Crítica : Atraco Perfecto (1956) El Maestro llamó a las puertas de Hollywood con una delicatessen

Stanley Kubrick realizó su tercer largo, y podriamos llamar... más largo. La razón es que sus anteriores Fear and Desire y El Beso del Asesino eran de apenas una hora de duración y con Atraco Perfecto ya teníamos un metraje mas extenso y acorde.

Como hablaremos de las otras dos películas de Kubrick mencionaré solamente que hasta ahora, entre sus primeros metrajes, Atraco Perfecto o de titulo original, The Killing, se lleva la palma.
Y entre otras cosas por la forma en la que está realizada.

Kubrick empleaba planos de su sello. Dejar una cámara en una mesa fija mientras ocurre una conversación, o seguir al protagonista a través de tres habitaciones, son toques y sellos del propio y majestuoso Kubrick.
Por otra parte, está la narración, contada de alante hacia atrás y viceversa en distintos momentos.

El film nos habla de la confabulación de unos cuantos para atracar un botín de dos millones de dólares provenientes de un hipódromo. Para ello contarán con algunos socios, trabajadores y algún policía.
Por supuesto, todo el plan debe de estar en absoluto secreto, sin embargo, uno de los taquilleros, casado con una mujer posesiva que tiene un amante y que su único placer es el dinero, acaba contándole parte del plan, por lo que ésta se lo cuenta a su amante para por su cuenta intentar obtener el botín una vez robado.

El botín y el payaso

La complejidad y minuciosidad del plan es llevado a cargo de Johnnie Clay (Sterling Hayden).
Hayden es el actor mas reconocido del film y lo recordaremos por numerosos papeles, incluso trabajó con Kubrick de nuevo en Teléfono Rojo ¿Volamos hacia Moscú?, aunque sus papeles más reconocidos son los de La Jungla de Asfalto o Johnny Guitar.

Ni qué decir que Hayden hace un papelón, pero en resumidas, cada socio del plan hace lo suyo.
Pero lo maravilloso del film en cuestión es como lo resuelve o mejor dicho, como se enreda ese plan, que para un film de los cincuenta, sin duda sería una vuelta de tuerca para tipos de planes perfectos de atracos y robos precisos.

Logicamente, entre mensajes, Kubrick nos habla de la debilidad del hombre por el dinero, pero sobretodo por las mujeres. En el caso del taquillero, vemos como ciego por su esposa es capaz de hacer lo que sea aunque el resultado final hará que tome ciertas medidas drásticas.
Por otra parte, la pareja del protagonista, a la espera de su último golpe, es capaz de de esperarlo para huir con el. En otras películas la mujer lo habría dejado por ser un delincuente. Aquí no ocurre eso por lo que la vivencia se hace más real.

Pero que os voy a contar...
En casi la última escena del film hice algo que pocas veces hago, echarme las manos a la cara. Vaya sorpresa! Sobretodo porque no sabía ni había oído mucho sobre el film. Así que os invito a verlo y que no os cuenten nada porque sin duda es una joya en la que Stanley Kubrick relució brillantemente, dejando su huella en el cine, haciendo que las productoras se fijaran en su potencial.

Hablemos de datos y de cómo se hizo posible realización de éste film.
Anteriormente, como ya citamos, Kubrick realizó dos films algo más cortos, pero largos en todo caso. Fueron financiados de su bolsillo, y fue tan impactante el aspecto visual, que el productor James B. Harris quiso ficharlo y acabó asociandose con Kubrick como productora. La Harris-Kubrick que fue la primera que financió Atraco Perfecto en la que ya se contaba con un presupuesto más alto y con la que se pudieron fichar actores de mejor caché.

Hayden dejando en taquilla un "regalito"

La película fue un gran éxito y Kirk Douglas fichó con la productora para realizar nada menos que cinco películas. Su siguiente, Senderos de Gloria y más tarde, Espartaco. Y aunque el film no era un proyecto de la Harris-Kubrick, acabó fichando al ser echado Anthony Mann del metraje. Sin embargo y debido a las desaveniencias que ya citamos en las críticas de Espartaco, Douglas decidió rescindir su contrato que lo obligaban a otras tres películas más.
Suponemos que Kubrick respiraría tranquilo.

La música corría a cargo de Gerald Fried. Colaboró en repetidas ocasiones en los Scores de la serie de Star Trek. Es correcta

Atraco Perfecto (The Killing) es una joya del cine negro. Una obra de arte que sin duda, para su época, tal y como estaba montada, fue una explosión total. Y por eso merece la pena verla ya que es uno de esos clásicos que no pueden faltar en la filmografía de todo cinéfilo exquisito.

Lo mejor del Film: Su historia. Su novedosa forma de ser rodada y contada para su época. Sterling Hayden.

Lo peor del Film: No es la mejor del maestro, pero ésto es por rellenar algo aquí...

Calificación: 9/10

Crítica : Juego de Tronos "Piloto" (2011) Promete, promete.

Antes de hablar de ésta nueva serie he de decir a mis lectores que no me he leído Cancion de Hielo y Fuego y nada de George R.R. Martin y que no lo haré por mucho que algunos me lo recomendeis encarecidamente.

Vuelvo a criticar una serie como ya hice con The Walking Dead, más que nada porque al igual que la de Darabont, ésta tiene gran repercusión y promete muy mucho...

Si aviso que no he leído nada de Martin es para que no empeceis con las críticas sobre si algo es exacto o diferente al libro. Yo voy a criticar según lo que veo en pantalla, así que dejad vuestras críticas literarias para otra cosa porque no es de mi preferencia leerme esa saga de libros y justo ahora. George R. Martin se estará haciendo de oro justo ahora. Ya antes lo estaba, pero la serie sin duda le habrá dado un empuje económico bastante fuerte. Encima cuenta con la producción de él mismo.

Momoa (Conan) es Khal Drogo

En Juego de Tronos contamos con grandes y buenos actores. A la cabeza con Sean Bean y tenemos a Lena Headey (300, Las Crónicas de Sarah Connor) o Jason Momoa (Conan), entre algunos de los que salen y saldrán.

Las comparativas con El Señor de los Anillos empiezan a hacerse patentes, pero creo que no tiene nada que ver una cosa con otra salvo en lo épico, sobretodo porque ésta promete una historia macanuda, no como la de Tolkien que es una aventura simple llena de eso, aventura. Y ojo, me encanta El Señor de los Anillos, pero su historia es llana, muy llana.
Con Juego de Tronos parece que la cosa es compleja. Muchos Reinos, muchas historias paralelas y presupuesto, que es algo muy importante para una serie de tanta envergadura.

He de decir que para ser el Episodio Piloto me esperaba algo grandioso, sorprendente y espectacular, pero todo quedó en palabras. Esto no es para nada negativo, ya que da muestra y pie a que lo que vamos a ver tiene mucha historia que tratar. Personalmente me ha gustado, sobretodo porque ha servido de presentación a unos cuantos protagonistas.

Wow, cuerpazo y culazo de Emilia Clarke! que bellezón

Todo es un mundo lleno de nuevos personajes que de seguro se enlazarán proximamente por lo que veremos una serie de las que querremos ver un capitulo tras otro, estoy segurísimo de ello.

El comienzo de éste episodio Piloto es muy bueno, pero me quedo con el demoledor final donde se demuestra que aquí ésto es un juego a vida o muerte sin importar lo que ocurra.

El sexo, los desnudos, la violencia y la magia parece que van servidos en este serie de +18. Punto positivo!! La ambientación y paisajes es sublime.

No califico las series, pero si tuviese que calificar éste episodio, le daría un 7 alto. Seguro que mejorará y me enganchará aún más. Mientras tanto no saco mucho la cabeza por si nos pegamos el batacazo...

Crítica : Llanura Roja (1954) En territorio enemigo...

Robert Parrish, uno de los artífices de Casino Royale en clave paródica o Duffy con James Coburn como cabeza, nos trae Purple Plain o aquí en España titulada horriblemente Llanura Roja.
Nos cuenta la historia de un piloto en Birmania que vive acosado por sus pesadillas y alucinaciones desde que perdió a su futura mujer en un bombardeo. A partir de ahí, éste piloto que pone en peligro todas las situaciones se juega el cuello buscando su propia muerte, sin embargo y tal como relataba él mismo, gracias a ello había ganado numerosas condecoraciones.

Con todo y con eso, los demás lo trataban como un loco y nadie se ofrecía para ser su copiloto en vista de resultar herido el anterior por una maniobra peligrosa de Forrester (Peck).

Forrester (Peck) y un enteradillo a sus espaldas

Sin embargo éste parece que empieza a obrar diferente cuando encuentra el amor en una birmana llamada Anna, y a la que desde aquí digo que es una belleza de primera.
En un vuelo de rutina con un pasajero más a bordo y el copiloto, comienza a arder uno de los motores por lo que deben hacer un aterrizaje de emergencia en tierra enemiga.
Uno de ellos cae herido por lo que tendrán que cargar con él a pie por la jungla y los secanos del territorio enemigo...

Desde mi punto de vista, quizás ésta es la parte más floja del film, aunque sin duda es la mas clave e importante del mismo. Claramente, después de ver ésto uno se da cuenta de que películas como Tras la Línea Enemiga o la mas reciente Rescate al Amanecer, maman de la esencia de Llanura Roja. Un film que no es de los más grandes protagonizado por Gregory Peck pero que sin duda no deja indiferente. Sobretodo por la actuación de él mismo, que como siempre es impecable y hace que nos creamos de sobra su papel.

La partitura de John Veale es normalita y acorde, poco puedo decir. No es una obra para pasar al recuerdo.

En resumidas, un film entretenido, con un Gregory Peck como siempre, impecable.

Lo mejor del Film: Gregory Peck. La primera mitad del film.

Lo peor del Film: Su segunda mitad.

Calificación: 7/10

Crítica : Seven (1995) Y Fincher se hizo notar

Tras realizar la peor entrega de la saga Alien, David Fincher realizó Seven, un film que de apariencia externa parecía ser uno más de policías y asesinatos. Sin embargo, el film fue una explosión en todos los sentidos.

En primer lugar teníamos a una pareja protagonista muy atrayente como son Morgan Freeman y Brad Pitt, pero sobretodo a un psicópata muy listo, listísimo con el rostro de Kevin Spacey. Sí, a estas alturas doy Spoilers porque todo el mundo ha tenído que ver éste film si o sí.

Y es precisamente un film de asesinatos muy diferente ya que las sorpresas se dan por doquier, pero es sobretodo la corta actuación de Spacey lo que más valor le dá al film desde mi punto de vista. Ese momento cuando éste llega a la estación principal de policía y grita en diversas ocasiones "Detective" y éste está lleno de sangre, es sin lugar a dudas un momento vibrante en el que cualquiera se podría echar las manos a la cabeza. ¿De quién era esa sangre? Bueno, es algo que ya todos sabemos...

Mills y Somerset

Fue el film de los pecados capitales sacados de varios cuentos, historias y relatos pero sobretodo de la Divina Comedia de Dante. Cada asesinato tenía su pecado, en algunos momentos más explicados claramente que otros, pero que investigando todo cuadra a la perfección. Es sin duda un film muy trabajado.

Y algo muy notable sin dudas es la ambientación, tétrica, triste y oscura donde podemos reflejar bien a detalle lo que el director se proponía, darle una textura al film para oscurecer todo ese reflejo de maldad que desprendía John Doe.

A mi parecer todo está conseguido, sin embargo es un film que no me termina de llenar, quizás por el papel de Pitt como Mills, un chulito de barrio que consigue llegar a ese rango de detective. No creo que fuese tan facil. Son sin duda dos personalidades diferentes la de Mills y Somerset (Freeman) que quedan bien frente a la pantalla, pero que sin duda no es el mejor papel de Pitt ya que podríamos decir que a partir de aquí se le empezaba a tomar algo más en serio y por eso empezaron a darle papeles mejores, incluso Fincher contó con el en varias ocasiones, dejando su sello con su mejor película, Fight Club.

John Doe de visita

A raíz de Seven comenzaron a salir películas de éste estilo a patadas, sin embargo hubo una interpretada por Christopher Lambert a la que pongo muy al nivel de ésta. Es Resurrección, la del Asesino que trataba de reconstruir el cuerpo de Cristo. En gran manera muy original y nada que envidiarla a Seven. Uno de los últimos y mejores trabajos de Lambert.

Fincher, que lleva más pinchazos que éxitos, fue el director del reciente fracaso llamado La Red Social. Ahora se encarga de dirigir el remake totalmente prescindible e ilógico de la saga Millenium. No sabemos que será de The Goon, película animada a la que le tengo ganas y de ese film con el que trabaja con Tobey Maguire, que no es de mucho fiar.
Esperemos que vuelva a traernos películas con nombre y calidad como lo eran The Game, Fight Club o Zodiac.

Lo mejor del Film: Kevin Spacey

Lo peor del Film: Brad Pitt. No es la mejor obra de Fincher.

Calificación: 8/10

Crítica : Horizontes Azules (1955) La historia de Lewis & Clark adornada con florituras y mucho amor

Charlton Heston, que unos años antes había rodado Cuando Ruge la Marabunta, estaba a punto de convertirse en una mega-estrella. Le quedaba un año para rodar Los diez Mandamientos y lo que supondría un gran numero de films de alto standing como Ben-Hur, El Cid y muchas más.

Un año antes del film basado en la historia de Moisés, Heston realizó Horizontes Azules o Far Horizons de Rudolph Maté al que recordaremos sobretodo por su ultimo film realizado El León de Esparta.

Horizontes Azules nos cuenta la historia de una expedición mandada curiosamente por dos capitanes, Lewis y Clark. Fue sin lugar a dudas un hecho real e importante para Estados Unidos ya que fue la expedición mandada para averiguar toda la expansión del terreno y creación de mapas de la zona.

Heston quitándole la novia a MacMurray

En el viaje, logicamente se topan con Indios, algunos más amigos que otros y poco a poco van cayendo hombres. Sin embargo, el film de Maté es más basado en el libro Sacajawea of the Shoshones que en la historia real en sí. Maté nos trae una historia de amor que nos aleja del western para marcar más bien un film mas épico y romántico. Y es que tras quitarle la novia a Lewis y prometerse con ella, Clark (Heston) se enamora de una india (Donna Reed) a la que rescatan y por segunda vez le quita un posible amor al capitán Lewis.

Los paisajes y fotografía del film son muy acertados y algunas escenas como la del cambio de ropa de Sacajawa a manos de Clark son muy bellas y emotívas.
No obstante, no todo es bonito en un film que se queda en eso, en bonito.
El simple hecho de hacer que Donna Reed sea India, queda tremendamente falso. Es incorrecto e incluso dificil de ver ya que uno se fija más en el maquillaje que en su actuación.

El hecho de que la historia sea modificada por la historia de amor, es un cambio que a mi parecer perjudica pues hubiese podído haberse convertido en un film aventurero más constante.

Los capitanes Lewis y Clark

La música de Hans J. Salter no es mala pero sí desarcertada en muchos momentos donde la música no acompaña con el momento. Salter es más bien un músico de films de horror como ha demostrado al hacer varias películas de Frankenstein o El Hombre Lobo.

Es un film para pasar el rato, entretenerse y ver lo que estaba a punto de hacer y demostrar el gran Charlton Heston que tras éste film volaría sin lugar a dudas al estrellato.

PD: El dato. La nave del film Event Horizon donde van al rescate, es precisamente la Lewis & Clark.

Lo mejor del Film: Heston

Lo peor del Film: Donna Reed de India. El cambio a historia de amor en algo tan real como fue la expedición Lewis & Clark.

Calificación: 6/10

Crítica : Bubba Ho-Tep (2002) Elvis vive!!

El creador de El Señor de las Bestias o la saga Phantasma, Don Coscarelli, nos deleita con Bubba Ho-Tep, un film con el que cuenta a la cabeza con el mítico Bruce Campbell.

El film es de una osadía tremenda y francamente original, ya que nos habla de lo que para algunos es una realidad, el hecho de que Elvis sigue vivo.

Bubba Ho-Tep explica con exactitud el porqué sigue vivo, y tras unos flashbacks podemos ver a detalle lo que sería sin duda un real historia que con tanta intensidad se ha hablado desde el fallecimiento del Rey.

John F. Kennedy y Elvis

Harto de su éxito, busca a un imitador exacto para que éste haga de Elvis auténtico y a su vez el original haga de doble, pasándose por Sebastian Huff. En una de sus imitaciones, el auténtico Elvis pasándose por un imitador acaba con una fractura que lo lleva a una residencia durante su vida y con un grano en el pene que hace que se martirice.

A partir de ahí, comienzan a pasar extraños sucesos al darse la noticia de la desaparición de una momia. Poco a poco, la momia va acabando con cada uno de los ancianos, pero Elvis y Kennedy, un anciano negro con más razones para serlo que el original, se encargarán de hacerle frente a Ho-Tep...

El auténtico Elvis en busca de Sebastian Huff

El film es una propuesta magnífica y que consigue en gran medida entretener. Mezclando humor y terror como bien sabe hacer y ha demostrado en sus diferentes film el señor Coscarelli.
La música corre a cargo de Brian Tyler y es encomiable sin duda la labor y el buen hacer de Bruce Campbell, protagonista de la saga Evil Dead entre otras muchas, un maestro en éste tipo de film.
Y es que su caracterización como Elvis no solo es tremenda sino sus posturas faciales y esa historia contada a veces con voz en off. No solo hace de Bubba Ho-Tep un film singular sino francamente bueno. Es peculiar, entretenido, gracioso y con suspense. Lo tiene todo!

Bubba Ho-Tep es sin duda un film casero, pero Coscarelli siempre ha trabajado con éstos medios y han hecho de éste director un hombre de films de culto poco inusuales, ya sea por sus temáticas o por su simpleza, donde la fuerza radica en a veces la absurdez y en otras la lógica. En éste film podemos unir las dos cosas ya que no sería descabellado imaginarse a éstas dos figuras como son Elvis y John F.Kennedy en sus ultimos momentos de vida, luchando juntos. ¿Y porqué no sería descabellado? Quizás el Rey aun siga vivo....

Lo mejor del Film: Su desparpajo. Elvis vive!! Su resultado.

Lo peor del Film: Su pobre presupuesto siempre presente en films de Coscarelli.

Calificación: 8.5/10

Crítica : Espartaco (1960) La espina de Kubrick fue Douglas

Tras disfrutar de la versión 50 aniversario y contar de nuevo con el director de directores trás la cámara, Stanley Kubrick, pude disfrutar de un film de más de tres horas de duración.

Espartaco es conocido por todos de sobra y sabemos de la historia.
La revisión en mi caso fue fijarme en detalles y sobretodo por ese ciclo que estoy siguiendo del maestro Kubrick.

Se puede decir que Espartaco era una película que no deja al cien por cien el sello de Stanley Kubrick. Pero eso es por algunas razones.
La principal es que el film contaba con una producción costosa del propio Kirk Douglas.
A eso le añadimos con que en el argumento no había ni una sola argumentación de Kubrick.
Y también que él no era el director destinado ya que el rodaje comenzó con Anthony Mann.

Olivier, el mejor del film de lejos

Y así fue. Mann comenzó a rodar Espartaco pero sus peleas con Kirk Douglas eran constantes por lo que éste decidió expulsarlo por completo del rodaje a pesar de haber comenzado.
Anthony Mann, debido a su mosqueo y a su apuesta en el rodaje, dirigió al año siguiente El Cid con Charlton Heston, que sin duda no tuvo el éxito que tuvo Espartaco.

Douglas, seguidamente decidió contratar rapidamente a un Stanley Kubrick que había triunfado anteriormente con su film Senderos de Gloria y con el que ya había contado con Douglas como protagonista, de ahí que lo conociera.

Sin embargo, al llegar Kubrick, éste decidió hacer unas mejores al argumento y darle su toque personal al guión de Dalton Trumbo. Douglas se lo prohibió por completo.
Seguidamente, y al estar el comienzo del fillm grabado y rodado, Stanley decidió eliminarlo por completo y realizar su obra desde el comienzo. Igualmente, Douglas se lo prohibió, por lo que Kubrick empezaba a trabajar cohibido y sin mucha mano para hacer lo que el quería, dejar su sello.

Como pasó con Anthony Mann, las discusiones con Kirk Douglas eran cada vez más intensas. Sin embargo Kubrick aguantó como un jabato y rodó todo el metraje, incluso añadiendo alguna escena que seguidamente fue eliminada, como la del baño de Draco y Antonino, donde se hablaba de la condición bisexual del senador.
Con el tiempo, por los noventa, fue re-establecida aunque con un doblaje nuevo. Ahora podemos gozar de ella en su ultima version y de casi media hora más de metraje nuevo.

Batalla a muerte

Años después, Kubrick declaró que Espartaco habia sido para el un fracaso personal. No por la película en sí que fue todo un éxito sino porque no pudo hacer lo que quiso y dejar su marca. ¿A quién le gusta trabajar cohibido de esa manera? Supongo que a nadie.
Esto nos muestra a veces el poder de algunos productores de Hollywood. Ellos tendrían que dirigir la película!!

La música corría a cargo de Alex North. Una banda sonora especialmente bella sobretodo en las escenas y encuentros entre Varinia y Espartaco.
Al rodar más tarde 2001, Stanley Kubrick, quiso contar con North de nuevo, pero su Score fue tan malo que acabó escogiendo obras clásicas. De eso ya hablamos en la crítica de 2001 Una Odisea del Espacio.

En Espartaco teníamos un reparto de lujo. Destaco sobretodo el de Laurence Olivier, a mi gusto el mejor del film.
Seguidamente teníamos a Jean Simmons, Peter Ustinov, Tony Curtis y Charles Laughton.

El film obtuvo cuatro oscars, entre ellos mejor secundario a Peter Ustinov, Fotografía, Vestuario y Escenografía.

Douglas y Kubrick

Es un film donde Stanley Kubrick no deja su sello, que su metraje es excesivo para la historia que cuenta, le sobra una hora mínimo, y eso que yo soy amante de las películas largas, pero para la corta vida de Espartaco, es demasiado extenso. Aún así no deja de ser un peliculón.

Y es que con el presupuesto que contaba y su producción, Espartaco podía haber sido rodada por cualquiera, sin embargo fue Stanley Kubrick el encargado final, que sin duda le dió más calidad pero que no brilló como hizo a partir de aquí.

Lo mejor del Film: El elenco de actores. La música de North.

Lo peor del Film: No es un film donde Kubrick tuviese mano para hacer lo que quisiese.

Calificación: 8/10

Crítica : El Final de la Cuenta Atrás (1980) ¿Donde está Europe??

Don Taylor, director de secuelas del Planeta de los Simios o La Isla del Doctor Moreau con Burt Lancaster, es el artífice de crear una película que suena no menos que interesante. El Final de la Cuenta Atrás. Título que nos recuerda con creces al temazo de Europe pero que nada tiene que ver.

En el film trabajan nombres tan grandes como Kirk Douglas, Martin Sheen o un sobrevalorado James Farentino, con más nombre que actuaciones y que recordaremos más por ser el Pedro de Jesus de Nazareth.

El film nos habla de un portaaviones militar de los Estados Unidos que cruza una extraña tormenta que deja al barco perdido en una extraña situación. Al todo calmarse encuentran unas extrañas transmisiones que parecen antiguas. Y es que han viajado en el tiempo al 7 de Diciembre de 1941, en plena guerra de Pearl Harbour...

El film, como ya he dicho, bajo su temática y el magnífico elenco de actores, prometía. Sin embargo es muy pobre, pobrísimo.
Hay fotos que lanzan los aviones exploradores sobre Pearl Harbour y son exactamente las mismas que las de un libro que posee Farentino. Hasta el mínimo detalle y el mismo corte. Curiosidad? No, error abismal.

Kirk Douglas haciendo un papel que no le hace justicia

Otro error es no mostrar en ningún momento a la Pearl Harbour de aquella época. Solo vemos un barco de madera y dos aviones japoneses en los que se habrán gastado todo el presupuesto del film.

Para colmo, el film cuenta con un final soso y me atrevería a decir que pésimo. Es sin lugar a dudas una decepción. Sobretodo estando un Kirk Douglas, ya mayorcete, pero que apenas da muestras de hacer un papel creíble. Ni siquiera Martin Sheen que parece que no sabe donde se mete durante todo el film.

La música es triste y no por pobre, sino porque no es acorde en ningún momento. John Scott no estuvo acertado.

Para ser del año 80, recordemos, no es un film extramadamente malo. Al menos entretetiene, pero es para ver una sola vez en la vida y olvidarse por completo.
Hubiese ganado puntos si las actuaciones hubiesen estado a la altura.

Lo mejor del Film: Entretiene por su apuesta interesante para la época.

Lo peor del Film: Actuaciones, música, argumento y poco presupuesto.

Calificación: 5.5/10

Crítica : La Última Casa a la Izquierda (2009) Padres coraje

Pensaba que era un film de terror, y me encuentro con un Remake de un film del mítico Wes Craven que recordaremos por su film Las Colinas tienen Ojos o por la saga que ha vuelto a rejuvenecer para todos los jovencitos, Scream.

La última casa a la izquierda fue su primer film en el año 72 y es ahora Dennis Iliadis el encargado de rodarla nuevamente.
Tengo que decir que no he visto la de Craven y a lo mejor he cometido un pecado, ya que éste film me ha gustado más de lo que pensaba.

Es duro y tenso y nos trae algunas escenas para quitar el hipo.
Nos cuenta el momento de dos amigas que haciendo lo que todas las niñas de 17-18 años sin sus padres hacen, éstas no fallan. Se ponen a fumar porros en casa de un nuevo amigo que resulta ser hijo de unos asesinos buscados en portada. Ellas son maltratadas y violadas y algo más que no voy a contar para no chafar, pero el resultado es que éstos asesinos acaban refugiandose en la casa de una de las chicas y los padres sin saber nada. Es ese el momento de mas tensión donde reina el suspense.

Dillahunt y la muñequita Paxton

El film no es para tirar cohetes, por supuesto. pero las interpretaciones me parecen muy buenas.
Tenemos a una muñequita llamada Sara Paxton, y al ver su cara entenderéis lo de muñequita. Como sus padres teníamos a otra belleza, Monica Potter que la recordaremos por Patch Adams o Con Air. Su padre era interpretado por Tony Goldwyn. Y el malo malote era Garret Dillahunt, aquí con un look auténtico de matoncete.

¿Y os suena de algo Spencer Treat Clark? Tenía su cara en algún sitio pero no la recordaba. Pero sí, es el niño de Gladiator, El Protegido (Unbreakable) o Arlington Road. Ya está crecidito. En el film hace un papel fundamental.

La música en estos films no suele ser muy llamativa, pero el Score de John Murphy es realmente y francamente muy bueno. Una agradable sorpresa sin duda de la que hablaremos próximamente. Muy recomendable.

La pandi de malos

En resumidas, un film muy entretenido donde reina la tensión. De una duración inmejorable pues llega a las dos horas y está lleno de sorpresas. Al menos a mi me resultó así. Será que me esperaba algo peor o un film de terror...

PD: No es un film de terror. Que no nos engañen. El film no va de una casa con un misterioso secreto, por Dios!!

Lo mejor del Film: Su puesta en escena. Música. Interpretaciones principales.

Lo peor del Film: Es un Remake. No se si es bueno o malo ya que no he visto el original.

Calificación: 7/10

Crítica : Cita en las Vegas (1964) Viva las Vegas!!

Tengo que reconocer que Elvis es para mí una debilidad. No solo era el Rey del Rock, también lo era de la balada, del blues del gospel. Y sí, sus películas son insulsas y sin argumento, pero simplemente verlo en la pantalla, hacer de chulito con ese tupé e interpretar sus canciones es razón suficiente y de sobra para que pueda caérseme la baba continuamente después de ver sus películas una y otra vez.

Y no creáis que no tengo mi favorita entre ellas. El G.I.Blues, me parece tremenda!!

Pero hoy le ha tocado el turno a Cita en las Vegas o como sería su título original mas correcto, Viva las Vegas.



El encargado de dirigirla era George Sidney, artífice de obras conocídisimas como Levando Anclas, Pal Joey, Escuela de Sirenas o Scaramouche.
Viva las Vegas nos cuenta la historia de un piloto de carreras fracasado por falta de dinero en busca de un motor para su coche. Entre medias se le cruza una gupísima Ann Margret de la que Elvis se enamora perdidamente (como para no hacerlo).


El film, como siempre, está lleno de temazos. En este caso destacamos el C´mon Everybody, The Lady Loves Me o el conocídisimo rock and roll What ´d I Say.

Pero vamos a explayarnos con la belleza del film. Ann-Margret.
En este caso ella no solo actúa, también canta y sobretodo baila, y de qué manera!.
Y es que ella a parte de actriz era cantante. La RCA le hizo un contrato ya que en vista de su talento quería ficharla como la Elvis femenina. Sin embargo todo se dislocó cuando en el 64 se topó con Elvis en la película que citamos hoy.
Se enamoraron y tuvieron una relación, que no sintió nada bien a la que por aquel entonces era su esposa, Priscilla.
Sin embargo, aún así fueron grandes amigos y conservaron su amistad hasta la misma muerte del Rey. Prueba de ello es que Margret fue la única con las que Elvis había trabajado que había acudido a su funeral.


Margret, que era una de las grandísimas bellezas de época, interpreta dos temas en el film que como curiosidad son casi imposibles de conseguir. Uno de ellos el Appreciation y el otro My Rival. Ilocalizables, por lo que pido que si alguien tiene alguna pista de ello me lo haga saber. Al menos nos queda el film para disfrutarlos, ya que en esos dos temas, sobretodo en Appreciation, Margret hace una coreografía perfecta de auténtico musical.

El film logicamente no tiene nada del otro mundo, pero el mayor incentivo y el aliciente para verla una y otra vez y no cansarse es sin duda Elvis, Margret y sus canciones.
Larga vida al Rey!

Lo mejor del Film: Elvis y la hiperguapa Ann-Margret.

Lo peor del Film: Sigue siendo un film soso a base de canciones.

Calificación: 6/10

C´mon Everybody (No tiene desperdicio)


The Lady Loves Me (version Studio)


What´d I Say

Crítica : El Hombre Elefante (1980) No soy un monstruo... soy un hombre

Film con el toque clásico y que claramente se lleva la condecoración de Clásico con letras mayusculas para una obra en la que David Lynch se volcó con todo entusiasmo al relatar con creces la historia real de Joseph Merrick.

Fue un hecho verídico la trayectoria de éste Merrick que a sus dieciocho meses de nacimiento le fue diagnosticada una variante del Síndrome de Proteus, donde todo su cuerpo se llena de tumores haciendo deformidades en cada miembro.

Lynch realizó sencillamente una obra majestuosa, oscura y fría como bien denota su estilo, con la salvedad de añadirle un blanco y negro a las imágenes para hacerlas aún mas clásicas.
Fue John Hurt el encargado de dar vida a Merrick, en la película llamado John en vez de Joseph. Y por otra parte tenemos a un brillante y magnífico Anthony Hopkins en el papel del doctor Frederick Treves.

Majestuoso Hopkins

Un papel el de Hopkins que es para quitar el hipo, ya que sobretodo en sus ultimos años nos tiene acostumbrados a su cara apenas sin movimiento y sus parecidos papeles.
Es simplemente la escena en la que el doctor descubre por primera vez al Hombre Elefante cuando la cara de Hopkins no tiene precio, no dice nada pero lo dice todo. Su boca abierta y sus lagrimas son tremendamente profundas y llegan muy adentro. Un diez para la actuación de Hopkins.

Hay que alabar a Hurt, pues no tuvo que ser facil meterse en la piel de Merrick tras un maquillaje dificultoso y por el que no tuvo nominación al Oscar ya que por lo que se vé no quisieron o no hubo candidatura para el maquillaje.

Por lo que se vé, Merrick en su vida real era un hombre muy listo, por encima de la media según cuentan. Junto a eso su caballerosidad y educación eran asombrosas y Lynch lo plasmó a través de John Hurt de manera perfecta.

Otro detalle importante fue para la distribución y producción del film, el contar con Mel Brooks. Éste no quiso firmar con su nombre real para no hacer promoción como si se tratase de un film de su marca y sello, de humor.

En el Soundtrack aun no contaba con su músico fetiche Badalamenti. Fue John Morris en ésta ocasión el que ofrecía una banda sonora tenebrosa y adecuada. Sin embargo es en la escena final donde suena el Adagio de Barber donde vibramos al completo e incluso, puede que algunos hasta hayan llorado... Fantástica.

El auténtico y verdadero Joseph Merrick en fotos de archivo. Una adaptación al film practicamente exacta

Pone los pelos de punta la escena en la estación de tren en la que lo persiguen y Merrick grita despavorido las palabras conocidísimas de... "Yo no soy un animal. Soy un ser humano.." Se me ponen los vellos de punta todavía.

Las últimas palabras de su madre: "Nada va a Morir". Provenían de un antiguo poeta romántico del 1800 en adelante. Alfred Tennyson. Unas palabras que bien querría imaginarse o que sencillamente era lo que su cerebro le dictaba escuchar en boca de su preciosa madre.

Cuatro años mas tarde, Lynch dirigiría Dune, lo que es para mí junto a Mullholland Drive sus mejores obras, pero El Hombre Elefante no se queda atrás pues sin duda es cine del bueno, del que marca, del que deja huella. Cine clásico absoluto.

Lo mejor del Film: Su historia. Hopkins y Hurt. Clasicazo puro

Lo peor del Film: No es la mejor de Lynch.

Calificación: 9.5/10

Crítica : Tron (1982) Es de los ochenta...

Puede que me llueven palos con ésta crítica. Sobretodo después del 9 que le dí a Tron Legacy.
Pero creedme, no critíco éste film por sus efectos que a día de hoy son de risa. Logicamente en los ochenta, el film fue un pelotazo impresionante entre otras cosas por sus efectos.

Pero dejando atrás ese tema y sin hacer comparaciones a mi bendita y amada Tron Legacy, voy a hablar como me sale del alma de éste film casi de culto de los ochenta.

El director de los Animalympicos (vaya nombre de guasa), Steven Lisberger fue el seleccionado por la Disney para realizar un film de ordenadores y sus interiores. Bajo los efectos especiales de varios 486 (esto lo he sacado de mi manga), y trajes de colores a relucir entre luces tenues, tenemos un film de ciencia ficción o quizás mas bien fantasía.

Eso no eran discos duros, eran Frisbees!

Nos relata la vida de un Hacker que trata de dar con la clave para adueñarse del CCP de la empresa Encom y tras unas pruebas acaba dentro del mísmo ordenador tras ser disparado por un laser desintegrador de materia y partículas. A raíz de ello, Flynn colabora con Tron para adentrarse en el disco principal evitando al CCP y a sus pupilos.

En realidad no hay mucho mas. Y si os digo, cuando la gente criticaba Tron Legacy por su escaso argumento (según algunos, pues para mí lo tiene) resulta que Tron tiene aún menos. Pero no es eso lo peor, ya que como hemos hablado, su fuerte fueron los efectos de la época.
Lo peor en sí es lo paradójico de algunas escenas que parece que salen porque sí y sin más. De buenas a primeras sin saber como ni cuando, vemos a Flynn como director de Encom! es solo un pequeño ejemplo. Y no es que digamos que el film esté hecho a base de casualidades, ya que en una película irreal de éstas caracteristicas, las casualidades no son un punto en contra. Mas bien me refiero a lo inconexo de algunas escenas que no tienen lógica. Simplemente eso.

En el apartado musical, podemos dar un suspenso alto a Wendy Carlos. A mi las musicas de las películas aventureras de los ochenta me suenan todas muy parecidas y aquí tenemos una más. Para colmo, contamos con el grupo Journey (grupazo de época) abarcando algunos de los temas. No pegan, sencillamente porque es un grupo rockero y la música requiere más teclados. Que bien le hubiese venido por aquel entonces la mano de Vangelis, Jean Michel Jarre o el propio Mike Oldfield. La BSO es sencillamente un desacierto absoluto.

Flynn apunto de ser penetrado por un rayo laser

En resumidas, me aburrió el film al completo. Bridges no está mal, pero no brilla como lo hace en la secuela, que ahora sí lo digo con la boca llena... es infinitamente mejor.

PD: Dije que no iba a hablar, pero sí lo voy a hacer... Los efectos de Tron son ochenteros, pero leche! años antes existía una saga llamada Star Wars que tenía unos efectos infinitamente superiores.... Con eso lo digo todo.

PD2: Por mucho Bluray con que se vea en su edición remasterizada, sigo siendo la misma.

Lo mejor del Film: Si viviesemos en los ochenta, sus efectos.

Lo peor del Film: Sin argumento. Momentos y acciones inconexos.

Calificación: 5/10

Crítica : Vertige (2009) Máximo Riesgo terminado en típico film niñatil.

Abel Ferry se estrenaba en su tierra natal, Francia con un film muy atractivo. Vertige.

He de decir que su fotografía, sus paisajes y su tensión me colapsó por completo. El inicio del film es demoledor desde primera hora que empiezan la escalada. Algunas tomas imposibles y malos rollos entre algunos miembros del grupo, siempre por via amorosa, hacen del film un Máximo Riesgo con mas riesgos que el de Stallone. Al menos más creíble.

Sin embargo, lo que podía haber sido una gran película de alpinismo, escalas y tensión como la que se vive al cruzar el puente u otras... finalmente se tuerce todos para convertir el film en una especie de terror movie de las baratas, sin suspense alguno y con una historia que ya deja de ser real. Ferry pincha y gravemente.

El de atrás bien agarradito. Un llorón de primera como no puede faltar en éstas pelis.

Soy de los que piensan que si el film hubiese sido por completo, más un pasarratos del grupo protagonista con accidentes y momentos sin salida, hubiese estado mejor que el resultado susodicho.

Los actores están bien, pero falla el contenido.
La música de Jean-Pierre Taieb guarda consonancia con lo que vemos, dejando basicamente suspense para el momento pero no para ser un soundtrack disfrutable para llevarse a la cama o al coche.

En resumidas, un film que entretiene, que empieza demoledor pero que se acaba convirtiendo en una de las tropecientasmil películas de "terror" que tenemos en el mercado de la serie B y no tan B.

Ferry, con su gorra como es ley de vida en todo director, dando instrucciones a la hiperguapa Fanny Valette.

Lo mejor del Film: Su primera parte. Escalada y tensión. Fanny Valette.

Lo peor del Film: Indudablemente, su segunda parte. Desenlace serieB.

Calificación: 6/10

Crítica : Eyes Wide Shut (1999) La mejor despedida para un Maestro

Probablemente ésta sea la crítica más complicada que he tenido que hacer hasta la fecha desde que empecé a escribir la primera crítica que fué del film Red de Mentiras a finales del 2008.

Volvemos con el maestro de maestro, director de directores. El mas grande, una vez más.
Eyes Wide Shut fue su última obra. Una pena ya que tenía entre manos el proyecto de Inteligencia Artificial que acabó rodando Spielberg, otro genio.

En el 99, el film se llenó de gran repercusión, enormes movimientos. Fue debido a los desnudos de la pareja protagonista. Por aquel entonces el matrimonio Cruise. Nicole y Tom.
Lógicamente, se habló más de ese detalle que del film en sí. Seguramente en vista de su complejo desarrollo. Éste hecho me recordó notablemente a otra de mis películas favoritas, Solaris, en la que George Clooney mostraba su trasero y eso, para alegrías de muchas, fue sin duda tema para hablar. Sin embargo el contenido del film quedó en el olvido, en la nada. Solo unos pocos de cinéfilos (que espero no sean pocos) supieron ver la magnificencia del film.

Pero hablamos de Eyes Wide Shut. A Kubrick no le hacía falta una polémica así para vender una película, pues no era un director cualquiera. Tras su filmografía nos había dejado joyas únicas y a cada cual diferente, cosa que no han conseguido muchos directores hoy día.

El film nos habla de un matrimonio adinerado. En una conversación íntima, la esposa le confiesa a su marido que hubo una vez en la que estuvo a punto de dejarlo todo para irse con alguien que ni siquiera conocía. La forma en la que lo dice y su locura, hacen temblar al marido. Éste acude a una llamada de un cliente y mientras tanto piensa e imagina los momentos citados por su esposa. Es en su viaje nocturno cuando empiezan a ocurrir cosas inimaginables. Desde una mujer que se le declara en un velatorio hasta la "visita" a un club privado hedonista que se las harán pasar canutas. Todo sin embargo, ocurre bajo una razón, una perspectiva y una óptica que tenía muy clara el director.


Y es que el film no solo cuenta con su trama una simple moraleja. Mas bien encierra muchos detalles que abren puertas a diversas explicaciones. Y no son subtramas, son mas bién un compendio que se irán esclareciendo probablemente con cada visual.

Desde luego, si Kubrick quería dejar algunos mensajes claros, los deja de manifiesto en el film. Los peligros fuera del matrimonio, la mentira y su condena y básicamente lo que és en sí el matrimonio.
¿Y en qué consiste? Se explica perfecta y concisamente en la ultima frase que pronuncia el personaje de Kidman al concluir el film. Esa es la visión del director y es en gran manera de una lógica aplastante. ¿Que porqué no la digo? Mejor la veis si aún no lo habéis hecho.

Esta vez, el director realizó una selección musical muy brillante. Todo lo contrario que ocurrió con La Chaqueta Metálica y el Score realizado ocultamente por su hija Vivian.
En el Soundtrack encontramos temas de Jocelyn Pook, una controvertida artista y a la vez misteriosa. Sus discos Flood y Untold Things son altamente recomendables. Pook mete mano a su música en las escenas del Club privado hedonista. Y son francamente perfectas. Era la indicada. Una muestra de su valía es éste tenebroso tema que os pongo a continuación, que proviene de las escenas de los rituales. Sencillamente magnífico.



Junto a ello, mezclamos temas Jazzísticos de Mehldau o Gerson. Pero sin duda. El Tema, el señor tema. El Temón, viene en esa pequeña escena en la que el matrimonio protagonista regresa a casa, se apaga la imagen y al encenderse vemos a Nicole frente al espejo, totalmente desnuda. Llega su marido y la besa acaloradamente. Es entonces cuando desde el primer fogonazo de encendido tenemos al gran Chris Isaak con su Baby did a Bad Bad Thing. Temazooooo.



Son tremendas las escenas compartidas entre la pareja protagonista, cada uno con sus quehaceres y de fondo el Vals desde la Suite Jazz, que es el tema con el que comienza el film. Pero sin duda, y lo que más nombre le da al film es su inicio y final del soundtrack con la Musica Ricertata II de Dominic Harlan aunque originalmente de György Ligeti. Una escena en la que suena y le va al pelo es el momento en el que al protagonista lo sigue alguien. Música y escena a primer nivel. Van que ni al pelo.



Un Soundtrack de lujo que va a juego con una película exquisita, para unos paladares refinados.

Se cuenta que a raíz de éste film, la relacion de Nicole Kidman y Tom Cruise fue a pique, pero en este blog no hablamos de corazón. Cada uno que haga con su vida lo que quiera, ¿no?

Curiosamente, teniamos en el film a Sidney Pollack, que falleció no hace mucho desgraciadamente. El papel de él estaba pensado primeramente para Harvey Keitel, pero según las malas lenguas fue contratado en parte para "controlar" al bueno de Kubrick y no se desmadrara. Sin embargo, vemos que al final hizo lo que quiso. Parte de ello fue notable en la orgía del Club, donde el director corría el riesgo de llegar a una clasificación X.
A diferencia de en 2001, donde tuvo que recurrir a monos "tapados" en vez de hombres desnudos como él quería, aquí la censura no pudo con el y no quitó ninguna escena.

Sin embargo, para evitar la clasificación, el film se estrenó en EEUU con escenas tapadas. Por lo que se ve, en los planos mas explícitos aparecían siluetas puestas delante evitando la vista completa.

Tenemos que alabar a la pareja protagonista, y me vuelco con Tom Cruise una vez más (ya sabeis que yo soy de los pocos que lo apoyan). Cruise no sabe elegir la mayoría de sus papeles, pero es un buen actor. En este film vuelve a relucir al cien por cien. Sigue estando infravalorado, pero entre sus aciertos nos ha dejado obras como Jerry Maguire, Nacido el Cuatro de Julio, Collateral y por supuesto, Eyes Wide Shut. Un actorazo


Por supuesto, yo no he hablado de todo el contenido que se saca en el film, porque es mucho, y con cada visión, los detalles se engrandecen.Ejemplos como el de los momentos que tiene el protagonista para romper su matrimonio sexualmente hablando con otras personas y lo que acaba haciendo finalmente es solo una de las decenas de detalles que podemos sacar. Es un film para verla con amigos cinéfilos, ya que sin duda, es una alegría y un buen punto el pasar momentos debatiendo escenas y mensajes de un film tan grande como lo es su director. Stanley Kubrick

Lo mejor del Film: Absolutamente Todo

Lo peor del Film: Absolutamente Nada.

Calificación: 10/10

Crítica : Las Crónicas Mutantes (2008) Estética brillante...

Simon Hunter se estrena con un film realmente atractivo y que nos recuerda en flashes a aquel Sky Captain y el mundo del Mañana. Sin embargo, dejando solo esos maravillosos y podriamos llamar incluso clásicos escenarios o foto-montaje, nos trasladamos en este film a un mundo lleno de sangre. Sangre muy roja, eso sí. Y es que el color es uno de los elementos básicos de este film para darle un toque mas Noir a pesar de ser una película futurista.

Es futurista porque se remonta a más del año 2700, pero parece que estemos en la primera guerra mundial. Se mezclan armas y granadas de aquellos entonces con naves espaciales que suben a fuerza de caldera!! Ese es el futuro amigos.

Hasta ese punto, el film me parece no menos que original aunque sea para echarse las manos a la cabeza por ese punto de vista sobre un futuro tan apocaliptico.

Brillante Estética.

La tierra está dividida por tres o cuatro bandos entre los que se enfrentan entre si. En mitad de una batalla, una maquina dormida de hace milenios despierta y empieza a mutar considerablemente a la población. Estos mutantes asesinos que tienen más pinta de cangrejos por su brazo, que usan para "pinchar" a todo el que venga por delante, son capaces hasta de manejar una nave espacial. Y eso que va a caldera!! Es solo uno de los muchísimos detalles horrorosos del film.

La película está llena de chirriantes momentos vergonzosos. Y el reparto no es moco de pavo, ya que teníamos a John Malkovich, Ron Perlman, Thomas Jane y Devon Aoki. Sin embargo, el film, a pesar de su estética Noir tiene fallos garrafales.

Otro ejemplo es cuando están pasando los protagonistas por un pequeño pasillo de piedra y no tienen más que vacío a sus lados. Algunos andan moviendose de un sitio a otro como si pasaran por un suelo liso de metros de ancho. Sin alejarnos de esa escena, podemos observar el momento de los saltos. Es tremendamente falso y mal hecho. Si la habeis visto, sabréis de lo que hablo.

Aún podría quedar la esperanza si el argumento fuera en cierto modo bueno u original. Pero es que no, es el argumento de siempre. Hay una plaga y para eliminarla deben destruir a la base o nave de donde proviene. Ni más ni menos.

Ahhhh! pero pero pero, esto que és!!!

¿Y qué decir del momento lucha entre Perlman y Jane mutados? Jajajajajajaja, perdonad que me ría pero es que es de autentica serie Z. Ni siquiera B.
En fín. Podría estar diciendo fallos y fallos y más fallos pero mejor acabo ya.
Si la podéis evitar, mejor que mejor. Porque para ver simplemente una estética algo original, para eso poned Sky Captain. Os he avisado.

Lo mejor del Film: Su estética

Lo peor del Film: Sus actores, sus enormes fallos. Su chulería. Su argumento.

Calificación: 3/10

Crítica : La Chaqueta Metálica (1987) El Sargento Hartman y el Antibelicismo.

La penultima película del genio de genios antes de su triste fallecimiento.
Stanley Kubrick que vió retrasada su obra en vista de otros estrenos bélicos como Apocalypse Now o Platoon decidió esperar y regalarnos El Resplandor para deleite de muchos, incluida mi persona.

Finalmente, y tras el estreno de Platoon, Kubrick se puso manos a la obra y nos trajo en el 87 La Chaqueta Metálica, un film de la guerra del Vietnam que bien podría estar dividido en dos partes muy diferentes.
La primera, el reclutamiento y enseñanza de los Marines a cargo del Sargento de Artillería Hartman. Y una segunda, donde entramos de lleno en la guerra y su crudeza y la visión de como la vivió cada soldado.

Teníamos a un Vincent D´Onofrio en el papel de recluta Patoso. Papel para el que tuvo que engordar unos kilos de más. Su apodo ya lo dice todo, es el lento y retrasado del grupo. Sus errores haran que los demas paguen por el y eso hará que se vuelva psicótico y hable con su arma en ocasiones hasta el momento final que todos conocemos.

Hartman y sus reclutas

Matthew Modine es Bufón, quien se encarga de acabar enseñando a Patoso en sus retrasos. Es quien vive de cerca el cambio del recluta. También es el narrador y su trabajo en la guerra es como reportero aunque acaba saboreando muy de cerca el sabor amargo de la guerra.

Y Lee Ermay, un autentico sargento de guerra que fue utilizado anteriormente por Coppola en Apocalypse Now como piloto de un helicoptero y finalmente contratado por Kubrick para dar vida al Sargento Hartman.

Es curioso que éste Sargento no compartió ni hizo vida con los demas actores del rodaje pues quería que sus escenas fueran auténticas como si de un pelotón de marines se tratase. Su porte imponía a los demás, y algunos actores se cagaban literalmente de miedo cuando venía. Las escenas de éste hombre no tienen precio. Y aunque estaba bajo guión, sus insultos hacia los reclutas y formas de hostigarlos eran de su propia reserva.
Kubrick, al ver la forma de trabajar de Ermay, vió al hombre perfecto para el papel.
Con el tiempo, Ermay cuenta que los actores del film ni siquiera se dignan a saludarle... Nos podemos hacer una idea de la personalidad de éste héroe de guerra.

Entre el elenco teníamos también a un joven Adam Baldwin, que no tiene nada que ver con la saga Baldwin y que probablemente recordemos por films como Independence Day o El Aviador.
Stanley Kubrick deja como siempre su sello a la hora de usar la cámara. Las tomas de seguimiento al Sargento Hartman o incluso en plena guerra cuando el pelotón observa los dos cuerpos de sus compañeros, la cámara les hace un seguimiento a cada uno para decir unas palabras.
El momento en el que suena el tema Surfin Bird de The Trashmen es antológico ya que nos muestra a un reportero grabando un video en plena batalla mientras los soldados están refugiados. Una mezcla perfecta.

La lentitud de algunas escenas está hecha a conciencia y en algunos casos necesaria como esa escena final en la que los marines caminan entre el fuego y la noche y canturrean una canción infantil. Un detalle que nos hace pensar que por mucho hombre que se sea, a veces es necesario recordar nuestros origenes, volver atras y tener miedo.

Pero es sin embargo la escena en la que el recluta Bufón mira atentamente a la mujer al borde de la muerte, y que ha sido la asesina de tres de sus compañeros. En ese momento las palabras de uno de sus compañeros se cruza en su mente y renace la mirada de los mil metros, esa en la que te das cuenta de donde estás metido de verdad. Tus ojos se pierden por completo. "como si se hubiera visto el más allá".

Logicamente, La Chaqueta Metálica es un film anti-bélico y que incluso fue prohibido en Asia por su contenido.

D´Onofrio como el recluta Patoso en su momento cumbre

Como curiosidad, aunque la música está realizada por Abigail Mead, ese nombre es falso. Está creada por la hija del propio Kubrick, Vivian Kubrick. Es tremendamente mala y casi nula. Unicamente salvable por algunos temas conocidos como el citado de The Trashmen, Sam the Sham and the Pharoas o Nancy Sinatra. Un soundtrack realmente evitable.

El film, en resumidas, es una joya imprescindible en la que el mejor director de todos los tiempos usó la guerra por segunda vez (la primera en Senderos de Gloria) para usarla en su contra. El Antibelicismo y lo que se vive dentro de un cuartel queda bien reflejado en el film del maestro.

Lo mejor del Film: La primera parte del film. El Sargento Hartman en todo su esplendor. Su mensaje. El toque Kubrick tras la cámara.

Lo peor del Film: La segunda parte en Vietnam flojea un poco y algunas escenas lentas. Su Banda Sonora altamente evitable.

La Frase: "-¿Has matado a mujeres y niños?
-Algunos
-¿Y como has matado a mujeres y niños?
-Facil, solo hay que apuntarles un poco mejor"

Calficación: 9/10

Crítica : El Cuarto Protocolo (1987) Haciendo una bomba atómica en casa

Tengo que reconocer que la película la vi hace bastante tiempo y apenas la recordaba, pero sí sabía que me gustó mucho.
Tenemos a Michael Caine como protagonista y a un Pierce Brosnan malo malote en uno de sus mejores inicios. Ya por aquel entonces era muy conocido por la pedazo de serie Remington Steele, una especie de Bond más gracioso. Cinco años después, hacía su papel de villano en El Cuarto Protocolo y ya apuntaba maneras de sobras.
Es sin duda uno de los mejores actores del guaperas ex-Bond.

El film está dirigido por John Mckenzie. Éste film es sin duda el mejor de su carrera con diferencia aunque nos regaló telefilms entretenidos como el caso de Quicksand con Michael Keaton.

Años después, me propongo a revisionarla, y la magía, en cierto modo se ha perdido. La noto sosa en algunas aspectos, sobretodo en sus terminaciones. Y es que ahora que uno ha visto bastante cine, se dá cuenta de ciertos aspectos y El Cuarto Protocolo recae en tópicos del film de espías. Eso sí, tener a Michael Caine como actor principal es garantía de calidad, aunque la película sea un bodrio.

El trio protagonista, el inglés y los dos rusos

El film no es un bodrio! Es tremendo. Pero es cierto que no propone nada nuevo. También es cierto que hablamos de un film de los 80.
Hay grandes momentos y escenas como la del paso a paso de la creación de la bomba atómica que quedarán para los restos. Brosnan está de diez y Caine de once, para variar.

Nos cuenta sobretodo la personalidad de un espía soviético que se hace pasar por Inglés para atentar contra una sede militar americana. Entretanto un intercambio de datos y tapaderas entre los jefes rusos y secretos de estado del gobierno Inglés harán que la tensión esté servida.

Uno de los aspectos que tendrían que haber explotado más es la personalidad del personaje de Brosnan. Frío, asesíno, pero con cierta debilidad hacia las mujeres. Un poco recordándome al Norman Bates de American Psycho. Hubiese estado genial ya que el papel de Brosnan es practicamente perfecto.

Otro punto positivo fue el hacer de Frederick Forsyth que fue el escritor de la novela donde se basó y que reescribió para guionizarlo a la pantalla. Y eso es algo que enriquece mucho más las novelas cuando el propio escritor se adentra y forma parte del guión. Casi nunca suele pasar eso.

"Dicen que soy un máquina destrozando finales de películas, pues no os contaré como acaba ésta solo diré que al final muere...(Oculto por el Criticón)"

La música es del mítico Lalo Schifrin, recordado sobretodo por su saga de Harry el Sucio. En este caso hace un soundtrack acorde al film pero bastante pobre. Apenas hay melodía y su partitura se basa en variaciones de instrumentos para recrear malestar. No recomendable.

En resumidas, después de revisionarla tras unos años, el film ha perdido fuelle, pero no deja de ser una elegante manera de tratar el mundo del espía.

Lo mejor del Film: Un Brosnan malo malote de escándalo. Lógicamente, Caine.

Lo peor del Film: No ofrece nada nuevo. Su música. Unos créditos finales de los peores del mundo del cine.

La escena: La creación paso a paso de la bomba.

Calificación: 6.5/10



Una escena que nos muestra la personalidad del personaje de Caine.