ser desairado, olvidado, no agrada. Acepta los insultos y las heridas.
La Naturaleza solo busca agradarse a sí misma y conseguir que otros la agraden. Le gusta dárselas de gran señora, salirse con la suya. Encuentra razones para ser infeliz cuando todo el mundo que la rodea resplandece y el amor sonríe a traves de todas las cosas.
Nos enseñaron que nadie que amara el camino de lo Divino acabaría mal.Yo te seré fiel. No importa lo que me suceda"
Dicho ésto y tras el curso de la película encontramos en la deducción que el padre es la Naturaleza, pues se comporta como tal, intentado ser el señor de la casa, imponiendo su fuerza, siendo infeliz en ocasiones, sobretodo cuando los demás son lo contrario.
La Madre es la representación de lo Divino, donde su amor hacia los suyos hará de ella una sufridora, aguantando adversidades y abriendo puertas hacia los demas con su cariño y su amor. Una clara representación de eso lo tenemos en las imagenes en las que se ve a la madre bailando en el aire, dando a entender con claridad de quien hablamos.
Pero hay una busqueda en el film, que es la del hijo mayor. Una búsqueda que le lleva a cruzar una puerta y ver la realidad. Para ello se remontará a todo lo sucedido y enseñado, viendo no solo los valores de la vida. Se pregunta repetidamente como llegaron a el todas esas cosas, esos pensamientos, ese dolor interior. Bajo que forma. Recuerda unas palabras de su padre, aun vivo, sobre la gente del mundo de ahora y su codicia. El deterioro que sufre la humanidad. Ésto hace reaccionar a su hijo que le remuerde la conciencia por algo pasado. Es entonces cuando ve muy cerca de la Zona Cero, un arbol que le recuerda al plantado por su padre y que el vió de pequeño. Es justo ahí cuando comienza el viaje hacia el lugar que le dará paz y le hará sentirse mas realizado en la busqueda de las respuestas.
Justo ahora, Malick nos obsequia con algo tan importante como la creación de la tierra. Curiosamente, la gente se preguntaba a menudo el porqué de aquellas maravillosas escenas. Muchos ni siquiera sabian que estaban ante la creación del mundo. El director nos deleita con una armonía y todo un ballet de música, belleza, arte y armonía. Nadie ha sido capaz de contar con imagenes la creación de ese planeta de fuego, volcánico, apagado por agua y siendo creado poco a poco para formar la tierra. Malick lo ha hecho dejándonos boquiabierto. Tras ver escenas como la nebulosa conocida como el Ojo de Dios, vemos su empeño en demostrar que todo ésto se debe por gloria Divina, por Dios. Nada de azar. Sencillamente no hay palabras... Podría ver esas escenas mil y una veces y no dejaría de admirar tal belleza.
El significado de ésto es sencillo, todo tiene su unión con un creador. La unión de la naturaleza y la gracia Divina solo puede estar unida por una misma cosa, la de un creador que en un principio formó el universo y seguidamente la tierra, y que en el film podemos ver reflejado en el padre y la madre con detalle, siendo éstos imperfectos, pero a la vez mas entendibles para nosotros.
Pero el viaje del hijo mayor, ¿Que supone? Si nos fijamos al principio, el personaje interpretado por Penn enciende una vela. Es el aniversario de la muerte de su hermano. Es por ello que todo este viaje es una redención para el perdon y la culpa de lo pasado.
Y es entonces, cuando el film acaba como comenzó, con Dios.
Sencillamente majestuoso. Poético es la palabra. No todos pueden entender este film, entre otras cosas porque El Arbol de la Vida va más allá de lo vivido hoy en todo tipo de películas. Es una película superior a lo vivido y claramente es el mejor film de ésta década. Se puede unir al altar donde estan obras como 2001 de Kubrick, la cual se ha comparado con ésta a pesar de no tener nada que ver, aunque si es cierto que pueda recordar en alguna escena planetaria, pero poco más.
La interpretación de Jessica Chastain y Brad Pitt es perfecta. Mucho riesgo corrió el actor al elegir un film tan dificil como éste y que sin duda es de lejos de lo mejor realizado. Debe llevarse el Oscar, no porque lo merezca, sino porque es una de las mejores películas de la historia. Hoy no se ve así, pero se verá.
Sí, no me cansaré de verla, oirla, disfrutarla y quererla. El Arbol de la Vida de Terrence Malick es una Obra Maestra que muchos odiaran, pero que una pequeña minoría sabrá apreciar como lo que es, cine puro, para pensar y amar.
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