Dirigida por Jodie Foster. Es su tercera película y cada vez va más a lo grande. Su siguiente proyecto parece ser un film de Ciencia Ficción. Le deseamos suerte en el mejor género del cine.
El Castor es un film que cuenta como protagonista con Mel Gibson, uno de mis actores fetiches de pequeño y que siempre da gusto ver en pantalla grande. Sus muecas y exageraciones siempre serán recordadas.
El film nos habla de un hombre totalmente deprimido, apunto del suicidio, que tras encontrar una marioneta con forma de castor y recibir un buen golpe, se levanta con desdoblamiento de personalidad, reflejando su otro yo en el Castor, que sin duda hará lo posible por resolverle la vida... o no.
Hijo, Padre y Castor
Sin duda, el film que puede parecer adentrarse en el absurdo, está perfectamente llevado hacia lo profundo y lo sentimental de la mano de Foster, que sin duda ha recibido muchas alabanzas por el film en el Festival de Cannes. Pero es que si hay algo que se le da bien a Gibson, es sin duda hacer de loco, y aquí, una vez más lo saboreamos en plena histeria. Lo recordamos por papeles de alucinógeno como el Rick de Arma Letal, Conspiración o una de mis favoritas y próximas críticas, Payback.
Pero no todo es jolgorio y alabanza en este film, ya que paralelamente a ésta historia, se narra el roce del hijo mayor con una de las amigas del instituto. Un tema que no interesa en absoluto y que pierde fuelle para el film. Incluso mientras estaban los dos niños intentando ligarse el uno al otro, yo deseaba que acabase la escena para ver al bueno de Mel. Sin duda, eso mata la película y realmente es innecesario. Claro que si el film es de una duración corta de apenas hora y media, logicamente tenemos el porqué: no había guión para mucho y la trama del niño servía de relleno. De seguro a alguien le gustará, pero a mi me aburrió, a pesar de salir Jennifer Lawrence que en los Oscars iba deslumbrante. Aquí no sale tan guapa, todo hay que decirlo, pero eso no quita que esté buenorra.
La música me agradó mucho, realizada por Marcelo Zarvos y con algun tema vocal mejor o peor escogido, como el Exit de Radiohead, utilizado anteriormente en Unfaitful instrumentalmente, uno de mis films favoritos.
Ideas para la empresa, marca Castor
En resumidas, un film profundo, bonito, corto, pero pesado a veces. Mel Gibson vuelve a resurgir dejandonos un papelón, que hacía tiempo que no hacía, al menos desde Señales.
Lo mejor del Film: Mel Gibson
Lo peor del Film: La trama del hijo mayor, innecesaria y aburrida.
Siempre me estoy quejando de Nicolas Cage, pero es que ultimamente llevo varias películas grandiosas de el. Bueno, no contemos Furia Ciega, pero Teniente Corrupto es una obra de Arte.
El Señor de la Guerra es un film grandioso, no solo por la actuación sino principalmente por lo que cuenta y cómo lo cuenta. Es una historia dura pero real como la vida misma, por desgracia. Hay frases memorables en el film, que resumen con certeza lo que es la guerra para unos y para otros. El beneficio que existe incluso cuando hay paz en el terreno de las armas.
El film nos habla de los inicios de un traficante de armas que va de menos a más hasta ser muy poderoso en el mundo con grandes influencias políticas. Él había añorado que su media naranja fuese una modelo de revista y finalmente lo consigue. Lo tiene todo, una familia de ensueño, aunque nadie sabe su trabajo verdadero. Es investigado por la policia y para colmo tiene un hermano drogadicto.
Cage, haciendo negocios
Ésta película está dirigida por Andrew Niccol artífice de Simone y Gattaca. Un director de poco trayecto fílmico pero con una suculenta carrera por delante al dejarnos sendas películas.
En el film, junto a Nicolas Cage, teníamos a Jared Leto como su hermano, Bridget Moynaham como la modelo de la que se enamora, Ethan Hawke como el policía que lo investiga e Iam Holm, como otro contrincante, traficante de armas.
Nicolas Cage está pletórico en éste film y el montaje total es perfecto, como el momento en el que un talibán prueba un arma y por cada bala que suelta vacía suena el sonido de la banca. Sencillamente espectacular al igual que los titulos de inicio donde seguimos todo el transcurso de creación hasta finalización de una bala una vez vendida.
El papel de Cage como Orlov va cogiendo peso conforme avanza el film, donde su trabajo acaba cegándole por completo hasta no prestar atención incluso cuando su hijo da sus primeros pasos. Probablemente, lo más fundamental para entendimiento nuestro es toda la voz en off con la que Orlov narra todos los sucesos, sentimientos y pesares del personaje. No hay que perder detalle.
El film está plagado de escenas de tensión como la del barco donde ocultan las armas y tienen que cambiarle el nombre y hacerse pasar por holandeses. Esa es solo una de ellas y probablemente la que menos.
Es un film para ver con tranquilidad y saborear bien su mensaje. A los contrabandistas de armas no les conviene la paz. Esa frase lo dice todo. Os la recomiendo fervientemente al igual que su banda sonora, de Antonio Pinto que es tremendamente buena. Junto al Score, la selección de temas según la época que vaya viviendo el personaje es de lujo.
El poli bueno (Hawke) hará lo posible dentro de lo legal por detenerlo
Pero si tengo que sacar algun punto negativo es sin duda ese momento en el que Orlov decide recurrir a su hermano para una ultima misión, donde ese punto nos hace pensar en lo que va a ocurrir, y esa previsibildad es notable en ese punto. Pero, logicamente sería la mejor manera de terminar el film. Y Ojo, no es el final!
Para mí, un peliculón como la copa de un pino. Una de esas en las que Nicolas Cage acierta de pleno. Despues de tanto horror peliculero, alguna tiene que ser buena, ¿no?
Lo mejor del Film: Su verdad. Cage. El Score de Antonio Pinto.
Lo peor del Film: El momento previsible al recurrir a su hermano.
La Frase: "Yo no quiero que mueran. Yo no apunto a nadie a la cabeza y le obligo a disparar. Lo admito, una guerra es buena para el negocio, pero prefiero que disparen con mis armas y fallen con tal de que disparen"
Kevin Smith contó con todo el equipo utilizado en sus anteriores films. Sus asiduos y los personajes queridos. Ésta vez, como protagonistas teníamos al clan de los 90. No, claramente no eran Jack Lemon y Walther Matthau. No lo eran ni lo serán. Hablo de Matt Damon y Ben Affleck, dos sosías que cuentan con la amistad de Smith.
Personalmente, pienso que Kevin Smith es más preciso e intimista cuando trabaja con poca gente a su alrededor. Por eso los mejores chistes siempre salen de películas como Clerks o Mallrats.
La nueva imagen de Cristo. Más chachi
Dogma fue un intento de burla hacia la Iglesia Católica, tergiversando por completo la Biblia hasta el absurdo más ridículo. Como sacar a la luz al apostol 13, decir que Dios es una mujer, o que la destruccion de Sodoma fue llevada a cabo por Loki. Son detalles ruborizantes que para los que entendemos algo del tema, nos acaba resultando aburrida, pero más que nada por el montón de absurdeces.
Kevin Smith juega a ser director en éste film y le sale el tiro por la culata. Empezando por la mala selección de protagonistas. Alan Rickman, que es el mejor actor que sale en el film, está totalmente patético. Sin embargo, para alarmas y urgencias, siempre hay que recurrir a dos personajes que son carne de cañón ante adversidades. Jay y Bob el Silencioso. Si no fuera por Jason Mewes el film tendría un rotundo suspenso.
Pero... ¿De que vá Dogma? Nos habla de dos angeles condenados y olvidados, que necesitan volverse humanos y ser muertos para volver al cielo en vista del aburrimiento que sienten en la tierra. Entre tanto, unas fuerzas celestiales acuden a una abortista que es la última descendiente de Jesucristo para evitar que éstos angeles sangrientos cumplan su misión.
Alanis Morissette es... Dios
Es algo ridículo. Pero Kevin Smith ya nos avisaba al comienzo del film con una larga parrafada sobre lo que ibamos a ver y la burla que tramaba sobre la Iglesia. Por eso, el film hay que verlo como lo que és, una absurdez, salvada unicamente por la presencia de Jay y Bob, pero que sin duda es de los peores films del director.
Lo mejor del Film: Jay y Bob el Silencioso.
Lo peor del Film: La gran absurdez al tergiversar la Biblia de esa forma. Un film demasiado grande para el director.
El director de El Ilusionista, Neil Burger, nos realiza un film hasta cierto punto futurista y con una trama muy atractiva.
Nos cuenta la vida de un escritor, con un contrato para cumplir una novela, sin embargo se le acaba el tiempo y no se le ocurre nada debido a la ansiedad y sus problemas de divorcio y separación reciente de su ex. Sin embargo, se encuentra con un antiguo ex cuñado que le ofrece una pastilla en pruebas con un coste superio a los ochocientos dolares. Al tomársela, el cerebro actúa al completo, haciendo uso de éste al cien por cien, por lo que entonces, el protagonista no solo termina la novela en cuatro días sino que aprende a tocar el piano, idiomas, y un largo etcetera de cosas que os podais imaginar. Sin embargo, como toda pastilla, la adicción acaba siendo posesiva y todo acaba convirtiendose en una droga adictiva y sobretodo peligrosa con unos efectos secundarios que le traerán problemas.
Abbey Cornish esperándome. Ahora voy.
El protagonista del film es Bradley Cooper, visto en Resacón en las Vegas o haciendo de Fénix en el remake fílmico de El Equipo A. Con él tenemos de nueva a una de mis suculentas mujeres favoritas, de las mas bellas. Abbie Cornish, en el papel de la ex que aún le da oportunidades. Y por otro lado tenemos a Robert DeNiro, una vez más en un papel que no está a su altura y que bien podría haber hecho cualquier otro.
Lo que aparentemente parece un film atractivo, cae en topicazos y aburrimiento a ratos debido a que sabemos desde primera hora como va a acabar todo. Su primera escena de inicio es clara, el protagonista queriendo suicidarse. Sabemos de sobra qué va a pasar cuando llegue ese punto. ¿No? Seré mago entonces.
Al film le falta suspense, un grave error, ya que hasta cierto punto, lo que parece ser un film en cierto aspecto futurista, acaba convirtiendose en un rollo de ficción para pasar el rato. Y sí, el film entretiene e incluso Cooper convence, es un actor que no lo hace mal a pesar de ser el prototipo guaperas del cine de hoy, pero hay algo que no me termina de convencer.
No, no le voy a echar otra visual para averiguarlo. Pero por ejemplo, SPOILER, el momento lamida de sangre, estaba más que visto que iba a ocurrir. ¿No? Seré mago entonces. FIN SPOILER.
Por otra parte, sí que recomiendo el Soundtrack de Paul Leonard-Morgan, del que realmente no conocía nada. Muy entretenido y preciso en las escenas como el caso de ésa introducción de titulos de crédito, que no solo musicalmente sino visualmente es impresionante.
El drogata y DeNiro
Lo mejor del Film: Los titulos de crédito. Abbie Cornish. Entretiene...
Lo peor del Film: DeNiro. Podría haber sido una mejor película con otro planteamiento. ¿Porqué todos los escritores deben ser unos pestosos arrastrados que no se lavan?
Scott Stewart vuelve a trabajar con Paul Bettany después del fiasco realizado conjuntamente un año anterior a éste con el film Legion. Una mezcla de angeles y demonios sobrenaturales y que sin duda tuvo un resultado pésimo.
El Sicario de Dios (con lo facil que es traducirla como Sacerdote!) es un film de ciencia ficción, donde se mezcla el Western y los vampiros. Nos cuenta como en una ciudad acorazada a la que el sol ya no llega, se defienden del exterior y de la plaga de vampiros gracias a unas personas con unos dones sobrenaturales, enseñadas por el clero de la iglesia. Son los Sacerdotes. Sin embargo, tras acabar con la plaga, éstos, mezclados en la sociedad, empezaron a ser olvidados, hasta que una llamada de socorro obliga al protagonista a salir de aquel lugar, convirtiendose así en un pecador convicto.
Dentro del bajo presupuesto con el que ha contado el film, hay que decir que sus efectos especiales estan muy bien trabajados hasta el punto de algunos decorados, donde por desgracia se notan que están dibujados, eso sí, muy bien dibujados! Me recuerda a los fondos de escenario que usaba el propio John Carpenter con films como La Cosa, donde todos eran dibujos, que claramente eran obras de arte. A pesar de todo ésto, en el aspecto visual el film es bueno.
En cuanto a actores. Paul Bettany está francamente bien, solo que espero que no se encasille tras sus dos últimos trabajos. Por otra parte, el villano del film es Karl Urban, un actor que para mí se está convirtiendo en uno de los grandes a pesar de que no le ofrecen grandes papeles de protagonista. La caracterización de villano con ese sombrero le queda francamente de lujo. Cam Gigandet por otra parte, es un actor que no me llena. Todo cabeza. Y Maggie Q, la nueva Nikita, hace su papel, donde la importancia de ésta redunda sobretodo en la relacion imposible que mantiene con el protagonista.
Los Sacerdotes no tenian nada que envidiar a los Jedis
Y probablemente, ese detalle encierre algo de diferencia con respecto a otros films similares donde las historias de amor se dan a tutiplén. El momento más intimo que mantienen los dos en el film es una muestra de lo que hablo, donde tan solo una simple caricia o un simple roce hacer brotar sentimientos a flor de piel que pueden quitar el habla. Una tensión que resulta muy atractiva. De éste detalle hago mención a la amiga con la que fui a ver la película, que me hizo notar más esa tensión de lo que yo habia imaginado. Brutal escena! gracias!
Otro aspecto positivo es el comienzo del film. Donde después de una escena de apertura que nos situa en lo que nos vamos a encontrar, se abren unos titulos de crédito mezclando animación, contando la relacion vampiro-hombre desde la época de las cruzadas hasta el tiempo real donde se basa el film. Genial detalle.
La banda sonora de Christopher Young es magistral. ya hablamos de ella en este blog. Para mi gusto, Young hace su mejor composición, viendo toda su carrera.
Pero no todo es bueno. Hay partes negativas y por desgracia son las que más pesan en el film. Sobretodo con relación a su previsibildad, en la que desde que empieza el film hasta que acaba, sabemos de sobra lo que va a ir pasando. Los pequeños sustos o sorpresas que nos podamos llevar son sabidos por típicos.
La historia en sí tampoco es muy original. Es un western en toda regla. Vagamos por el desierto con motos en vez de caballos, y a las regiones y pueblos, se llega en tren, donde cada condado o ciudad tiene su propio Sheriff.
Urban con una caracterización genial
Y por supuesto, es un film donde dependiendo de su éxito, tendremos segunda parte, ya que el final queda totalmente abierto. Pero desde mi punto de vista, cuando fui a verla, me esperaba algo así, por lo que el film me entretuvo. Sobretodo porque a pesar de no llegar a hora y media, el producto va directamente al grano, que es lo bueno de todo. Así que pasé un rato divertido, entretenido y agusto.
PD: Despues de ver el film y ver los "poderes" y saltos de los Sacerdotes, la verdad que apenas hay diferencia con un Jedi. Bueno sí, éstos son mas religiosos.
Lo mejor del Film: El Soundtrack. Karl Urban. Algunos efectos
Lo peor del Film: Su previsibildad. Su pobreza. Sus tipic topics.
Despues de obtener un resultado más que aceptable con su anterior película, San Valentín Sangriento 3D.Patrick Lussier sigue haciendo del uso del 3D en películas con cierta estética atractiva.
Furia Ciega, con el amigo Nicholas Cage de protagonista, que como bien sabemos, da una de cal y diez de arena. Sin embargo, el film de Lussier es muy peculiar y no hay que tomarselo en serio para disfrutarlo por completo.
El film nos cuenta como el personaje de Cage va en busca de una secta satánica que tiene a su nieta raptada para ser dada en sacrificio. En su camino sin embargo se cruza El Contable, un ser salido del mismo sitio que Nicholas, el cual ya había muerto anteriormente. Ahora hay dos bandos abiertos, mucha sangre y mucho Rock and Roll!.
David Morse, otro secundario que hace mil películas al año
¿Quereis un film con espectaculo que mezcle un poco el Western, persecuciones de coches, efectos especiales, tías buenorras y meter al mismo infierno por medio? Furia Ciega es vuestra película. Todos esos ingredientes aderezandolos con un poco de carnicería sangrienta, los tenéis en ésta peli que hará las delicias de los amantes de la serie B y las películas de leña.
La pega que le pongo son algunos efectos especiales, que viendo su versión en 2D se nota a mil leguas que están hechos por ordenador, pero malamente. Empleados éstos efectos para su versión tridimensional para que sea mas resultona. El cambio al 2D hace que pierda bastante su poca credibilidad.
Sin embargo el film gusta, como ya he dicho, porque no es serio. Y si os habeis vistos algunos dramones como Biutiful, lo mejor que podeis hacer es ver Furia Ciega y respirar agusto, porque la película es muy entretenida. Algunas escenas son dignas de mención como el momento en el que el personaje de Nicholas se está "beneficiando" a una camarera y "sin sacarla" es capaz de cargarse a once tíos cambiando de posturas. Eso no se ha visto nunca!!! Sin lugar a dudas una fantasmada genial. Y con las comillas espero que me hayais entendido al no ser tan explícito.
Fichtner hace mágia con una moneda en el film. No tiene desperdicio
Pero hay que alabar a William Fichtner, el "Contable" del film. Actor que hemos podido ver en films como La Tormenta Perfecta o más reciente en Dark Knight como uno de los encargados del banco en la primera escena del film. La verdad que está muy bien y no le pongo ni un pero.
¿Y de la buenorra del film?? Pues es nada menos que Amber Heard, de la cual aun tengo pendiente por ver la última película de John Carpenter, The Ward, donde ella és la protagonista. De rechupete amigos!
Logicamente, yo sabía lo que me iba a encontrar, un producto facilón, resultando una película mala. El resultado fue mejor de lo que esperaba y tanto Nicholas como Fichtner están geniales en esos papeles infernales que no hay quien se los crea. Y la gracia del film redunda en eso, su poca credibilidad y sus escenas imposibles. Por lo tanto, un gustazo para mí. Ah! y no nos olvidemos de su música, cargada de canciones rockeras como todo buen film de leña debe tener.
Lo mejor del Film: Cage y Fichtner. Sus escenas imposibles. La buenorra que está Amber Heard
Lo peor del Film: Sus efectos basados en el 3D que de cara al 2D son muy artificiales.
Ésta cinta, ganadora del Oscar a mejor película de habla no inglesa, es sin duda merecedora con creces. No solo obtuvo ese Oscar sino que tras él, una cantidad de premios le fueron otorgados incesantemente.
El film nos cuenta la historia de Salvatore, un niño al que cariñosamente llaman Totó y que disfruta pasionalmente del cine proyectado en su pueblecito. Se escapa siempre de sus quehaceres para asistir a las proyecciones y mantiene una relación con Alfredo (Philippe Noiret), el proyeccionista que lo acabará enseñando y con el que mantendrá un vinculo de cariño inmenso. Pasaran los años y sucederan cosas que no cuento para aquel desdichado que aún no haya visto éste film tan bello.
Y es que precisamente si algo tiene el film es ternura, cariño y belleza conjunta con la tristeza justa, donde los mas sensibles llorarán sin duda.
Alfredo y Totó
He de decir personalmente que me quedo con la parte de Salvatore Cascio, es decir, del pequeño Totó ya que lo vemos en tres etapas de su vida. Es sin duda la parte mas tierna y la formación de éste. Luego al crecer, logicamente ocurre el amor imposible y otras debilidades y temores hasta llegados al punto final donde Salvatore se convierte en un director de cine afamado.
El film nos deja muchos mensajes para nosotros, pero el mayor de todos sin duda es el que Alfredo le dice a Totó, y es que nunca se le ocurra volver ni mirar atrás. Que se olvide del recuerdo para seguir avanzando. Una promesa dura que Totó cumplirá hasta el dia fatídico, donde se descubrirá a sí mismo y comprobará que en treinta años pasados todo seguía igual atrás.
Pero la película nos deja mucho para nosotros. A lo largo de las proyecciones podemos comprobar las distintas personalidades de la gente a la hora de ir al cine. Los deseos y las conciencias de aquellos que probaban la experiencia por primera vez. Los destapes, los besos que siempre eran cortados por el párroco del pueblo y que finalmente y tras el estreno del Nuevo Cinema Paradiso dejaron de ser prohibidos. De seguro nos hemos sentido identificados en algún momento con parte del film, nos hemos visto en la cara de algunos, que se sabían las películas de memoria practicamente, que lloraban con escenas que ya incluso habian visto. Era la magia del cine.
Y sobra decir que la banda sonora es sin duda una de las mas bellas del cine con el brochazo del genio Morricone. Muy buena al completo pero con un tema principal que es para llorar. De los mejores del maestro y de los mas enternecedores.
Una tierna y gigante relación de amistad
El film, sin duda es merecedor de alabanzas y quedará en la historia como una de las películas mas bonitas del mundo del cine. Quizás para mi gusto se alarga demasiado sobretodo en sus escenas finales, y eso que hay una versión que dura cincuenta minutos más!! Aun así, un peliculón.
Lo mejor del Film: Philippe Noiret y Salvatore Cascio o Alfredo y Totó. Su homenaje al cine. La Banda Sonora de Morricone.
Lo peor del Film: Demasiado lenta y larga en ocasiones.
Cerramos la primera parte de la trilogia de Casey Crescenzo con éste tercer acto que está perfectamente al nivel de sus dos primeras entregas, las cuales ya comentamos aquí y analizamos minuciosamente.
El tercer acto continúa con la historia tal y donde se quedó la segunda parte y podemos observar como la portada ha cambiado, monstrándonos el árbol de forma más elegante. Sin duda una exquisitez para conservar originalmente. The Dear Hunter ha crecido por completo.
Y aun quedan trés entregas más de la serie que aun no se han hecho, pero Crescenzo meterá mano a la cuarta en breve si no lo ha hecho ya!
En lineas generales, éste disco está a la altura de los demás aunque logicamente yo me quedo con su segunda entrega como disco completo, el The Meaning of, and All Things Regarding Ms. Leading. Pero también digo que éste Life and Death, ha superado el nivel del primero, The Lake south, The River North, por lo que mi tabla de preferencia quedaría asi. II, III y I.
Vamos con un avance de éste disco con lo que a mi parecer es pura delicatessen.
En primer lugar, el corte The Tank, es un tema de gran instrumentación y que se parte en dos al parar por completo y mostrarnos una canción distinta, suave, melodiosa y armoniosa con la bella voz de Casey y unos coros que lo acompañan. Pero ésto dura poco ya que se vuelve a mezclar la dureza de instrumentos de cuerda y los gritos del cantante, hasta que una vez más vuelve la armonia pero con mas nivel subiendo más aún y dejando finalmente un tema para la posteridad que es uno de los mejores del disco sin lugar a dudas.
Damos un salto y nos situamos en el corte numero 12. Son. Una auténtica oda coral que empieza a capella con unas voces conjuntas para quitar el hipo. Seguidamente una guitarra acustica y un xilófono acompañan a Casey en solitario en lo que es una de las canciones meláncolicas del disco solo superada por la que a continuación vamos a poner. La canción vuelve a maravillar cuando la esperanza vuelve de la mano de los coros y la respuesta a piano. Preciosa.
Y el hijo, Son, va acompañado de su padre, Father, el track numero 13 que da cierre a Life and Death. Una maravillosa canción que solo con escucharla sabemos claramente que ésto se acaba, que no hay más hasta que Casey disponga de un cuarto album. Un tema apoteósico con el que podrán ponerse nuestros vellos de punta. Probablemente, éste sea el disco más coral de los tres.
Y aunque es el tema final cantado, el disco cierra con Life and Death, un corte musical que no llega al minuto de duración pero que guarda un completo misterio. Misterio que se abrirá de nuevo en el Act IV que tánto esperamos y que cuando salga a la luz, sin duda lo analizaremos en éste humilde blog, porque The Dear Hunter lo merece y para mí es un ya uno de los grupos consagrados dentro del mundo psicódelico-progresivo-rockero. Y todo lo que me falte. Analisis del Acto I Analisis del Acto II
El director de Amores Perros y Babel,Alejandro González Iñárritu nos trae Biutiful, un film de una carga total para el espectador en el aspecto de hacernos pasarlo mal.
Biutiful es un film triste, muy triste, tristísimo. Pero en el aspecto positivo. Es decir, la película es realmente muy buena, pero la historia que nos cuenta nos dejará sin habla por su total tristeza.
Nos encontramos ante una historia sincilla pero dificil a la vez. El film nos habla de un hombre, Uxbal, que tiene el don de leer las últimas palabras de los moribundo. A la vez ejerce de intermediario entre manteros y trabajos chinos. Sin embargo vive rodeado de miseria y está gravemente enfermo. Sabiendo que le queda poco de vida, decide darle valor a todo y redimirse consigo mismo y con los demas.
Retrato de una "familia"
En el film vemos el reflejo de una Barcelona oculta donde lo que no se ve es lo más realista. Una vez más Iñárritu da uso y juego de las historias corales donde es aquí el protagonista quien se cruza con todos los protagonistas.
Estuvo nominado Bardem al Oscar por este papel, aunque finalmente se lo llevó Colin Firth. Ya son varias las nominaciones en las dos categorias de nuestro actor Español, que una vez más hay que alabar por su trabajo. Precisamente lo bordó en lo que és mi película favorita del cine Español, Los Lunes al Sol, y aquí vuelve a relucir con un papel muy trabajado y complejo a la vez. Nos muestra sus interiores y el sentir de mucha gente que lo está pasando francamente mal en situaciones más que complicadas.
La historia de la familia de Uxbal podría ser perfectamente un reflejo de lo que por desgracia ocurre hoy en nuestro País.
El director demuestra que sabe perfectamente lo que hace y lleva el manejo de la historia a la perfección. Estuvo muy metido en ella ya que fue uno de los escritores de la misma. Es por eso que con total cariño, al acabar el film podemos ver las palabras de dedicatoria a quien va la película, a su padre, al que lo llama su hermoso y viejo roble.
Uxbal alias Bardem
Aunque aun tengo pendiente de ver Babel, recomendada por Dani Bermeo, algunas críticas ponen a Biutiful al mismo nivel con la excepción de que en ésta, todo ocurre en el mismo lugar. Son opiniones, pronto os traeré la crítica de Babel, pero no ahora, porque si tiene algo Iñárritu es que no hace un cine para ver de seguido, sus películas que son duras hay que saborearlas y descansar un poquito hasta que nos repongamos.
De Welcome to my Dna, tercer álbum de Blackfield, podemos decir algunas cosas, y esta vez no van a ser tan buenas.
La tercera colaboración de Aviv Geffen con Steven Wilson suena algo más diferente y "blanducha" que los dos anteriores discos. Es cierto que el primero es insuperable, pero el segundo no se quedaba atrás dentro de lo que era esa linea del rock-pop alternativo.
En esta nueva entrega que tanto tiempo hemos estado esperando y que para pena nuestra no ha seguido con el nombre que le correspondía, tan sencillo como III, y decidieron llamarlo Welcome to my Dna, un titulo que va mucho con la linea-atmosfera de Wilson y su derredor.
No obstante cuando escuché el disco, a la primera oída no quedé convencido del todo porque quizás me esperaba algo superior. Fue con varias oídas después cuando conseguí hacerme más con las canciones. Sin embargo, para mi gusto, habia demasiada música. Es decir, más orquesta de la que normalmente acostumbra a haber en discos del maestro Wilson. Fue entonces cuando me dije... aquí ha tenido que meter la mano Aviv Geffen más de la cuenta.
Pues bien, como ya sabeis, el disco se filtró bastante tiempo antes de salir al mercado. Y no fue hasta la fecha en la que lo compré en la que mi vaticinio se hizo real. No fue una sorpresa, mas bien una decepción. Efectivamente todas las canciones eran escritas por Aviv Geffen a excepción de una que curiosamente fue el primer single y es la que hoy vamos a poner.
La razón y el porqué no lo sé. Quizás el hecho de que Wilson haya trabajado más en sus dos anteriores entregas y haya querido darle más protagonismo en ésta a su amigo, o mas bien un ejercicio de relax para calentarnos sobre lo que va a venir proximamente como un segundo trabajo en solitario o un nuevo proyecto con el lider de Opeth, un nuevo disco de Bass Comunnion y más colaboraciones. Este hombre no para.
Pero ojo, que haya mas mano de Geffen no quiere decir que el disco sea malo. Es bastante bueno, pero es cierto que no está a la altura de los dos primeros ni de lejos. Presumiblemente podemos decir que es el trabajo mas pobre de Steven Wilson, pero lo excusamos por completo ya que apenas ha tenido mano en éste proyecto.
Nos vamos a quedar con Waving. Lo lanzaron con video, algo simplón y que me recuerda un poco al Money for Nothing de los Dire Straits.
La Sangre de las Valkirias es un comic cien por cien español en el que cuenta a la cabeza con el guión de Victor Santos quien ya nos trajo la obra de Los Reyes Elfos.
Junto a el, al dibujo contó con Pere Pérez todo un desconocido para mí pero que sus dibujos son sin duda muy buenos y estéticamente son perfectos de cara al entorno que Santos quiere crear sobre el mundo Vikingo. Anteriormente habia trabajado para algunos cómics eróticos y aquí se luce ya que hay bastantes desnudos y escenas subidas de tono, que mezcladas con la violencia y sangre, podemos decir con la boca bien llena que éste es un cómic exclusivo para adultos.
En el apartado de Color tenemos a Joan Fuster, y probablemente éste sea el apartado del que he salido algo insatisfecho. No es por mi amor al blanco y negro, ya que me encantan los cómics a color. Pero las "pinceladas" de Fuster a veces parecen desganadas y cuando en una dentadura debemos de ver un color blanquecino, vemos mezclarse con el rojo que sería su lengua. Y nó, no me equivoco.
Quitando éste punto, La Sangre de las Valkirias es un cómic muy recomendable y si aprieto más, diría que por su historia más que por su dibujo. Lógicamente nos resultará mas facil leerlo así en tebeo al ver y disfrutar del arte de Pérez. Pero me refiero a que es una historia, que aunque es bien sencilla, es digna de guión de película.
Será quizás porque tengo muy reciente Los Vikingos con Kirk Douglas y Thor de Kenneth Branagh, pero la historia de éste comic, que bien podría ser una mezcla de los dos, nos habla de como al empezar a llegar el cristianismo a las tierras nórdicas, en plena batalla vikinga, se llevan a la hija de uno de los jefes para que contraiga enlace con el jefe del grupo vencedor. Sin embargo, ésta niña a pesar de todo su sufrimiento conserva sus extrañas raíces, donde haciendo posesión de ellas hará volverse al pueblo y a todos los hermanos vikingos entre sí, levantando luchas y llenando el suelo de muertes.
El cómic me ha gustado bastante, pero lo que más aparte de su historia ha sido sin duda el final que es lo que dá pie y título al cómic, La Sangre de las Valkirias. Si os gustan las historias de vikingos, tenéis en éste tebeo un punto a favor para hacerlo. Y recordad, es Español.
En España tenemos grandes dibujantes y muy buenos guionistas. El problema es que el mercado de trabajo aquí no es ni la mitad del que puede ser en Estados Unidos con empresas como Dark Horse, o las superpoderosas DC y Marvel.
La Sangre de las Valkirias la podeis encontrar en el sello de Planeta.
Nota: Si pulsas sobre las viñetas las veréis más grandesy podréis apreciar con detalle el arte
El creador de Soundtracks de terror como Hellraiser o Pesadilla en Elm Street 2 y también colaborador de Danny Elfman en Spiderman, nos trae éste año Priest o conocida aquí en España como El Sicario de Dios.
Aunque no he tenido el placer de visualizar aun el film (me esperaré a verlo en Bluray). Suele ser de esos films que al menos entretiene si buscar pretensiones ni esperarse nada grande, pero el entretenimiento fijo que es correcto.
El poner el Soundtrack es ni mas ni menos porque nos encontramos ante uno de los mejores Soundtracks del año 2011 de cara a lo que queda aún de año. Musica muy apoteósica, llena de coros y una orquesta que hará que nuestros vellos se pongan de punta al escuchar cortes como los que os voy a presentar que de seguro harán del film un atractivo más para verlo.
Empezamos con el primer track que se llama igual que el film. Priest, donde de seguro será la carta de presentación para el inicio del film. Muy orquestado y con unos coros a partir del primer minuto que dan a entender que el film es sin duda soberano o al menos teológico sobretodo al entrar en juego un órgano de iglesia que le da un color brillante al tema.
El siguiente corte, es el numero dos, Eclipsed Heart. De mis favoritos, ya que por regla general son aquellos que hacen meditar y pensar los que más me llenan. Será porque me gusta estar pensando en cosas que se salen fuera de éste mundo. El tema está lleno de melancolía y es realmente bello.
El corte siete es Faith, Work, Security. Sin duda un legado para los protagonistas del film. Un tema para ir metiendonos en faena con unos coros que empiezan a rozar lo que se va a convertir en el tema principal del film y que al final de éste escucharemos aún más. Vaya coros!
Fanfare for a Resurrected Priestess es un tema tranquilo, corto e intenso. De esos llenos de esperanza con una base electrónica de fondo y adornado con unos coros que incluso me recordaron en este caso a The Passion de John Debney. Éste es el corte nueve.
Y para acabar, dejamos lo mejor para el final. No he puesto el corte diez, Cathedral City Blue que es tremendo y que os invito a escuchar al completo con el soundtrack, porque es en parte parecido al tema final pero sin tanta apoteosis. Y es que el corte A World Without End es sin duda una maravilla para el oído en todos los sentidos. Un tema que empieza de menos a más y donde los coros rompen por completo cada vez más. Los violines y la orquesta se unen al completo y obtenemos un corte de casi ocho minutos de duración donde vale absolutamente todo. Para mí, la mejor pieza del soundtrack.
No sabemos como será el film, pero en resumidas, el Soundtrack es practicamente magnífico. Os lo recomiendo por completo.
James L.Brooks, creador de Mejor Imposible, tenía muy dificil elevar el nivel o al menos igualarse al film protagonizado por Nicholson. Efectivamente no lo ha conseguido y ¿Como sabes si? es un film que aun así es bastante entretenido.
Yo soy de los que rehuyen de las comedias románticas por completo, y mi proposito no era verla. Si pudiese la habría evitado peroooo, ahí está el pero. Me pillaba sentado, la película puesta y pocas ganas de levantarse. De todas formas ¿Para que os voy a contar mi vida?
Mis impresiones. Bueno, pues una vez vista, he decir que me gusta mas Reese Whiterspoon, actriz que la veía como tontona pero que es muy lista y con un cierto atractivo. Por otra parte teníamos a Paul Rudd que era el protagonista de Te Quiero, Tio, un film que no me desagradó por completo. Y junto a ellos, adornamos el film con la presencia de Owen Wilson, que una vez más demuestra que es un actor mediocre y a Jack Nicholson que no se encuentra desde su papelón en Infiltrados aunque no lo hace mal del todo.
La indecisa y el desgraciado
El film es una historia romántica de una chica amargada que por malas decisiones decide irse a vivir con un deportista rico pero con sus manías y anti-monógamo. Por otra parte conoce a un chico que se ve visto en un fraude que lo puede llevar a la carcel. Es igualmente todo un personaje. Tanto el rico como el desgraciado encuentran en ella a la chica de sus sueños, pero ella no lo tiene claro...
La verdad es que hay algunos gags que tienen su gracía. No es lo mio pero reconozco que me entretuvo y no se me hizo para nada pesada. Me gustaron los personajes. Es un film perfecto para las parejitas y gente sin complicaciones que busca pasar un rato agradable y echarse unas risas sin maldad.
Tengo que alabar la magnífica resolución de cámara. Sus imagenes y fotografía. Totalmente espléndida y de una calidad muy buena.
La música es de Hans Zimmer y francamente está muy bien sobretodo en sus partes más tranquilas y menos humorísticas.
Whiterspoon y Ruud. Funcionan en el film
Por cierto, entre los actores destaco la presencia de Mark Linn-Baker que ejerce de abogado de la empresa de Nicholson. Es el actor de la serie Primos Lejanos (Perfect Strangers) del 86 y que ahora han repuesto en España. Que viejo esta....!
Lo mejor del Film: Whiterspoon y Ruud. Su fotografía.
Lo peor del Film: Wilson. No es Mejor Imposible ni de lejos
Que Terry Gilliam está ido de la perola es algo que no hace falta negar ni pensar mucho. Pero como el, hay unos pocos.
En el año 95 (añazo de cine importante), se estrenó Doce Monos, protagonizada por un babeante Bruce Willis y por un chiflado Brad Pitt.
El film nos habla de como un hombre en el año 2035, en un mundo de vida bajo la capa terrestre, en el subsuelo, es enviado al pasado, al año 1996 para dar con la clave de un virus exterminador que acabará con la raza humana. A partir de aquí la locura y el encuentro extraño entre dos mundos harán del protagonista un ser anormal a los ojos de los demas.
Bajo los toques doblados de cámara como Gilliam ya hizo anteriormente en un film algo similar, Brazil, encontramos una película que ha sido rodeada de comparaciones incluso (toca echarse las manos a la cabeza) con Blade Runner!!! No no no muy señor mío, no comparemos a Karlos Arguiñano con Manolo Rincón.
El baboso y el zumbao
A ciencia cierta, tras una segunda revisión (la primera la hice en su dia cuando salió y no era un entendedor de cine, ni sigo siendolo, vaya) el film se me hizo pesadísimo. Muy largo, aburrido y lento. Aparte de eso, tenemos fallos garrafales. El mayor de todos sin duda es ese viaje erróneo a la primera guerra mundial donde por coincidencias de la vida, el personaje de Willis quedará retratado para una póstuma revisión óptica en los noventa y así poder dar crédito a que lo que cuenta éste hombre loco es cierto.
Ilógico. Hubiese sido mucho mejor la idea de dejar por cuenta propia a la razón o quizás seguir pensando que era un loco.
Bruce Willis, que aquí se tira toda la película drogado y con cara de no saber que con el vá la cosa hace un papel muy bueno, todo lo contrario que Brad Pitt que intenta hacer de loco pero lo hace francamente mal. Quizás se habrá visto varias veces Alguien voló sobre el Nido del Cuco y su esfuerzo por imitar a tal joya le superó. Sin embargo, por aquel entonces nos habia dejado ya peliculones como Leyendas de Pasión o Seven. Éste no fue su papel aunque ilógicamente supuso su primera nominación al oscar, arrebatado finalmente por Kevin Spacey en Sospechosos Habituales.
El film fue un éxito para la crítica aunque para ser un film de ciencia ficción contó con menos presupuesto de lo habitual por lo que los propios actores tuvieron que bajar su caché. Sin embargo la película subió notablemente entre otras cosas porque contaba con Brad Pitt que era el actor del momento al haber rodado apenas cuatro películas fuertes en menos de dos años y la gente quería verlo.
Como consecuencia, fue una recaudación y gracias a ello seguimos teniendo a uno de los miembros de los Monty Pithon haciendo paridas y algunas joyitas. Por cierto, ahora que me he acordado, aun tengo pendiente Tideland... probablemente ésta semana caiga.
Toda la peli con éste careto!!
La música estaba realizada por Paul Buckmaster, pero sin duda destacamos su tema principal que fue una re-version del tema de Astor Piazzola, Suite Punta del Este y que os dejo para recuerdo.
En resumidas, un film alabado, para mí sobrevalorado, aburrido y que probablemente no vea hasta que se me borre de la memoria o hasta que pasen 40 años (espero llegar)
Lo mejor del Film: Su atmosfera. Ciencia Ficción
Lo peor del Film: Aburrido, lento y con algunos fallos garrafales. Brad Pitt
Seguimos con Kirk Douglas. Y no, no es que esté haciendo un ciclo, es que ha sido coincidencia que haya visto tantas películas ultimamente en las que el protagonista es el genial actor.
La Luz del Fin del Mundo es un film basado en un relato que puedo presumir de haber leído de niño, del maestro Julio Verne. Su nombre original era El Faro del Fin del Mundo. Curiosamente, el film es una producción Hispano-Suiza aunque parte del dinero corría del bolsillo del propio Douglas. Rodado mayormente en el Cabo de Creus y en la Manga del Mar Menor, el film nos muestra a tres fareros trabajando en la Isla que se ven abordados por unos extraños y sanguinarios piratas. Así de estos tres, solo escapa Will Denton (Douglas) y tendrá que esconderse en aquel pequeño y rocoso lugar de la furia de éstos. Sin embargo, tras el plan de los carniceros de apagar el faro para que los barcos choquen contra los inicios de la isla , encuentran a una mujer a la que dejan con vida. Así el temible Kongre (Yul Brynner) ejerce un plan para encontrar a Denton y darle muerte. Mientras tanto, Denton ha salvado la vida de otro marinero con el que contará con su ayuda para otro plan loco...
En el film sale también nuestro Fernando Rey, como uno de los tres fareros, en este caso el encargado general.
Douglas, solo ante el peligro
Con respecto a la obra de Verne, podemos decir que es una adaptación al reves, ya que segun la obra son los fareros los que van a la isla a arreglar el faro y es alli donde se encuentran con la horda de piratas que habitan allí. Logicamente, el marinero que queda vivo es Español y se llama Vazquez. Eso es lo de menos. Pero todo lo demás del film es sacado de la manga del director y sus guionistas
Algo ridiculo queda por ejemplo el usar a la mujer con vida como reclamo de Denton haciendola pasar por su antiguo amor.
Kevin Billington es el encargado de dirigirla y en su corta filmografía tenemos otro film desconocido llamado Interludio de Amor.
Al menos, agua no le iba a faltar al hombre
Douglas como buen actor que es, trabaja siempre bien al igual que Yul Brynner haciendo de villano sanguinario. Sin embargo, no es la película por la que los recordaremos, desde luego. Se puede ver una vez y olvidarla por completo, y esta vez sí que lo digo, la obra de Julio Verne es cien veces insuperable.
Lo mejor del Film: Ver a Kirk Douglas y Yul Brynner juntos
Lo peor del Film: El poco respeto a una obra tan buena de Julio Verne
Que el cine bélico era uno de los favoritos de Stanley Kubrick, de eso no hay duda. Su primer film Fear and Desire es prueba de ello, a pesar de que le prendiera fuego a la mayoría de copias existentes (alguna pulula por ahi).
Después de Atraco Perfecto, un film en toda regla con la categoria que llenaba el cineasta, vino Senderos de Gloria. Sin lugar a dudas un film que supuso el despegue total en cuanto a presupuesto para Kubrick. Y realmente fue gracias a la mano de Douglas.
Como curiosamente ya comentabamos en Espartaco, fue en ese film donde la relación entre los dos acabó muy mal, cada uno con sus manías y sobretodo por el poder que tenía bajo la producción el propio Douglas. Sin embargo, fue aquí, tras leer el guión de Senderos de Gloria y al haber quedado maravillado con el anterior trabajo de Kubrick, que decidió contratarlo y producirle la película con una financiación de un millón de dolares bajo la mano de United Artist. Un presupuesto que no era muy desorbitado pero que sin lugar a dudas fue muy alto para aquel entonces y para el director. Para colmo, empezaba a contar con actores de alto nivel como en éste caso era Kirk Douglas, que no paraba de hacer peliculón tras peliculón.
Pues bien, el guión fue del agrado de Kubrick y comenzó su rodaje, arriesgado y en algunos momentos peligroso de cara al publico. Sin embargo la formula surtió efecto. El bando protagonista, el Francés, lucha contra un enemigo, el Alemán, al que nunca vemos. Solo obtenemos disparos y bombazos pero en ningún momento del metraje tomaremos un solo cuerpo a cuerpo ni una visión lejana en movimiento del enemigo.
Macready
Por supuesto, a pesar de Douglas, tenemos que destacar a George Macready en el papel de el General Paul Mirreau. Un alto mando con el deseo de agradar a sus superiores enviando así a un pelotón a la conquista de una colina, forzosamente en un día plácido de sol, al descubierto y sin nada preparado. Macready hace el papel que refleja lo que en realidad eran los altos mandos de la guerra, ya sean Generales o Coroneles, donde lo unico que les importaba era la gloria y no sus hombres. Para ellos, el dar una simple orden no suponía ningún riesgo.
Y es justo aquí cuando entramos en una de las escenas más emblemáticas del film cuando cámara hacia atrás, seguimos el trayecto entre barricadas del General para dar fuerzas a sus hombres, y soltando algunas perlas como la de "Sus hombres han muerto muy bien". Menuda escena! Solo el maestro pudo realizarlas, y fue sin duda como dicen, que Spielberg quedó maravillado con estas escenas que fue la inspiración para rodar Salvar al Soldado Ryan, aunque no le llegue ni a los talones a Senderos de Gloria.
Y con respecto al trato que ejercían en la guerra éstos Generales y altos mandos, el papel de Douglas como el Coronel Dax, es sin duda la antítesis de todo ésto que hemos hablado ya que era capaz de decir a la cara lo que pensaba y luchar por sus hombres. Sin embargo, y como podemos comprobar en el film, ésto es practicamente inservible ante altos mandos, por lo que Dax debe emprender la conquista de la colina aunque ya sabemos de sobra el resultado.
El resultado es bien basado en la realidad parcialmente, ya que en la primera guerra mundial se condenó a muerte a varios soldados por desacato y por cobardía. Y es en el film cuando vemos como los superiores deben escoger a tres hombres entre todo el pelotón para morir por cobardía y que quede bien claro el mensaje. Dax al ver ésta magna injusticia decide hacer de abogado de sus hombres en el juicio. Y vemos por segunda vez como a pesar de su discurso, convincente, todo es intratable bajo los altos mandos, por lo que podemos olernos el final.
Douglas como el Coronel Dax
Pero no es ese el final. Realmente se dice que la United Artist deseaba un final feliz para el film, pero Kubrick decidió emplear la escena del Bar con la Alemana (la tercera mujer de Kubrick hasta su lecho de muerte) cantando, donde todo el pelotón, impresionado por la belleza de la mujer, le grita hasta que ésta entona una canción y éstos a su vez acaban entre lagrimas tarareando la canción mientras Dax mira a traves de la ventana, comprobando que no todos son unos hombres sin corazón sino que hay algo dentro de esos corazones donde puede brillar la esperanza.
Es el enemigo con el enemigo, unidos bajo una canción. ¿Acaso hay algo más poético que ésto?
Finalmente, se comenta que la United, a pesar de no ser ese el final querido por ellos, al ver como quedó, decidió dejarlo así.
Sobra decir que el film fue un éxito tremendo en Estados Unidos aunque Europa sufrió las consecuencias. En Francia al film hubó que modificarle su inicio y final poniendo la Marsellesa para no resultar tan dañino para ellos en el 70 y en España no se estrenó hasta los ochenta por la mano de Franco.
El apoteósico final. La tercera esposa del Maestro Kubrick
La tenemos. Un film belico, que mas que bélico es Anti-belicista, como toda trama de guerra con la mano del Maestro. O como ya comprobamos en La Chaqueta Metálica. Sin duda, Senderos de Gloria ha pasado a la historia y seguirá pasando como uno de los mejores films de la historia.
Lo mejor del Film: Su argumento. Su elenco de actores. La santa cámara de Kubrick. Vaya Planos!!!
Dirigida por un desconocido Bruce A. Evans, Mr. Brooks reune a un elenco de actores importante, encabezado por Kevin Costner, William Hurt y Demi Moore.
Costner, que como bien sabemos, va dando palos de ciego desde que en el 2000 hiciese 13 Días, y aún así su carrera consta de más fracasos que éxitos. Sin embargo el papel de Mr. Brooks es de una alabanza podríamos decir... o que leches! lo digo yo, de una alabanza suprema.
Decir que es el mejor papel de Costner sería meter la mano en el fuego, pues atrás en el tiempo nos deja papelones como el de Bailando con Lobos, Los Intocables, El Guardaespaldas y algunos etceteras más. Pero éste papel lo vamos a ensalzar y lo vamos a posicionar ante uno de los mejores papeles de éste hombre.
Mr.Brooks es un hombre adinerado dueño de una empresa gigante, con una vida plena y con un placer privado el cual le produce una excitación increible, matar. Su vicio es matar con precisión, sin huellas y sin dejar seña. Todo estudiado minuciosamente hasta el momento del acto, donde Mr.Brooks entra en éxtasis total.
Costner en Fast and Furious XIX
Pero dentro de su ser hay algo que le atormenta y por ello quiere dejarlo. Sin embargo, su desdoblamiento de personalidad está presente siempre para engatusarle y llevarle al malvado lado oscuro del asesinato. En éste caso, su mente es ocupada por el personaje, también de diez, interpretado por William Hurt y al que curiosamente, el personaje de Costner le tiene nombre puesto. Otro sediento de sangre que le provoca y con el que mantiene unas suculetas conversaciones llenas de humor ácido y negro.
En el film, sin embargo se levanta una subtrama en la que una agente de policía investiga el caso de éste asesino en serie y mientras tanto se envuelve con los problemas de unos presos salidos de la carcel que la acosan y un marido que le pide un dineral por el divorcio.
Quizás ésta parte del film es la mas floja aunque en algunas partes pueda ser necesaria. Pero después de la conclusión de éste, hubiese quedado mejor solo con la trama principal, donde un casual fotográfo que ha visto al señor Brooks en "acción" decide probar como socio el placer del asesinato...
Un film altamente recomendable con una trama muy amena y sobretodo engrandecida por el doble papel del clan Costner-Hurt. ¿Que podemos obtener para nuestro provecho sobre el film? Logicamente si no habeis visto la peli no leáis ésto: SPOILER El simple hecho de saber que un asesino en serie, al querer curarse, le resultará totalmente imposible a pesar de los medios que intente. FIN SPOILER.
La música corre a manos de Ramin Djawadi. Es muy recomendable. El tema vocal corre a cargo del grupo The Veils con el tema Vicious Traditions, extraido de su muy recomendable álbum The Runaway Found.
Costner y Hurt, un equipazo que lo borda en el film
En resumidas, un film que me ha encantado, sobretodo con lo dificil que resulta ver películas buenas que merezcan la pena en ésta década. Os lo recomiendo sobretodo por el trabajo de los personajes, donde a pesar de ese recuerdo o reflejo que podamos tener con Fight Club de David Fincher, aquí, el personaje real está consciente de que es su mente quien le habla, pero se deja dominar por ella.
PD: Curioso que el tío era un asesino implacable pero a la vez un devoto a Dios al que recurre constantemente bajo oraciones
Lo mejor del Film: Kevin Costner y William Hurt. Sus conversaciones.
Lo peor del Film: Demi Moore. Sosa como siempre. La trama de ella es la mas floja.
-Quien puede matar a un niño -Detras de las Paredes
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-Cars 2 -Especial Kubrick (Fin Ciclo Kubrick)
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